抽象は物理にある - ジュール・オリツキ

ウクライナ系アメリカ人アーティストジュール・オリツキ（1922年 – 2007年）のキャリアは、アートがすべての実践者によって同じ方法で行われなければならない固定された人間の営みではないことを思い出させてくれます。たとえば、旅客機を飛ばすように。アーティストは、あるいはそうあるべきで、自由にフィールドを再発明することができます。オリツキはただ一つの要因に導かれていました：彼の直感です。彼は、イメージのビジョン、あるいは捉えたい感覚、または具現化したい物質的存在を持ち、それを実現しようとしました。彼のビジョンがトレンドや嗜好に合うかどうかは重要ではありませんでした。ほとんどの人は彼の作品を抽象的だと呼びますが、彼自身はその区別をしませんでした。おそらく、彼にとって絵画の特定のビジョンは、それ自体が一種の主題であったからです。もし誰かが空中に浮かぶ色のスプレーを描くことを夢見て、その夢を実現する絵を描いたなら、その絵はまさにそれが描写するものです：空中に浮かぶ色のスプレーの絵です。これ以上具体的にできるでしょうか？他のアーティストへのアドバイスについて、オリツキはかつて「何も期待するな。自分の仕事をしろ。祝え！」と言いました。彼は観客にも似たようなアドバイスをしたかもしれません：「何も期待するな。作品を見ろ。祝え！」しかし、アートの鑑賞はアート批評とは別の喜びです。批評家、歴史家、アートディーラーは、オリツキをアート史という線形の物語の中で正確にどこに位置づけるべきか長い間苦労してきました。おそらく、オリツキ自身が自分がどこにフィットするのかを気にしなかったからです。彼はスタイルやメディウム、方法をあまりにも頻繁に切り替えたため、歴史的に位置づけるのが難しいだけでなく、商品化するのも難しいのです。なぜなら、多くのコレクターは、収集しているアーティストについて便利な短縮語で話したいからです。「これはグリッドペインターです。これはクモを描いた女性です。これは箱を描いた男です。など。」オリツキに関してはそれができません。彼はただ一つのことだけで知られるにはあまりにも多くのことをしました。したがって、私たちは唯一の選択肢、最良の選択肢に縛られています：「何も期待するな。絵を見ろ。祝え。」

エッジの上の絵画

スノフスク（現在のウクライナ）で生まれたオリツキは、父親が地元のソビエトのコミッサールに殺された後、1歳で母親と共にアメリカに移住しました。彼らはニューヨークのブルックリンに定住し、高校時代にはオリツキは芸術に対する優れた才能を示しました。彼はマンハッタンで芸術を学ぶための賞を受賞し、最終的にはプラット・インスティテュートに通うための奨学金を得ました。第二次世界大戦に徴兵された後、オリツキはG.I.ビルの特権を利用してパリでの芸術教育を続けました。そこで彼はモダニストの巨匠たちを間近で学び、自身の悪魔と向き合いました。特に、彼は自分の教育によって支配されていることに気づきました。彼が絵を描く際に目隠しをして行ったエクササイズは、自分のアイデアの操作を克服したいという彼の欲望を象徴しています。その創造的自由への同じ献身が、彼の残りの人生を導きました。

ジュール・オリツキ - 愛と無視をもって: ラプチャー・ブレッシング, 2002年。アクリル・キャンバス。60 x 84 インチ (152.4 x 213.4 cm)。アメリンガー・ヨーヘ・ファインアート, ニューヨーク。© ジュール・オリツキ

彼の最初の絵画展は1950年代に行われ、ムーディで暗いインパストの抽象画が支配的でした。例えば、「スレイン・デミコフスキーの記憶に」（1958年）は、彼の父にちなんで名付けられた作品です。しかし1960年までに、オリツキは全く異なるアプローチを採用し、新しいタイプのアクリル絵具を使用して、平坦で鮮やかな色彩の構成を作り出しました。その中では、生物的なアメーバのような形が、まるで絵画のペトリ皿の中で存在するかのように現れます。5年後、彼は再び方向を変え、今度は工業用スプレーガンを使用して、「雲のように漂う色のスプレーを描く」という夢を実現しようとしました。彼のスプレーガンによる絵画は、確かに遠くの星雲にある気体の雲と同じような多くのエーテル的な特性を持ち、爆発する星の光によって逆光で照らされています。この作品群は、オリツキに「絵のエッジ」について考えさせるきっかけとなりました。「絵画は内側から外側へ作られる」と彼は言いました。彼の理解によれば、作品の外側のエッジはキャンバスのエッジではなく、色のエッジでした。オリツキは、色が絵具の限界を超えて、光と精神的な知覚によって絵画の表面と私たちの目の間の限界空間に運ばれることを認識していました。

ジュール・オリツキ - グラフィック・スイート #2 (オレンジ)、1970年。シルクスクリーン。35 x 26 インチ（作品）；36 x 27 インチ（額装）。 © ジュール・オリツキ

構造と流れ

1970年代中頃、オリツキは再び手法を変え、以前の muted なインパスト技法とスプレーガンの使用を融合させ、「Secret Fire – 2」（1977）のような絵画を創作しました。これらの作品は、エーテル的なカラーパレットにもかかわらず、明確な物質的存在感を投影しています。彼はこの手法の混合を発展させ続け、1980年代には「Eternity Domain」（1989）のような大胆な金属的抽象作品を、1990年代には「Upon a Sea」（1996）のような地獄のように原始的な作品を創作しました。視覚的には多様ですが、これらの作品はすべて、オリツキが次のように要約した類似の指導原則を共有しています。「私は絵画を構造に取り憑かれたものとして考えていますが、それは色の感覚の流れから生まれた構造です。」オリツキが生涯の最後の年に創作した絵画、「With Love and Disregard: Rapture」（2002）のような作品は、この指導原則を劇的な形で表現しています。彼らの物質的存在の構造は石のように頑固ですが、その存在の軽やかさは「色の感覚の流れ」における色彩の権利を明確に主張しています。

ジュール・オリツキ - パトツキーの情熱、1963年。マグナ・オン・キャンバス。88 x 71 1/2 インチ (223.5 x 181.6 cm)。ヤレスアート。© ジュール・オリツキ

彼の生涯にわたる抽象画の実践に加えて、オリツキーは常に具象の肖像画や風景画を描いていました。彼はまた、彫刻のキャリアも非常に多作であり、絵画のキャリアと同様に、自身の想像力以外には何にも制約されていませんでした。子供の頃、オリツキーは義理の父から「パトゥツキー王子」というあだ名を付けられました。その名前は彼の作品に何度も登場します：「パトゥツキーの楽園」（1966年）、「パトゥツキーの情熱」（1963年）、「パトゥツキー王子の命令」（1966年）。私がオリツキーがアーティストとして達成したすべてに浸透していると見るのは、まさにこの子供のような無邪気さへの献身です。美術史は通常、キャリアの初期に急進的なアーティストにのみ伝説的な地位を与え、その後「成熟」を経て、繰り返しに至ります。オリツキーはそのキャラクターのスケッチには当てはまりませんでした。彼はできる限り実験的かつ自由に、自分の作品を期待せずにただ行い、祝いました。それが私にとって彼を伝説にするのです。

特集画像：ジュール・オリツキ - バジウム・ブラッシュ、1960年。マグナ・オン・キャンバス。79 x 109 インチ (200.7 x 276.9 cm)。カスミン、ニューヨーク。© ジュール・オリツキ
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フィリップ Barcio による