カルメン・エレラ：視線のライン
宇宙論者は、私たちが宇宙を見上げるとき、時間を遡っていると言います。望遠鏡で見る銀河は、もはや存在しないかもしれません。しかし、それは光にとって重要でしょうか？それは今ここにあり、私たちが見るのを助けてくれます。なぜ物事を複雑にするのでしょうか？カルメン・エレラはシンプルさを信じる人です。アーティストとして、彼女は宇宙の光と多くの共通点を持っています。彼女は1930年代に絵を描き始めましたが、20世紀の最も有名で影響力のあるアーティストたちとつながっていたにもかかわらず、89歳になるまで最初の作品を売ることはありませんでした。現在101歳の彼女は、ニューヨークのホイットニー美術館での初の回顧展を楽しんでいます。展覧会のタイトルは視線のラインで、1948年から1978年までの彼女のキャリアの初期の作品が含まれています。作品に並行して、エレラがほぼ完全な匿名性の中でキャリアの大半を過ごしてきた可能性のある理由を探る物語があります。彼女は過去のイデオロギー的で偏見に満ちた白人男性支配のアート界で生まれたキューバ人女性でした。しかし、その物語のいくつかの要素は否定できないものの、その物語は自信に満ちた才能あるアーティストから力を奪います。よりシンプルな説明は、カルメン・エレラが単に自分の時間を選んだということ、つまり今であるということです。私たちは、彼女の光がここに到達するまでにどれだけの時間がかかったとしても、何がその道を阻んでいたとしても、彼女の光が私たちを照らすことを単純に許すことを選びます。
表面解釈
視線のラインを巡る際に明らかになる最も印象的な観察は、展示会の過程で作品に見られる変容です。作品は大まかに年代順に配置されており、観客はヘレラが年を重ねる中で経験した形式的および概念的な進化を考慮することができます。素材の観点から見ると、ヘレラは粗い麻布に絵を描くことから始めました。麻布の表面の大きな穴を覆うには大量の絵具が必要です。抽象的な特性に加えて、1948年に描かれた都市や1949年に描かれたシエテのような絵画は、その表面の物理性と素材性により、生々しく感情的な絵画的特性を持っています。
これらの初期の絵画に明らかに見られるのは、ヘレラがキャンバスをどのように利用したかであり、彼女のキャリアの後半での作業方法との比較です。戦闘の場のような絵画は、彼女の後の作品に比べて相対的に多くの形と色を含んでいます。また、1940年代後半から1950年代初頭の彼女のいくつかの作品は、視覚的な錯覚や象徴性の概念を扱い、複雑な視覚パターンやシステムに依存しています。これらの初期の絵画すべてにおいて、ヘレラはキャンバスをイメージの支持体として見ており、彼女が取り組んでいる関心事はすべて作品の表面に含まれているという感覚があります。
カルメン・エレーラ - パリ、1948 - 1954。展覧会の様子
拡張されたアリーナ
パリでの滞在中、エレラは自分の絵画にあまりにも多くのことが起こっているという視点を発展させました。彼女は自分の作品を簡素化することに興味を持ち始めました。彼女はパレットを1色または2色に制限し、形の語彙を劇的に減らしました。この変革は、Lines of Sightの中心作品として美しく提示されており、1950年代にエレラが制作したBlanco y Verdeと呼ばれるシリーズからの作品の選択を通じて表現されています。これらの作品はすべて緑と白の色を利用し、形が非常に乏しいため、しばしば線のように見えることが多いです。
ヘレラが自らのパレットと形の言語を簡素化するという目標を設定したことに加えて、彼女は絵画の本質を物体として見る方法も変えました。彼女はキャンバスを塗るための表面としてではなく、空間に存在する物体のように見るようになりました。彼女は塗られた形をキャンバスの前面を越えて側面に続け、キャンバスの限界を超えて空間に投影される構成を作り出しました。
カルメン・エレラ - 戦闘の場、1952年；グリーン・ガーデン、1950年；無題、1947-48年（左から右へ）
創造の神話
絵画を物体としての視点を広げる中で、エレラは三次元空間での制作にも取り組み始め、床に直接置かれるオブジェや、壁に掛けられながらも彫刻的な存在感を持つ作品を創造しました。こうした作品を通じて、エレラは観客が彼女の美的提案を完全に体験できるようにしています。これらの形状とそれらが周囲を占める方法を注意深く、完全に考慮する機会は、展示されている他の作品に対する拡張された瞑想的理解を提供します。
展示のある特定の視点から見ると、その瞑想的な層は美しく開かれ、私たちはエレナ・ヘレラが展示されているさまざまな作品を通じて同じ空間の会話を探求しているのを見ることができます：Blanco y Verdeシリーズの絵画、床に支えられた単色の赤い彫刻オブジェ、そして壁に掛けられた単色の黄色い彫刻オブジェです。ここには、シンプルでありながら深い何かが伝えられています。これらのオブジェは、その明らかな違いによって定義することができます。しかし、認識を変えることで、私たちはそれらの類似性をより深く評価し、したがってそれらの共通の本質を祝うことに没頭することができます。
カルメン・エレーラ - 1962-1978 - 展覧会の様子
一つのことをマスターする
エレラは、最も重要な概念が最もシンプルな言葉で表現できることを証明しました。彼女のアートを通じて、シンプルで直接的な命題を表現しています。彼女の作品は、まるで禅の謎のようなものを伝えています：すべてに焦点を合わせようとすると、何も理解できなくなりますが、一つのことをマスターすれば、すべてを理解できるということです。
エレーラがアーティストとして、また人間として最も示唆に富むのは、視線のラインを通じて、連続性が存在するということです。展示されている各作品はそれぞれ独自の存在感を持っていますが、全体の作品群が個々の考慮に影響を与えています。これは関係性についての展示であり、部分と全体をどのように見るかについてのものです。それは、無意味で些細なことに焦点を当てることがいかに簡単であり、それが私たちの生活を複雑にするだけであるかを明らかにします。私たちにイデオロギーや偏見を捨て、心を静めてただ見ることを促しています。
カルメン・エレラ - ブラック・アンド・ホワイト, 1952 - グリーン・アンド・ホワイト, 1956 (左から右へ)
特集画像：カルメン・エレラ - 視線のライン、展示風景（クレジット：IdeelArt）
フィリップ Barcio による
