ジョーン・ミッチェルの絵画における活力とエネルギー

ジョーン ミッチェルの絵を見ると、私たちは自由のイメージを見ています。私たちは、目に見える形での放棄を見ています。ミッチェルは、計画や青写真なしに、完全な自由の場所から絵を描く行為に取り組みました。キャンバスに現れたものはすべて、彼女の直感から生まれ、彼女の真実の即時の反映でした。彼女が感じたのは喜びかもしれませんし、怒りかもしれませんし、恐れかもしれません。彼女が頭の中に抱えていた記憶の断片から形成されたイメージかもしれませんし、心の中に抱いていた愛しい風景かもしれません。彼女の絵画に出会うとき、私たちは素早いまたはカジュアルな視線の中で、ミッチェルが感じたものを感じるかもしれませんし、感じないかもしれません。彼女が伝えたかった正確な意味を認識するかもしれませんし、しないかもしれません。しかし、彼女のすべての筆致を通して流れたエネルギーは、私たちに叫びかけます。それは私たちを空間に引き止め、私たちの内側にある原始的なものがそれをそのまま認識するように語りかけます：愛、喪失、喜び、恐れ、誇り、そして痛みの鮮やかで時を超えた普遍的なエコー。

行動を起こす

画家によるすべての筆致は、物理的な動きの結果です。しかし、すべての筆致がその動きを観客に伝えるわけではありません。中には、意図的に自らを生み出した動きを隠そうとし、人間の手が関与していることを無視する筆致もあります。アクション・ペインターの特徴の一つは、キャンバスの表面に自らの身体の動きの力とエネルギーを伝えることができる点です。ジョーン・ミッチェルはアクション・ペインターであり、抽象表現主義のアーティストの第二世代と見なされています。しかし、彼女はキャリアの初めからジェスチャーや動き、抽象、あるいは必ずしも絵画に焦点を当てていたわけではありません。シカゴ美術学院に在学中、彼女は才能ある具象画家であり、リトグラフで賞を受賞したこともあります。

しかし、ミッチェルは常に非常に身体的な人でした。シカゴの高校では、全米競技者として活動し、アメリカフィギュアスケート選手権で4位に入賞したこともありました。膝の怪我が彼女のスポーツキャリアを終わらせました。しかし、1947年にシカゴ美術学院を卒業した後、彼女はニューヨークに移り、アーシル・ゴーキーやジャクソン・ポロックのようなジェスチャー抽象画家の作品に触れました。彼女はすぐに自分の絵画技法に身体性を取り入れました。1951年までに、彼女は成熟した抽象的なジェスチャースタイルを発展させ、ウィル・デ・クーニングやフランツ・クラインのような第一世代の抽象表現主義者たちと親しくなり、招待を受けて彼らの名門エイス街クラブにも参加しました。このクラブはアーティストの集まりやトークを開催していました。

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Oil on canvas. 6' 5 7/8" x 9' (197.9 x 274 cm). The Museum of Modern Art (MoMA) Collection, New York. © Estate of Joan Mitchell

ジョーン・ミッチェルの風景

ミシガン湖の岸から数ブロックのところで育ったジョーン・ミッチェルは、若い頃から水と空が出会う地平線に深い感情的な愛着を抱いていました。そして、大人になってフランスの田舎やハンプトンズに住む中で、彼女は田園風景への大きな愛情も育みました。彼女の成熟した作品はすべて抽象的と見なされていますが、彼女はしばしば自分を風景画家と呼んでいました。彼女の多くの絵画にはタイトルに「風景」という言葉が含まれていたり、彼女の心に大切な風景の名前が付けられていました。

彼女の多くの絵画には、自然の風景を示唆する構図、形、またはカラーパレットの視覚的なヒントを見つけることができる場合があります。あるいは、地平線の微かなエコーを見つけることもあります。しかし、ミッチェルが描いた風景のタイプは、自然界を捉えようとする具象的な試みではありませんでした。むしろ、ミッチェルは彼女にとって大切な特定の場所にいるときに感じた感情の感覚を内面化しました。彼女は鋭い美的感受性とノスタルジアとのつながりを持ち、愛する風景の色、バランス、調和を捉えようとしながら、同時にそれに対する彼女の記憶に結びついたエネルギーと個人的な感情を伝えようとしました。

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, oil on canvas (diptych), Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell

補完的対立

ジョーン・ミッチェルの絵画に感じられる力の多くは、対立する力の概念に関連しているようです。顕著な例の一つは、全体を覆う絵画スタイル、つまりキャンバス全体が抽象的なイメージで覆われるスタイルから、白や未下地のキャンバスの大きな面を特徴とするより伝統的なフィギュア・グラウンドの構成アプローチに移行した方法に見られます。しかし、彼女のフィギュアとグラウンドの構成において対立する力が働いていると見るのではなく、むしろその力は補完的であると言う方が正確です。彼らは互いに反発したり抵抗したりすることはありません。フィギュアとグラウンドは役割を入れ替え、お互いを明らかにし、観る者の視線に影響を与え合っています。

同様に、彼女の作品に見られる他の明らかな対立も同じように機能します。軽やかなブラシマークは、攻撃的なブラシマークを補完し、それぞれの相対的な違いによって定義されます。密で層状のインパスト表面は、平坦な対照物に存在感を与え、幾何学的またはバイオモルフィックな形は、叙情的な抽象的なマークによって高められます。ジョーン・ミッチェルの作品全体に流れる統一的な本質は、対立のものではなく、調和のとれた全体を構築する補完的な関係の世界への関与のものです。

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Oil on canvas. Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell

未成熟な抽象

彼女のキャリアの過程で、ジョーン・ミッチェルは美学を何度も変えました。各変化は、地理的な移動または個人的な状況の変化に関連していました。彼女が経験した最大の変化の一つは1960年代で、数年のうちに両親と親友を失いました。もう一つは1980年代で、がんと診断されました。各美学の変化は異なる明確な感情のニュアンスを表現しているように見えますが、どれも何かの終わりのようには感じられません。彼女の作品の各進化は、未成熟な感覚を持ち、新しくまだ形成されていない何かの胚の約束を秘めています。

1960年代に経験した10年の損失の後、ミッチェルは幾何学的な形態に移行し、すぐに再び全体的な絵画に戻りました。彼女のパレットは深い緑と鮮やかな黄色に変わり、自然の色を反映しました。そして1980年代には、彼女のパレットはより純粋で原色の色、青、オレンジ、緑、赤を含むように変わりました。彼女の筆致は短くて太く、電気的で、ほとんど振動するようになりました。各新しいフェーズは、新しく未確定の始まりのアイデアを伝え、したがって本質的に何か希望に満ちた新しいものを伝えています。

Joan Mitchell - Trees, 1990-91. Oil on canvas. Private collection. © Estate of Joan Mitchell

手放す

ジョーン・ミッチェルの作品のすべての段階を通じて、彼女の筆致、構図、ハーモニー、または補完的な対立の使用を通じて、エネルギーと活気の持続的な感覚が絵画に存在しています。そのエネルギーは、今日活動している抽象表現主義の画家たち、例えばフランシーン・ティントの第3世代を刺激し続けています。また、現代のジェスチャー抽象主義者であるEllen Priestの作品にも影響を与えています。

これらの画家の作品には感情の宇宙が広がっており、常に最も暗いエネルギーと最も明るいエネルギー、最も攻撃的なものと最も穏やかなものの間で揺れ動き、彼らの絵画の表面からは、狂ったような即時性を持って飛び出してきます。ミッチェルはかつて、その狂った即時性の源を、絵を描いているときの感覚をオーガズムに例えて説明しました。彼女はまた、それを「手を使わずに自転車に乗ること」とも表現しました。どちらの説明も、完全な放棄の行為によって可能になる感情の解放の絶対的な喜びを語っています。そしてどちらも、誰かが自由であるときにのみ可能な人間の誠実さの表現を語っています。

特集画像: ジョーン・ミッチェル - 無題, 1977年, 油彩, ジョーン・ミッチェル財団, ニューヨーク. © ジョーン・ミッチェル遺族
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による