抽象は物理にある - ジュール・オリツキ

ウクライナ系アメリカ人の画家Jules Olitski（1922年 – 2007年）の経歴は、芸術が乗客機の操縦のようにすべての実践者が同じ方法で行わなければならない固定された人間の営みではないことを思い起こさせます。芸術家は、あるいはそうあるべきで、望むたびにその分野を完全に再発明する自由を持っています。Olitskiが唯一従ったのは直感だけでした。彼はイメージのビジョンや捉えたい感覚、具現化したい物質的存在を思い描き、それを実現しようと試みました。彼のビジョンが流行や好みに合うかどうかは問題ではありませんでした。多くの人は彼の作品を抽象画と呼びますが、彼自身はその区別をしなかったかもしれません。なぜなら、彼にとって絵画の特定のビジョンこそが、それ自体が一種の主題だったからです。もし空中に浮かぶ色の飛沫を描く夢を見て、その夢を実現する絵を描いたなら、その絵はまさにそれを描いたものです。これ以上具体的なものはありません。ほかの芸術家への助言について、Olitskiはかつて「何も期待するな。自分の仕事をし、祝え！」と言いました。彼は観る者にも同様の助言をしていたかもしれません：「何も期待するな。作品を見て、祝え！」しかし、芸術鑑賞は芸術批評とは別の喜びです。批評家や歴史家、画商は長い間、Olitskiを芸術史という直線的なおとぎ話のどこに位置づけるべきかを正確に知るのに苦労してきました。おそらくOlitski自身が自分の位置を問うことをしなかったからでしょう。彼はスタイルや技法、手法を頻繁に変えたため、歴史的に位置づけるのが難しいだけでなく、多くの収集家が「この人はグリッド画家」「この人はクモの絵を描いた女性」「この人は箱の絵を描いた男」などと簡単に説明したがるため、商品化も難しいのです。Olitskiにはそれができません。彼は一つのことだけで知られるにはあまりにも多くのことをしました。したがって、私たちにはただ一つの選択肢、最良の選択肢しかありません：「何も期待せず、絵を見て、祝え。」

境界で描く

現在のウクライナ、スノフスクで生まれたOlitskiは、父親が地元のソビエト委員に殺害された後、母親とともに1歳でアメリカに移住しました。彼らはニューヨークのブルックリンに定住し、高校時代にはすでに芸術に優れた才能を示しました。マンハッタンでの美術研究のための賞を受け、最終的にはプラット・インスティテュートの奨学金を得ました。第二次世界大戦に徴兵された後、OlitskiはGI法案の特典を利用してパリで美術教育を続けました。そこで彼はモダニストの巨匠たちを間近に学び、自身の内なる葛藤に直面しました。特に、自分が教育によって支配されていることに気づきました。目隠しをして絵を描くという試みは、自分の考えの操作を克服しようとする彼の願望を象徴しています。その創造的自由への献身は生涯にわたって彼を導きました。

Jules Olitski - 『愛と無視：歓喜の祝福』、2002年。キャンバスにアクリル。60 x 84インチ（152.4 x 213.4 cm）。アメリンガー・ヨー・ファインアート、ニューヨーク。© Jules Olitski

1950年代の彼の最初の絵画展は、父親に捧げられた作品「殺されたデミコフスキーの記憶」（1958年）など、陰鬱で厚塗りの抽象画が中心でした。しかし1960年までに、Olitskiは全く異なるアプローチを採用し、新しい種類のアクリル絵具を使って、平坦で鮮やかな色彩の構成を作り出しました。そこでは生物的でアメーバのような形が、まるで絵画のペトリ皿の中で生まれるかのように現れます。5年後、彼は再び方向を変え、工業用スプレーガンを使って「雲のように形を失わずに漂う色の飛沫」を描くという夢を追求しました。彼のスプレーガンによる絵画は、遠くの星雲のガス状の雲が爆発する星の光に照らされているかのような多くの幽玄な特性を持っています。この作品群は、Olitskiに「絵の境界」について考えさせました。「絵画は内側から外側へ作られる」と彼は言いました。しかし彼の理解では、作品の外側の境界はキャンバスの端ではなく、色の境界でした。Olitskiは色が絵具の限界を超えて、光と心の知覚によって絵の表面と私たちの目の間の境界空間にまで広がると考えました。

Jules Olitski - 『グラフィック・スイート＃2（オレンジ）』、1970年。シルクスクリーン。35 x 26インチ（作品）；36 x 27インチ（額装）。© Jules Olitski

構造と流れ

1970年代半ば頃、Olitskiは再び手法を変え、以前の落ち着いた厚塗り技法とスプレーガンの使用を融合させ、「シークレット・ファイアー – 2」（1977年）のような作品を生み出しました。これらは幽玄な色調ながらも確かな物質的存在感を放っています。彼はこの手法の混合を発展させ、1980年代には「エタニティ・ドメイン」（1989年）のような大胆な金属的抽象画を、1990年代には「アポン・ア・シー」（1996年）のような地獄のような原始的作品群を制作しました。視覚的には多様ですが、これらの作品はすべてOlitskiが次のようにまとめた共通の指針を持っています：「私は絵画を構造を持つものと考えますが、その構造は色の感覚の流れから生まれるものです。」彼の晩年の作品、「愛と無視：歓喜」（2002年）などは、この指針を劇的に表現しています。物質的存在の構造は石のように揺るぎない一方で、その存在の軽やかさは「色の感覚の流れ」における色彩の生まれながらの権利を明確に主張しています。

Jules Olitski - 『パトゥツキー・パッション』、1963年。キャンバスにマグナ。88 x 71 1/2インチ（223.5 x 181.6 cm）。ヤレス・アート。© Jules Olitski

生涯にわたる抽象画の制作に加え、Olitskiは具象の肖像画や風景画も絶えず描き続けました。また、彫刻の分野でも多作であり、絵画のキャリアと同様に、彼の想像力以外には何ものにも縛られませんでした。子どもの頃、Olitskiは継父から「プリンス・パトゥツキー」というあだ名をもらいました。この名前は彼の作品に何度も登場します：「パトゥツキー・イン・パラダイス」（1966年）、「パトゥツキー・パッション」（1963年）、「プリンス・パトゥツキー・コマンド」（1966年）などです。私は、この子どものような無垢への献身こそが、Olitskiが芸術家として成し遂げたすべてに満ち溢れていると感じます。芸術史は通常、初期に過激で、その後「成熟」し、繰り返す芸術家にのみ伝説的地位を与えますが、Olitskiはその枠にはまらなかったのです。彼は実験的かつ自由に、期待せずにただ自分の仕事をし、祝いました。それが私にとって彼を伝説たらしめています。

特集画像：Jules Olitski - 『バシウム・ブラッシュ』、1960年。キャンバスにマグナ。79 x 109インチ（200.7 x 276.9 cm）。カスミン、ニューヨーク。© Jules Olitski
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フィリップ・Barcio 著