抽象の要素 - Elizabeth Gourlayとのインタビュー

Elizabeth Gourlayは、自身の作品を形と色についての瞑想だと捉えており、時にはスタジオでの制作を音楽の作曲プロセスにたとえます。油彩からグラファイト、コラージュまで幅広い媒体を組み合わせ、Gourlayは、自然と幾何学の間で崇高なバランスを保つ美的語彙を参照した抽象的な構成を生み出しています。コネチカット州チェスター在住のGourlayは、今月、ニューヨーク、コネチカット、マサチューセッツで開催される4つのグループ展に作品を出展しています。IdeelArtは、彼女の制作活動や展示スケジュール、新しい作品群について話を聞く機会を得ました。

Elizabeth Gourlay インタビュー - 最近の展示と活動

IdeelArt: お忙しい1か月ですね！今月は4つの異なる都市で開催される4つのグループ展に参加されています。このように、多くの異なる鑑賞者があなたの作品に触れる機会がある時期でも、スタジオで制作を続ける時間を確保していますか。それとも、ギャラリーで鑑賞者と交流し、作品への反応を吸収することを好みますか？

Elizabeth Gourlay: これほど多くの活動が一度に重なったのは初めてです。わくわくしますが、これまでは個展に全神経を集中させることに慣れていたので、今回は別のオープニングに出席するために、ひとつのオープニングを欠席しなければなりませんでした。でも、作品を搬入し終えれば、時間は自分のものになります。少しの間でも制作から離れる活動を終えた後は、すぐにでもスタジオに入りたいという気持ちがとても強くなりますが、ギャラリーでの交流も楽しんでいます。オープニングやその他のギャラリーイベントで、ほかのアーティストや友人と話すことです。抽象芸術はひとつの言語であり、イベントで鑑賞者、とりわけアーティストや友人たちと話すことで、私たちが見いだしつつある新しい表現へのしなやかさが育まれます。

IA: 今月は、コネチカット州レイクビルのThe Tremaine Galleryのような牧歌的な田園地帯のロケーションでも、またマンハッタン中心部の1285 Avenue of the Americas Galleryのような人口密度の高い都市の中心部でも展示されています。環境が大きく異なる場所の鑑賞者は、あなたの作品にどのように異なる反応を示しましたか？

E.G. どちらの場合も、鑑賞者は視覚的に洗練されていて、作品に関心を持ち、好意的に受け止めているようでした。ニューヨークでは、概してより言葉で表現する人が多く、質問をしたり、意見を述べたりすることに積極的だったように思います。ニューヨークの鑑賞者は、作品により近づいて見る傾向もあったと思います！

IA: 鑑賞者との会話やその他の交流は、あなたの制作の方向性にどのような影響を与えてきましたか？

E.G. 鑑賞者の反応に影響されないようにしています。ただ、必然的に、作品の新しい方向性に対する反応が好意的で、私自身もその方向に興奮している場合は、その道をさらに探究し続けるよう影響を受ける傾向があります。意見の違いを体験すること、そして人々が異なる作品に惹かれるのはどのように、なぜなのかを考えることは、いつも興味深いものです。

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013年。紙にモノタイプ。40.6 x 38.1 cm。

過去と現在

IA: 現在制作している作品は、過去に制作した作品とどのように異なりますか？

E.G. 1994年頃からの私の作品は、しばしばグリッドを基盤とし、正方形のフォーマットでした。何層ものウォッシュと描線を積み重ねて構成していました。2005年頃、より大胆な幾何学的形態と、彩度の高い色を試し始めました。それ以来、大胆で力強い形と色の作品と、より繊細で抑制された作品の間を行き来し、時にはその両方を組み合わせています。作品は似たような方法で始まることが多いのですが、最終的には大きく異なるものになり得ます。おそらく最も大きな変化は、制作プロセスにおいて自分に許す自由です。

IA: あなたは作品について語る際、時々瞑想に言及します。あなたの芸術との関係において、その言葉が何を意味するのか、詳しく説明していただけますか？たとえば、作品を作るプロセス自体が瞑想的だと考えていますか？完成した作品を、鑑賞者にとって瞑想を媒介する可能性のあるものだと考えていますか？

