Ellen Priestとのインタビュー
Ellen Priestは、30年以上にわたり鮮やかな抽象的なコラージュ絵画で美術界にその名を刻んできました。キャリアの初めからセザンヌの影響を受け、1990年代以降はジャズにも影響を受け、多様なジャズの作品の動きや複雑なリズムを鮮やかな色彩の筆致で捉えようとしています。IdeelArtは彼女の制作過程について話を伺い、その影響や音楽への情熱についても洞察を得る機会を得ました。
「セザンヌ：晩年の作品」と題された展覧会、特に彼の晩年の水彩画がニューヨーク近代美術館で展示されていたことに大きな影響を受けたとおっしゃっていますが、彼の作風は今も作品に影響を与えていますか？
もちろんです。面白いことに、若い頃に得る洞察の一つで、私にとってはこれが強く残りました。その時、これは大きなものだと感じました。フィラデルフィア美術館には晩年のセザンヌの風景画があり、頭を整理したい時やインスピレーションを得たい時、何かを考えたい時には必ずそこに行きます。その風景画の前に立ち、理解するまで見つめ続けます。彼の晩年の作品は30年以上にわたり私にとって絶え間ない影響源です。彼が色の扱い方を見出したことが大きいと思います。多くの人が気づいていないのは、特定の色の配置の選択自体が本質的に描画であるということです。セザンヌは空間にある物体が浮かんでいる様子を理解する方法を持っていました。彼の考え方は私のものと合致しているように思えます。形が現れ、溶け、再び現れては消えることで、絵画が呼吸しているかのような錯覚を与えます。彼の作品は、初めて見た時と同じくらい今も私にとって魔法のようです。
正直、私は幸運だと感じています。彼の作品の強さと輝きを物語っていると思います。私にとって彼は、遠近法や空間内の人物の扱い方でジョットと同じくらいの画期的な存在でした。もし500年先に飛べたら、人々は今もセザンヌを画期的な存在として語っているだろうと直感しています。私が初めから魅了された抽象表現主義は今も私にとって強いものです。早くにそれを理解できたことを幸運に思います。視覚的に何が強力かを単純に理解したのです。
制作過程について教えてください。どのような材料や技法を使っていますか？
私は紙を使います。すべての作品は紙の上にあります。使う絵具はフラッシュと油彩です。フラッシュはビニールベースの水溶性絵具で、水彩やガッシュのように顔料を含みます。アクリルのように色が少し茶色くならないのが特徴です。油彩とも非常に相性が良いです。色味は少し異なりますが、空間内でよく調和します。鉛筆も多用します。紙は非常に厚手のフランス製水彩紙と、2種類のカンソンのトレーシングヴェラムを使います。一つはオパルクスという非常に厚手のもので、もう一つは薄手でどちらも保存性があります。過去15年ほど、ボストンのジムとジョーン・ライト夫妻という博物館の保存修復士の方々と多く仕事をし、この過程を指導してもらいました。ジムはこの種の紙に油彩を使う方法を教えてくれました。長年この方法で制作していますが、作品は問題なく保たれています。MSAジェルを接着剤として使い、層をラミネートせずに部分的に接着し、重しをしてジェルを固めます。乾燥には約1週間かかります。
一つのシリーズに1年から5年かけるとおっしゃっていますが、どうやってモチベーションを保ち、燃え尽きないようにしていますか？
私の制作過程はかなり長いですが、多様です。最初は音や動きに触れる筆の習作から始まり、それは30秒ほどで終わります。そこからゆっくりと厚みのある層を重ねた作品へと進みます。過程は長年かけて進化してきて、私にとって非常に合っています。言語のようなもので、慣れてはいますが常に挑戦でもあります。ある時点で、プロとしての自覚が芽生え、どんな気分でも仕事に取りかかるべき時はそうします。泳いでスムージーを飲んでから仕事に入ります。頭が乗らない時でも、気持ちを入れるためにできることがいくつかあります。通常、前日に翌日の作業内容を把握しています。色の関係性を考える時は、じっと見て色見本を入れ替えながら空間での振る舞いを確かめます。音楽もかけています。時には心や気持ちがそこにない時でも、過程が私を引っ張ってくれます。その規律は長年の経験から身につきました。
Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study、2013年。紙にガッシュ。106.68 x 106.68 cm。
作品の内容や題材はどのように選んでいますか？
題材と内容は全く異なります。内容は最終的な結果や、作品を見た時に感じる感情です。題材はジャズです。意識的に題材を持つ抽象画家は非常に少ないです。私は早い段階で、外部の題材に触れなければイメージを新鮮に保てないことに気づきました。そのことで約10年苦労しました。ジャズを聴いている時にそれが変わりました。スキーに行くためバーモントへ向かう途中、地元のNPR局でドミニカ出身のジャズピアニスト、ミシェル・カミロの曲が流れていました。突然、頭の中で見ていた空間が彼の音楽の中に存在していることに気づいたのです。
それは1990年のことで、それ以来ジャズを題材にしています。意識的な題材です。イメージの展開方法を確立するのに数年かかりました。デ・クーニングは自分を抽象画家とは見なさず、常に人物や風景、時には静物を見ていました。ジョーン・ミッチェルは私のもう一人のアイコンで、長いキャリアを持つ抽象表現主義の画家です。彼女は風景や詩からインスピレーションを得ていました。詩人の友人が何人かいて、その中の一人ジョン・アシュベリーの詩を「挿絵」しました。デ・クーニングとミッチェルは、キャリアを通じてこのジェスチャー的表現主義の画風を維持した数少ない画家です。
美術界での立ち回りはどうしていますか？
あまり上手くありません。私はビジネスパーソンとしての振る舞い方は知っていて非常にプロフェッショナルですが、その面で成功しているとは感じていません。これは今も努力している分野です。最大の障害は、多くの美術を見てきた人たちが私の作品は実物で見なければならないと言うことです。それだけでなく、作品は独特で、他の誰もこのような材料の使い方をしていません。独自性は資産であると同時に負担でもあります。なぜなら、これまで見たことのないものなので、見る人が共感する方法を持ちにくいからです。
作品はジャズのリズムや知的な厳密さに大きく影響されているとおっしゃっていますが、現在制作の糧となっている音楽は何ですか？
実は新しいプロジェクトを始める1年から2年前に先取りして聴いています。プロジェクトは1年から5年かかることがあるので、その間ずっと取り組む曲は気に入っていなければなりません。そうでなければ大変なことになります。今は「Jazz Cubano」シリーズを終えようとしていて、アフロキューバンジャズが大好きなので取り組みました。リズムが非常に複雑で、理解するには一つずつパーカッションの音を分解し、そこから組み立て直すしかないと気づきました。このシリーズは本当に楽しかったです。秋の終わりまでには必ず完成させ、その後はシカゴのピアニスト兼作曲家ライアン・コーハンのCD長さの作品「ザ・リバー」に取りかかります。
美しい作品で、8つの非常に緻密に書かれたセクションがあります。その間に即興のピアノパートがあり、それが象徴的に川を表しています。彼はアフリカへの旅の助成金を得ており、エドワード・サイモンの「ベネズエラ組曲」を5年間手がけた際に資金提供したチェンバーミュージック・アメリカもこの作品を支援しています。ライアンはアフリカのリズムやその他の影響を取り入れ、それを彼自身のものにしました。これは美しく消化され革新的な音楽作品です。非常に知的で感情の幅も広いです。私は感情的にも知的にも惹かれるものが多いことに気づいています。「ザ・リバー」をとても楽しみにしています。遅くとも年末までには始める予定です。
Ellen Priest - Jazz: Edward Simon's Venezuelan Suite 16、2008年。紙、油彩、フラッシュ、鉛筆、MSAジェル。106.68 x 106.68 cm。
最も誇りに思う作品はどれで、なぜですか？
最も満足している作品は2つのグループに分かれます。一つは「ベネズエラ組曲」シリーズの最後の数点で、複雑さと単純さを同時に満足のいくレベルで表現できたからです。音楽の速さを失わずに捉えられました。もう一つは「Jazz Cubano」シリーズのドローイングで、とても削ぎ落とされていますが力強さがあります。この2つのグループを非常に誇りに思っています。特定の一作品を挙げるのは難しいです。
作品が完成したと判断するのはどのような時ですか？
作品を見ている時、各段階でその判断をします。これ以上やりたいことがない時、あるいはこれ以上やるとやりすぎだと感じる時に完成とわかります。しばらく見て待つこともあります。すぐにやるべきことがわかる時もあれば、少し時間がかかることもあります。動きのない部分があれば、動かす方法を考えます。多くの場合、それは作品の他の部分を調整することを意味します。必ずしもその部分自体ではなく、他の要素が変わる必要があるかもしれません。一般的に一晩寝かせます。完成と思っても待ちます。接着前にこれらの判断をしなければなりません。作品の端を切る時に予想外のことが起こることもあり、必ずしも良い結果とは限りません。時には組み合わせたものが期待と違うこともあります。切り取った後にバランスが崩れ、かつての感情の幅が失われてしまうこともあります。
制作のための物理的な空間を持つことは制作過程にとってどんな意味があり、どのように空間を活かしていますか？
私は1890年代の古い三階建ての家に住んでいます。いわゆるツインハウスです。三階すべてに北向きの光が入り、角地にあります。非常に多くの光が入ります。キッチンを除いて一階全体をスタジオとして使っています。二階は事務所と居住スペース、三階は接着や保管の部屋です。十分な広さがあり、それが制作に大きな違いをもたらしています。恒久的で十分な空間を持つことは私の作品にとって神の恵みのようなものです。落ち着いて制作に取り組めるのは素晴らしいことです。時にはもっと広い空間が欲しいと思うこともありますが、今のところ十分な広さがあります。
Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo and Elio, Thinking Out Loud、2016年。紙、油彩、フラッシュ、鉛筆、MSAジェル。81.23 x 81.23 cm。
抽象作品を見た時に何が心に響きますか？
私にとって、良い抽象は明晰な思考が感じられ、それが非常に魅力的です。色彩であったり、白黒であったり、豊かなイメージに満ちていたり、単一の形が空間に浮かんでいたりしますが、思考の鮮明さがあります。私の好きな現代作家の一人に彫刻家マーティン・ピュリヤーがいます。彼の回顧展をMoMAで見た時、息を呑みました。同じ展覧会がワシントンD.C.でも開催されていて、スケジュールを組み直して再び見に行きました。彼は素晴らしく、形と考え方の純粋さがあります。彼の作品は乗り物や動物、船を連想させます。抽象は現実世界を参照しつつも抽象であり得ます。私たちの目は世界を見回るための手がかりを使い、同じ手がかりで抽象芸術を見ています。これは幼い頃から身につけていることですが、私たちはそれに気づいていません。抽象には世界の理解を深める何かがあります。
今後の展覧会やイベントに参加予定はありますか？どこでいつですか？
マンハッタンのセント・ピーターズ教会と話を進めています。ここはこの春に展示した場所で、次は「ザ・リバー」に関する別のプロジェクトを展示したいと思っています。それ以外には、デラウェア州ウィルミントンで秋に「Jazz Cubano」シリーズの地元展を開くかもしれません。
特集画像：Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31、2011年。紙、油彩、フラッシュ、鉛筆、MSAジェル。81.3 x 119.4 cm。
