ジョン・モンティスとのインタビュー

ジョン・モンティースは1973年、カナダのオンタリオ州ニューマーケットで生まれ、2008年にパーソンズ・ザ・ニュー・スクール・フォー・デザインの修士課程を修了しました。彼は世界中を広く旅し、各地に住んだ経験が長年にわたり彼の制作活動に影響を与え、変化をもたらしました。層状の製図フィルムに蝋と顔料を用いた緻密で色彩豊かな作品や、丹念に重ねられた写真記録は、彼を求められる著名な抽象画家にしています。

ジョン・モンティースは国際的に紹介され、個展やグループ展の中心的存在として活躍しています。例として、「夜にはすべての猫は灰色」トロントのオーボーン・コンテンポラリー、「まだ題名なし」スイス・チューリッヒのギャラリー・ヴェンガー、「ベクター・イシュー5」ドイツ・ベルリンのシャウ・フェンスター、ラウム・フュア・クンストなどがあります。彼の作品はニューヨーク・マンハッタンのニュー・スクール、ニューヨークのBNYメロン、イギリス・ロンドンのモリス・アンド・アソシエイツの常設コレクションに収蔵されています。IdeelArtは彼の制作過程や今後のプロジェクトについてインタビューを行う機会を得ました。

制作過程で使用する素材や技法は何ですか？また、制作活動はどのように変化しましたか？

初期の絵画制作では、キャンバスに油彩を用い、具象的な大作の人物画を描いていました。2005年以降、素材や主題に大きな変化がありました。私の作品の方向性は、都市空間だけでなく個人的な関係や多層的なつながりについての思考とともに自然に発展しました。私は常に、見えるものと隠されたものの特徴に魅了されてきました。

2006年に製図フィルムを使い始め、その半透明の特性を活かして画像を重ね合わせました。具象的な表現を続けながら、透明性を活かすために薄めた油彩を用いました。建築や都市中心部、歴史的意義のある訪れた場所、さらには京都の森で見た約15年前の自動車事故の残骸などを描きました。これらの場面はかつて、あるいは現在も断絶の場所です。このシリーズの絵画を制作する際、2枚の異なる製図フィルムに同じ画像を2度描き、重ね合わせて位置をずらすことで一つの像を作り出しました。これら2つの「部分」を一つの絵画に組み合わせることで、流動的で謎めいた領域にとどまる作品が生まれ、時間の中に捕らえられた動きのようなものとなりました。これらの絵画をテキスト作品群と共に展示した後、私はより簡素化した制作に移行し、都市空間の時間性やアンドレアス・ホイッセンらの著述による記憶・歴史の議論を参照しつつ、コンクリートなアプローチで描画や絵画を制作しました。

2011年には、ショッピングモールや空港の通路などの隙間空間を写真記録から制作した(de) Construction/(re) Constructionシリーズを始めました。これらの「ジャンクスペース」と呼ばれる「無の場所」での光と影の形を用いて絵画を制作しました。この用語はレム・コールハースによって提唱されました。これらは私たちが移動中に多くの時間を過ごす「どこでもない場所」です。前のシリーズと同様に、2枚の同一の層を描き、重ねる際に位置を調整して特定の要素を引き出したり押し戻したりしました。

これらの絵画を完成させる際、各作品の寸法に合わせて手作業で切り出した不透明な白いプレキシガラスに取り付けました。これにより、伝統的な絵画のように壁に掛けることも、各作品を独立した台座に掛けて彫刻的に考えることも可能になりました。このように設置することで、作品同士の新たな物理的関係が生まれ、ギャラリーの建築を参照しつつ、鑑賞者の視線の「一対一」の関係を変化させ、絵画の体験の性質を変えました。私の作品はこのように異なる連想を帯びます。私は常に重ねることに興味を持っていますが、一つの素材で別の素材を参照することにも関心があります。今回の場合は、絵画を彫刻として設置することです。異なる絵画はドローイングのように見え、写真やドローイングは絵画のように見えることもあります。制作過程の各段階は最終作品に視覚的に現れ、その痕跡は常に読み取れます。私にとって、そこに内容があるのです。私たちの都市では、現在の表層の中に隠された過去の証拠や痕跡を探すという状況が繰り返されています。

過去2年間はベルリンで過ごし、写真資料に頼らず有機的に成長するドローイングを制作しました。特に都市の再建や地形、過去の痕跡を残す「空白地帯」に注目しました。この調査から、互いに関連し合うドローイング群を制作し、同時に鑑賞することで相互に情報を伝え合う作品や、都市中心部で進む建築再建を考察した作品を生み出しました。

作品の制作に通常どれくらいの時間がかかりますか？

それは本当に作品によります。ベルリンにいた時は、週に6日スタジオにいました。複数の作品を同時に制作することが多いため、一つの作品にどれくらい時間がかかるかは言いにくいです。私の制作過程では、非常に薄い絵の具から始めて徐々に重ねていきます。ドローイングの場合は、最終的な制作方法を決める前に数週間かけて試作を行うこともあります。基本的に私の制作はゆっくりとした労働集約的なものです。

あなたの作品にとって不可欠なものは何ですか？

私の制作活動は多くの都市に私を連れて行き、生活や調査の場となりました。移転するたびに作品に影響を与え、変化をもたらします。これらの場所は、私が芸術を考え、制作を実行する方法の触媒となります。過去の習慣が破られ揺さぶられることで、新しい思考や制作の方法が生まれます。

作品が完成したと判断するのはどのような時ですか？

私は曖昧な方法で制作することはなく、完成の判断は明確です。作品を解決するために次に何をすべきか迷うことはありません。最大の問題は、展示において各作品を他の作品と文脈的にどう配置するか、そして作品をどのように設置するかです。これらは常に最も難しい問題であり、作品の読み取り方や展示空間がその可読性にどう影響するかを考えます。選んだ素材で制作する際、額装も重要な要素です。額装は作品を良くも悪くもします。私は信頼できる額装業者と協力し、彼らの見識やアイデアを取り入れることを好みます。

制作のための物理的な空間を持つことはあなたの制作過程にとってどのような意味がありますか？また、スタジオ空間をどのように活用していますか？

私のスタジオは孤独で静かな空間である必要があります。場所には柔軟ですが、スタジオの空間は特に制作の規模や可能な大きさに関して一定の制約を与えます。小さな空間では、作品はスタジオ内で大きく見えますが、大きなギャラリーの壁に掛けるとずっと小さく見えます。

現在取り組んでいることや、始めるのが楽しみなことはありますか？

現在はカナダのハリファックスにいて、新しい織物作品のための繊維を用いた芸術実践の調査を行っています。ベルリンにいた時は、伝統的な制作を拡張し新しい媒体を取り入れることにますます興味を持ちました。これからも絵画は続けますが、異なる方法で行う予定です。

芸術界をどのように渡り歩いていますか？

プレッシャーに対処する最良の方法は、できるだけ多くの時間をスタジオで過ごし、制作を続けることだと思います。自分にとって挑戦的な方法で前進する過程にはある種の慰めがあります。私は文化理論や調査に焦点を当てたテキストや美術出版物を読み、単なる展覧会レビューや美術市場に関する記事はあまり読みません。また、ベルリン、ニューヨーク、トロントにいるアーティスト、キュレーター、作家、デザイナー、音楽家、DJからなるコミュニティが私の周りにあり、彼らが私の作品を支え、私も彼らを支えています。彼らとの対話や共にいることが、アーティストとしてのプレッシャーに対処するのに大いに役立っています。

芸術界に進出した際に受けた最良の助言は何ですか？若い新進アーティストにどんな助言をしますか？

最良の助言はマーサ・ローズラーから受けました。「自分のキャリアを誰かに完全に任せてはいけません。自分がどのように表現されているか、そして自分を代表する人たちがあなたの作品についてどのように話を組み立てているかを常に注意深く見守る必要があります」と言われました。

今後の展覧会やイベントに参加予定はありますか？どこでいつですか？

2015年10月24日から1月9日までスイス・チューリッヒのギャラリー・ヴェンガーで開催されるグループ展に参加します。他にもいくつか初期段階のプロジェクトがあります。

特集画像：メモリアルデイ・インスタレーション オーボーン・コンテンポラリー、トロント 2012年 - アーティスト提供