Uno sguardo all'arte di Jean Le Moal

Jean Le Moal è diventato pittore a Parigi alla fine degli anni Trenta, proprio mentre l’Europa era al culmine della sua fioritura culturale e allo stesso tempo precipitava nel caos. L’intera sua carriera ha espresso echi di questa dicotomia. La sua arte è sia una testimonianza della struttura, sia un’accettazione del disordine. Anche i suoi primi dipinti definivano Le Moal come un maestro del colore e un esperto disegnatore. Ma sebbene i suoi primi lavori fossero vivaci ed energici, non erano troppo originali. La maggior parte delle sue idee le otteneva copiando i maestri moderni al Louvre, e quindi il suo stile immaturo era fondamentalmente una miscela di colore fauve, struttura cubista e soggetti surrealisti. Tuttavia, Le Moal era entusiasta e coraggioso, e determinato a scoprire un giorno la sua voce unica. Credeva che quella voce gli sarebbe giunta attraverso i sentieri del Modernismo e dell’Astrazione. Il suo entusiasmo per la novità e la sperimentazione lo portò a entrare nella compagnia dell’avanguardia francese proprio mentre i nazisti stavano conquistando l’Europa e denunciando quella che chiamavano “Arte Degenerata”. Le Moal fu uno dei tanti artisti francesi che si opposero a questa censura. Durante l’Occupazione nazista della Francia, divenne persino membro fondatore di un gruppo chiamato Salon de Mai (Salone di Maggio). Oltre a Le Moal, questo collettivo influente includeva il critico d’arte Gaston Diehl, così come artisti come Henri-Georges Adam, Robert Couturier, Jacques Despierre, Francis Gruber, Alfred Manessier e Gustave Singier, tra gli altri. Il Salon de Mai si formò in un caffè, e dai posti del caffè il gruppo organizzò una serie di mostre nel corso di diversi anni che rappresentarono una sfida diretta ai loro occupanti. Il Salon de Mai divenne un faro di luce in un tempo oscuro, e contribuì a garantire che l’arte francese sopravvivesse oltre la guerra. Forse è esagerato dire che Le Moal e i suoi compagni portarono la loro fede nell’arte al livello di una religione. Tuttavia, quando la guerra finì, Le Moal divenne davvero molto dedito all’idea che l’arte abiti un regno distintamente spirituale. Nel tentativo di creare una voce visiva trascendente, si dedicò completamente all’astrazione, riuscendo infine a incanalare il misterioso potere del colore e della luce.

Influenze Architettoniche

Le Moal nacque nel 1909 a Authon-de-Perche. Suo padre era un ingegnere civile che incoraggiò Le Moal a intraprendere gli studi di ingegneria e architettura da giovane. Le Moal studiò scultura a scuola, specializzandosi in bassorilievi. A 17 anni si iscrisse alla scuola delle Belle Arti di Lione come studente di architettura. Passarono altri due anni prima che dipingesse finalmente le sue prime tele. Quei primi dipinti erano opere figurative ispirate alla natura. E anche a metà degli anni Trenta, quando Le Moal iniziò a esplorare stili modernisti come il Surrealismo e il Cubismo, i suoi dipinti mostravano influenze architettoniche. Opere come “Personaggio Seduto” (1936) e “Flora” (1938) rivelano una forte attrazione per la struttura e l’armonia computazionale tradizionale. La sua padronanza nel gestire lo spazio nella sua arte portò anche a una delle sue prime svolte come artista, quando nel 1939 Le Moal fu scelto per dipingere gli affreschi sul soffitto del Padiglione francese all’Esposizione Internazionale di New York.

Jean Le Moal - Barques 1947. Olio su tela. 81 x 117 cm. Collezione privata, Svizzera. © Tutti i diritti riservati / ADAGP, Parigi, 2018.

Negli anni Quaranta, Le Moal trovò il coraggio di allontanarsi dalla figurazione, ma rimase comunque ossessionato dalla struttura lineare. Nei suoi primi lavori astratti isolò gli elementi di colore e linea in modo tale che l’opera ricordasse quella di artisti come Piet Mondrian e Theo van Doesburg. Fu solo negli anni Cinquanta che Le Moal trovò finalmente un metodo tutto suo, liberandosi completamente dalla struttura e abbracciando uno stile più lirico. Dipinti come “Primavera” (1957) e “Flora” (1960) sono brillanti esempi di Tachismo, e suggeriscono anche i progressi che Le Moal stava facendo nel regno spirituale. Per realizzare questi dipinti, disse di essersi liberato dalla necessità di racchiudere le cose. Ironia della sorte, nel 1956, proprio mentre dipingeva queste opere rivoluzionarie, stava anche tornando a interessarsi all’architettura iniziando una nuova carriera nella realizzazione di vetrate per chiese.

Jean Le Moal - Paysage, la ferme, 1943. Olio su tela. 24 x 35 cm. Museo delle Belle Arti di Quimper. © ADAGP Parigi 2018

L’Arte come Preghiera

È difficile dire cosa venne prima per Le Moal—le vetrate o i dipinti che sembrano vetrate. In ogni caso, i suoi dipinti a vetrata incarnano l’effetto di raggi luminosi di colore che brillano attraverso forme frantumate che fluttuano nello spazio. Uno degli esempi più iconici dei suoi dipinti a vetrata è “Les Arbes” (1954). La traduzione significa “Gli alberi”, e infatti questo dipinto suggerisce la vista dei rami di un albero spoglio. Una luce brillante e colorata riempie gli spazi tra le linee, creando un mare di forme vibranti, luminose, arancioni e gialle. Come Agnes Martin, Le Moal deve aver visto una sacralità insita nel tre, e tentò allo stesso modo di catturarla con linee e colore in dipinti come “Les Arbes.”

Jean Le Moal - L'Ocean, 1958-1959. Olio su tela. 1,62 x 1,14 m. Deposito del Museo Nazionale d’Arte Moderna presso il Museo delle Belle Arti di Quimper. © ADAGP Parigi 2018

A differenza di Martin, tuttavia, che non era apertamente religiosa, Le Moal era molto aperto riguardo alle sue convinzioni. Era cristiano, e le sue vetrate furono installate in chiese cristiane. Sperava anche che non piacessero solo ai credenti. Espresse il desiderio di creare spazi dove le persone potessero pregare, ma anche dove chi non prega potesse comunque trovare silenzio e pace. Il modo in cui la sua pratica delle vetrate influenzò Le Moal come artista fu straordinario. Le cornici delle sue finestre sono altamente strutturate in accordo con l’architettura delle chiese in cui sono installate. Ma le composizioni all’interno delle strutture sono liriche, gestuali e altamente astratte. Allo stesso tempo, dipinti come “Luce estiva” (1984-1986) mostrano come il suo stile maturo divenne così sciolto e astratto durante gli anni Settanta e Ottanta che i suoi dipinti arrivarono a somigliare a magliette tie-dye, con campi vorticosi e psichedelici di colore che si fondono l’uno nell’altro e si mescolano con i campi illusori e trascendenti. Alla fine della sua vita, Le Moal aveva compiuto un giro completo come artista capace di esprimere perfettamente e simultaneamente il delicato equilibrio che esiste tra struttura e libertà, e di catturare l’architettura sfuggente della luce.

Immagine in evidenza: Jean Le Moal - Pesce, 1952. Litografia. Composizione: 29,9 x 50 cm; Foglio: 38 x 57 cm. Guilde de la Gravure. Fondo Larry Aldrich. Collezione MoMA.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio