ジョーン・ミッチェルの絵画における活力とエネルギー

Joan Mitchellの絵画を見るとき、私たちは自由のイメージを見ています。私たちは形となった放縦を見ているのです。ミッチェルは、設計図や明確な計画なしに、完全な自由の場所から絵を描く行為に取り組みました。キャンバスに現れたものはすべて彼女の直感から生まれ、彼女の真実の即時の反映でした。それは彼女が感じた喜びかもしれませんし、怒りや恐れかもしれません。彼女が心に抱いていた記憶の断片や、愛する風景から形作られたイメージかもしれません。私たちが彼女の絵に出会うとき、さっと見ただけでは、ミッチェルが感じたものを感じるかもしれませんし、感じないかもしれません。彼女が伝えたかった正確な意味を認識するかもしれませんし、しないかもしれません。しかし、彼女の一筆一筆に流れたエネルギーは私たちに叫びかけます。それは私たちを空間で立ち止まらせ、私たちの内にある原始的な何かがそれを認識し、それが何であるかを語りかけます。それは生き生きとした、時を超えた、普遍的な愛、喪失、喜び、恐れ、誇り、そして痛みのこだまなのです。

行動を起こすこと

画家が描く一筆一筆は身体の動きの結果です。しかし、すべての筆跡がその動きを鑑賞者に伝えるわけではありません。ある筆跡は意図的にそれを隠し、人間の手が関わっていることを無視しようとします。アクション・ペインターの特徴の一つは、キャンバスの表面に身体の動きの力とエネルギーを伝えることができる点です。ジョアン・ミッチェルはアクション・ペインターであり、抽象表現主義の第二世代とされる画家の一人でした。しかし彼女はキャリアの初めにジェスチャーや動き、抽象、あるいは必ずしも絵画に焦点を当てていたわけではありません。シカゴ美術館で学んでいた頃、彼女は才能ある具象画家であり、リトグラフで賞を受賞していました。

しかしミッチェルは常に非常に身体的な人でした。シカゴの高校時代には全米フィギュアスケート選手権で最高4位に入るほどの全国レベルの競技者でした。膝の怪我でスポーツの道は断たれましたが、1947年にシカゴ美術館を卒業後、ニューヨークに移り、アーシル・ゴーキーやジャクソン・ポロックのようなジェスチャー抽象画家の作品に触れました。彼女はすぐに身体性を絵画技法に取り入れました。1951年までに成熟した抽象的なジェスチャースタイルを確立し、ウィル・デ・クーニングやフランツ・クラインなど第一世代の抽象表現主義者と親しくなり、招待を受けて彼らの名高いエイス・ストリート・クラブにも参加しました。そこでは画家たちの集まりや講演が行われていました。

Joan Mitchell - Ladybug, 1957年。キャンバスに油彩。6フィート5と7/8インチ×9フィート（197.9×274 cm）。ニューヨーク近代美術館（MoMA）所蔵。© Estate of Joan Mitchell

ジョアン・ミッチェルの風景画

シカゴ中心街のミシガン湖の岸辺から数ブロックの場所で育ったジョアン・ミッチェルは、幼い頃から水と空が交わる地平線に深い感情的な結びつきを持っていました。大人になってフランスの田舎やハンプトンズに住んだりする中で、田園風景への大きな愛情も育みました。彼女の成熟した作品はすべて抽象画と見なされますが、彼女自身はしばしば自分を風景画家と呼んでいました。多くの絵画には「風景」という言葉がタイトルに含まれていたり、彼女の心に深く刻まれた美しい場所の名前が付けられていました。

多くの作品には自然の風景を示唆する構図や形、色調の視覚的な手がかりが見られ、かすかな地平線のこだまを見つけることもできます。しかしミッチェルが描いた風景は、自然界を写実的に捉えようとしたものではありません。むしろ彼女は、特定の大切な場所にいるときに感じた感情を内面化していました。彼女は鋭い美的感覚と郷愁への結びつきを持ち、愛する風景の色彩、バランス、調和を捉えつつ、記憶に刻まれたエネルギーや個人的な感情も伝えようと努めました。

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977年、キャンバスに油彩（二連作）、ジョアン・ミッチェル財団、ニューヨーク。© Estate of Joan Mitchell

補い合う対立

ジョアン・ミッチェルの絵画に感じられる力の多くは、対立する力の概念に関連しているように思えます。顕著な例は、いわゆる全体を覆う絵画スタイルから離れ、白や下地のままのキャンバスの大きな空白を特徴とする伝統的な図と地の構成に移行した点です。しかし彼女の図と地の構成における対立する力を見るよりも、それらの力は補い合うものと言う方が正確です。互いに反発したり抵抗したりするのではなく、図と地は役割を交代しながら互いを明らかにし、鑑賞者の視線に影響を与え合います。

同様に、彼女の作品に見られる他の明らかな対立も同じように機能しています。軽やかな筆跡は力強い筆跡を補い、相対的な違いで互いを定義します。密度の高い層状の厚塗りの表面は平坦な部分に存在感を与え、幾何学的または生物的形態は叙情的な抽象的な筆跡によって高められます。ジョアン・ミッチェルの作品全体に流れる統一の本質は対立ではなく、調和のとれた全体を築く補完的な関係の世界への関与なのです。

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981年。キャンバスに油彩。ジョアン・ミッチェル財団、ニューヨーク。© Estate of Joan Mitchell

未完成の抽象

ジョアン・ミッチェルはキャリアの中で何度も美的感覚を変えました。それぞれの変化は地理的な移動や個人的な状況の変化に結びついています。最大の変化の一つは1960年代で、数年の間に両親と親しい友人を失いました。もう一つは1980年代に癌と診断された時です。各美的変化は異なる感情の微妙なニュアンスを表現しているように見えますが、何かの終わりのようには感じられません。彼女の作品の各進化は未完成の感覚を持ち、新しくまだ形作られていないものの胎動の約束を感じさせます。

1960年代の喪失の時代の後、ミッチェルは幾何学的な具象に向かい、すぐにまた全体を覆う絵画に戻りました。彼女の色調は自然の色を反映した深い緑や鮮やかな黄色に変わりました。1980年代にはより純粋で原色に近い青、橙、緑、赤を含む色調に変わりました。筆致は短く力強く、電気的でほとんど振動しているかのようでした。各新しい段階は新しく未定の始まりの概念を伝え、それゆえ本質的に希望に満ちた新しい何かを表現しています。

Joan Mitchell - Trees, 1990-91年。キャンバスに油彩。個人蔵。© Estate of Joan Mitchell

手放すこと

ジョアン・ミッチェルの作品のすべての段階において、筆致、構成、調和、補い合う対立の使い方を通じて、持続的なエネルギーと活気が存在します。そのエネルギーは今日活動する第三世代の抽象表現主義画家、フランシーヌ・ティントのような画家たちにインスピレーションを与えています。また、現代のジェスチャー抽象画家であるEllen Priestの作品にも影響を与えています。

これらの画家の作品には、最も暗いエネルギーと最も明るいもの、最も攻撃的なものと最も穏やかなものの間を常に揺れ動く感情の宇宙が広がり、彼らの絵画の表面から切迫した即時性をもって飛び出してきます。ミッチェルはかつて、絵を描くときのその切迫した即時性の源をオーガズムに例えたことがあります。また「両手を使わずに自転車に乗るようなもの」とも表現しました。どちらの表現も、完全な放縦の行為によって可能になる感情の解放の喜びを語っています。そしてどちらも、人が自由であるときにのみ可能な人間の正直さの表現を示しています。

特集画像：Joan Mitchell - Untitled, 1977年、キャンバスに油彩、ジョアン・ミッチェル財団、ニューヨーク。© Estate of Joan Mitchell
すべての画像は説明のために使用されています
フィリップ・Barcioによる