戦後アメリカを活性化させた絵画 - MoMAにて

ニューヨークでのCOVID制限が解除される中、パンデミックの閉鎖中に期間が延長されたいくつかの美術館の展示が呼びかけています。抽象芸術のファンにとって最も注目すべきは、MoMAで開催されているDegree Zero: Drawing at Midcenturyで、1950年から1961年の間に制作された主に抽象的な79点のドローイングの展示です。この展示が特別である理由は、キュレーションが提起する2つの質問、すなわち、芸術的媒体としてのドローイングの本質と価値、そして、公式な美術史のバージョンを構築し、再構築するための機関の力についてです。ドローイングの媒体としての価値に関しては、一般的にその双子の兄弟である絵画や彫刻よりもリスクが低いと感じられます。紙、ペン、鉛筆は、良い絵具、キャンバス、金属、粘土、石に比べて安価で手に入れやすいです。アーティスト自身も、ドローイングを他の作品のための練習と見なすことがよくあります。皮肉なことに、そのような低い期待は、計画的で意図的な媒体が抵抗する自由な感覚をドローイングに与えることによって、時には傑作を生み出す結果となります。Degree Zeroは、この現象を2つの方法で考察しています。まず、キュレーションは、スイスのアーティスト、ソニア・セクーラによる息を呑むような黄色の無題のドローイングや、イタリア・ブラジルのアーティスト、アルフレード・ヴォルピによる完璧な「Composition with One Flag」など、明らかに完成品として意図された数十点のドローイングに焦点を当てています。次に、エルスワース・ケリーのドローイング「Study for La Combe II」（1950年）や「Study for Window, Museum of Modern Art, Paris」（1949年）など、いくつかのいわゆる準備作品を含んでおり、これらは前の最終版に比べて多くの点で優れています。Degree ZeroがMoMAのような機関が美術史を記述し、再記述する力にどのように対処しているかというと、展示全体が、戦後のアートが主にアメリカの白人男性のものであり、抽象表現主義に支配されていたという狭い物語を修正しようとする試みです。MoMAの常設コレクションから完全に引き出されたDegree Zeroは、5つの大陸からの2つの性別のアーティストを含み、複数の人種的背景を代表し、いくつかの未訓練のアーティストも含まれています。それは古い罪を消すことはありませんが、少なくともMoMAが今日、壊れた過去を修正し始めたいという願望を証明しています。

絵を描く人々

ゼロの学位について最も注目すべき点は、展覧会が存在するという事実です。プロの画家は、ドローイングが一次市場および二次市場の両方で絵画よりも低価格で取引される理由は、コレクターがドローイングをアーカイブとして見なさない傾向があるからだと教えてくれるでしょう。実際、多くの画家は質の高い紙を選ぶ時間をかけず、表面を準備せず、質の高い画材を選ばず、作品が完成した後にそれを保護することもしません。ドローイングを購入すると、作品を額装するために多くのお金を費やさなければならず、正しいタイプのガラスを選び、気象条件によって損傷を受けない場所に掛けるように気を付けなければなりません。適切に作られ、保護されていても、ドローイングは絵画よりも早く劣化する傾向があります。これが、多くの美術館のコレクションにあるドローイングが数十年にわたり平面ファイルの引き出しに放置され、無視され、最終的には忘れ去られてしまう理由です。再発見されたとき、それらは時には救えない状態になっていることがあります。

ノーマン・ルイス - メッセンジャー, 1952年。炭とインクで描かれた紙。26 x 30 3/8インチ (66.1 x 77.3 cm)。ニューヨーク近代美術館。ブランシェット・フッカー・ロックフェラーの寄贈 © ノーマン・ルイス遺族; マイケル・ローゼンフェルド・ギャラリー LLC, ニューヨーク, NYの提供。