E.G. 制作プロセスは瞑想的だと考えています。あまり多くのアイデアをスタジオに持ち込まないようにしています。色のアイデアや形のアイデアをひとつ持っていく程度です。制作を始めると、内なる目、無意識の心に作品へ反応させ、遠くにありながらも非常に身近に存在する、捉えがたい精神的な要素をつかむよう導かせます。たいてい、最もよい作品が生まれるのは、思考が整理され、作品と調和しているときです。直接描くときも、ウォッシュを重ねるときも、作品が姿を現していく体験を楽しんでいます。Paul Kleeの言葉以上にうまく表現することはできません。彼は「私の手は、より遠い領域の完全なる道具だ」と言いました。誰かが体験するためのものを作ろうという意図で制作しているわけではありませんが、他者の反応や解釈には開かれています。作品とともに暮らしている人から、作品を見ていると平穏や穏やかな喜びを感じる、あるいは心の支えになる、とよく言われます。ですから、完成した作品を瞑想を媒介するものと考えることは、非常に妥当だと思います。ただし、作品とともに暮らしている人や、心と瞑想の専門家に最も適切な判断を委ねたいと思います。もしイコン、あるいは瞑想を媒介するものが、穏やかな喜びや心を落ち着かせる平穏をもたらす物体であるなら、私の作品にはそうした効果があるとよく言われるので、そうなのだと思います。

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014年。紙にモノタイプ。38.1 x 40.6 cm。

制作プロセスについて

IA: Wassily Kandinskyは、音楽と、それが抽象的なレベルで感情を伝える能力について書いています。あなたも音楽と作品とのつながりを作っています。そのひとつは、線と色による視覚的な語彙が、音階を参照するものとして解釈できるということです。制作プロセスや作品が音楽の作曲と共通している、その他の点にはどのようなものがありますか？

EG: 音楽や作曲について意識的に考えているわけではありません。それでも、音楽とのつながりを感じる人が非常に多いのですから、そのたとえには何か意味があるに違いありません。制作中はよく音楽を聴きますし、子どもの頃にピアノを習っていたので、それが作品に影響しているのかもしれません。バーや線、色の塊を動かしていくプロセスにおいて、音楽の作曲に似ているように思われる方法で、私はある意味「作曲」しています。画面上でそれらを移動させることは、楽譜上のさまざまな場所に音符や和音を配置することと非常によく似ています。

IA: あなたの制作プロセス、特にコラージュとの関係について少しお話しください。たとえば、作品に紙を重ねるプロセスは、絵を描くプロセスと比べて、あなたにどのような異なる影響を与えますか？

EG: 紙でもリネンでも、私の絵画制作のプロセスは、たいてい非常に直接的です。通常は線を描くことから始め、次に色のウォッシュを施し、その後に形の要素を加えます。強く予想外の形や、普段のパレットから外れた色を使って、自分自身を驚かせようとします。それらを動かしながら、色と形のバランスを取ろうとします。この段階は、形式主義がしばらく入り込んでは、それに抵抗するという、継続中のダンスのように感じられます。結果として生じた大胆な侵入要素を含めるかどうかの判断は、何週間も作品に取り組み続けることを可能にする、ある種のダイナミズムです。コラージュ作品は、色で遊び、インクで縁を染め、日本紙に線を描いてから、それを短冊状に切ることから始まります。それらを、あらかじめ構成や構造を決めることなく、慎重にキャンバスやリネンへコラージュしていきます。作品が発展していくにつれ、色や形を調整し、作品がしっくりくるまで、編集者を再び部屋に招き入れるように分析し始めます。

注目画像：スタジオのElizabeth Gourlay

IdeelArt編集部

出典

• Elizabeth Gourlay: コネチカットの色彩画家、Two Coats of Paint：コネチカットを拠点とすること、色を重視した制作、コラージュ、ガッシュ、モノタイプの使用を裏付ける独立したプロフィール。
• 音楽的な画家：Paul Klee、The Sublime Blog：Kleeの音楽的な生い立ちと、彼の手を遠い領域の道具と表現した引用文の背景。
• Kandinsky, 芸術における精神的なものについて（Wabash Collegeのテキスト）：色を鍵盤に、魂を画家が奏でる楽器にたとえたKandinskyの著書のテキスト。