なんとか、MoMAは1つの10年から79点のドローイングを収集することに成功しましたが、これらのドローイングは60年以上経った今でも、非常に良好な状態を保っています。素晴らしい例の1つは、オットー・ピーネによる「Untiled (Smoke Drawing)」（1959）です。アーティストは、燃える炎の上に金属製のスクリーンに紙を吊るし、煙が紙に円形のパターンを焦がすようにしてこの作品を制作しました。なんと、この焦げた紙は62年後も完全に無傷で、素晴らしく表現力豊かです。もう1つの注目すべき例は、ノーマン・ルイスによる「The Messenger」（1952）で、紙に描かれた木炭とインクのドローイングです。この作品は、創作からほぼ70年が経った今でも、この特異なアーティストの優雅で思慮深く、生き生きとした心の響きを保持しているように見えます。これらの作品の素晴らしい保存状態は、メディウムを劣化する運命にあるものとしてではなく、それを制作したドロワーの心と体を独自に表現するものとして、保護し収集する価値があるものとして再文脈化しています。

「ディグリーゼロ：ミッドセンチュリーのドローイング」展のインスタレーションビュー、2020年11月1日～2021年2月6日、ニューヨーク近代美術館にて。デジタル画像 © 2020 ニューヨーク近代美術館。写真：ロバート・ゲルハルト

歴史を正す

サマンサ・フリードマン、MoMAのドローイングとプリントのアソシエイトキュレーターは、グローバルで多性別、多人種、多面的な視点を伝える作品を見事に選んだことに対して、さらなる評価に値します。しかし、私はまた、Degree Zeroがこの展示に参加しているアーティストの個々の作品に対する私の理解に与えた影響にも同様に感銘を受けています。ルイーズ・ブルジョワの一対のドローイングは私を完全に魅了し、大人の中に生きる子供を再確認させ、このアーティストの彫刻が恐ろしいほどに深く大人であることを示す若々しい魂の素晴らしい一瞥を提供しました。ジェイ・デフェオの「無題（フィレンツェ）」（1952）は、私が今まで見た中でこのアーティストの唯一の小規模作品です。その衝撃的な明瞭さと情熱は、私の心にそのイメージを刻み込み、おそらく永久に残るでしょう。1958年のジョルジュ・マチューによる無題の白黒ドローイングは、この画家に対する尊敬のレベルをさらに引き上げました。私は彼の独特の宇宙的抽象画のファンでしたが、色や質感の助けなしに彼がここで何をしたのかを見ることで、彼のマスタリーを証明されました。

ジョーン・ミッチェル - 無題、1957年。紙に油彩。19 1/2 x 17 1/2インチ (49.5 x 44.5 cm)。ニューヨーク近代美術館。ドローイング基金委員会 © ジョーン・ミッチェル財団

Degree Zeroが歴史を「正す」最終的な方法は、通常は描画と見なされるものの外に手を伸ばす意欲にあると感じています。ドロシー・デヘナーによる水彩画「New City」（1953）は、通常は単なる水彩画と見なされるでしょうが、その線的な表情は確かにこの展示に属することを示唆しています。同様に、ボーフォード・デラニーによるカラフルな無題のパステル作品は、通常は絵画または単なる紙の作品として展示されるでしょう。1957年のジョーン・ミッチェルによる驚くべき無題の油彩画、サブロ・ムラカミによるアクリルの投げ球作品、サリ・ディエネスによるインクの擦り、そしてヴェラ・モルナーによるコラージュ「2Letters Ms」（1961）についても同じことが言えます。これらの作品を描画として分類することは、微妙で反体制的な方法で定義をぼかし、この展覧会が達成する全体的な効果、すなわち描画と美術史の経験を過去よりもよりオープンに拡張することに寄与しています。

特集画像： オットー・ピーネ - 無題（煙の描画）、1959年。紙にすす。20 x 29インチ（51 x 73 cm）。ニューヨーク近代美術館。シェルドン・H・ソロウ提供の資金で購入 © 2019 オットー・ピーネ / アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク / VG. ビルド・クンスト、ドイツ
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フィリップ Barcio による