「パリのロスコについてのノートと考察 - Dana Gordon」

パリは寒かった。しかし、それでも満足のいく魅力があり、美しさが周りに広がっていた。壮大なマーク・ロスコ展は、雪に覆われたブローニュの森の新しい美術館、ルイ・ヴィトン財団にある。派手でプラスチックのような建物はフランク・ゲーリーによって設計された。そのレストランは「フランク」と呼ばれている。ギャラリーは素晴らしく、絵画は控えめなスポットライトで、非常に薄暗いギャラリーの中で敬意を表して展示されている。目が慣れると、作品は自らのエネルギーで輝いていた。

最初に出会う部屋には、1950年代のロスコの傑作が展示されています。そして、それはまさに傑作です。この時期、ロスコは通常、キャンバスの縁の垂直長方形の中に、上下に配置された2つまたは3つの柔らかい長方形の形を含む、永続的なフォーマットを確立しました。その縁はほとんど無関係に思えます。この作品では、彼は最も強烈な色のフルスペクトルからの組み合わせを使用しました。私にとって、これらの作品は彼の最高のものです。色の表現が最も豊かです。私はそれらを見るのが簡単で、引き寄せられ、もっと長く見続けたいと思わせました。見れば見るほど、ますます良くなりました。この多くの作品で満たされた大きな部屋は、絵画、これらの絵画、この男の絵画—これらの薄いフィルムが脆弱な表面に描かれたもの—が、世界が提供できる最も深く、素晴らしい体験を提供していると言っていました。このギャラリーを出た後、振り返って「彼はやった」と自分に言い聞かせました。

その部屋の後、私は彼の初期の作品を見るために階下に行きました。最初は1930年代から1940年代中頃の絵画がありました。これらは一般的に、都市と少数の人々の緊張感のある、空気のない、ほとんど無色のイメージでした。それから、彼のシュルレアリスムに影響を受けた抽象画のセレクションが示されました。これらは少し開放感がありましたが、主に細長く、線状で、抑制的でした。

それから、まるでロスコが1947年にアシッドを摂取したかのようだった。柔らかく浮遊する色の形の「マルチフォーム」が突然現れ、開放的で自由で輝いている。これらは、私たちが知っている象徴的な「マーク・ロスコ」の絵画への明確な前奏曲であり、1950年代に登場することになる。実際に起こったことは、彼が1946年12月から1947年1月のボナール展を見たことだった。1947年から1951年の奇跡の年々の文脈の中で、ニューヨークの絵画は新しい種類の抽象、すなわち（すぐに抽象表現主義と呼ばれることになる）新しい種類の絵画を発明し、その傑作を伴っていた。ボナールの絵画は、ロスコにとって自身の偉大な突破口を引き起こす触媒となった。

マーク・ロスコ - ブラック・オン・マルーン, 1958年。キャンバスに油彩。266.7 x 365.7 cm。テート、ロンドン。アメリカ芸術財団を通じてアーティストから寄贈、1969年。© 1998 ケイト・ロスコ・プリゼル & クリストファー・ロスコ - アダグプ、パリ、2023年

もう一つの触媒が思い浮かびます。おそらく考えすぎかもしれませんが、垂直のキャンバスに吊るされた色と光の長方形のフォーマットは、1920年代から1950年代のほとんどの映画画像の形状である4対3のアスペクト比に近かったということです。1940年代と1950年代には、そのような映画の多くに見られる新しく印象的な特質は、スクリーンに反射する強烈なテクニカラーの色でした。ロスコの長方形を見ていると、これらの映画をよく見るときに見える渦巻く色の粒子が思い浮かびました。

1950年代の部屋の後には1960年代の部屋があります。これは独自の魅力を持っています。全体的に色は暗めですが、それでも強烈です。ロスコは、自身の絵画が抽象的な装飾ではなく、ドラマティックな体験であってほしいと述べたことで知られています。この強調はここで明らかになります。1950年代の作品では、明るい色は確かにドラマティックですが、観客の体験は色そのものの喜びと深さに吸収されることが多いです。確かに体験であり、ドラマティックに強いですが、ドラマが支配的ではありません。1960年代の作品では、色の暗さと形の強調された配置（例：上部は非常に明るく、他はすべて暗い）が、視覚的手段によるドラマの意図を示しています。

次は、ミース・ファン・デル・ローエが設計した新しいシーグラムの超高層ビルにあるフォーシーズンズレストランのために作られた壁画パネルで構成された部屋です。ロスコは、1960年代の建築家でアート界の人脈を持つフィリップJohnsonからこの依頼を受けました。ロスコは、これらの絵画が主に企業の大物たちが利用する賑やかで高価なレストランを飾ることになると気づき、絵を描いた後にそれらを公開することを拒否しました。今、彼らのために作られた部屋に設置されているのを見ると、なぜ彼がそうしたのか理解できます。これらの絵画はほとんど色を避けており、大きくて奇妙で、非常に劇的な形と暗さで構成されており、その雰囲気はディナーを楽しむにはふさわしくありません。

マーク・ロスコ - No. 14, 1960。キャンバスに油彩。290.83 cm x 268.29 cm。サンフランシスコ近代美術館 - ヘレン・クロッカー・ラッセル基金による購入。© 1998 ケイト・ロスコ・プリゼル & クリストファー・ロスコ - アダグプ、パリ、2023

次に、ほぼ最後となるのは、1960年代後半のロスコの黒と灰色のアクリル画のクライマックス、またはアンチクライマックスです。これらは、私にとって、1947年から1960年代後半にかけて続いた彼の成功した突破の深い感動から、彼の最後の抑うつの年々の容赦ない荒廃への下降を包含しています。絵画はおおよそ半分に分かれており、上部は黒、下部は淡い灰色です。表面はブラシで描かれていますが、以前ほど微妙なニュアンスはありません。アクリル絵具は平坦で、光を惰性で反射するだけで（黒の場合は吸収し、反射しません）、以前の油絵の色のように吸収して再屈折させることはありません。それはあなたを吸収しません。それはあなたを外に留めるプラスチックのバリアです。これらの絵画のうち1つを除いて、キャンバスの端に約¾インチ幅の白い線で囲まれており、明らかにマスキングテープの幅の境界です。また、エッジをシャープに保つために使用されたテープの残留物が見えるものもあります。これらの境界は、絵画の中の絵画のエッジを強調し、平坦な形状を貫通不可能に保つのに役立ちます。確かに、通常は黒が深い宇宙であると想像できますが、ここでは絵具の効果を無視することになります。これらの絵画は、1960年代中頃から後半のミニマリズムに対するロスコの反応だったと言う人もいます。そうかもしれませんし、そうでないかもしれません。いずれにせよ、彼の以前の素晴らしい色彩作品とはほとんど共通点がなく、何も残っていませんでした。その当時、ロスコが増大する深刻な抑うつに苦しんでいたことはよく知られており、私たちが知っているように、それは1970年の彼の自殺につながりました。

私は1968年から1969年にかけて、マーク・ロスコに一度会った。私は彼の友人で彫刻家のトニー・スミスのために働いていて、マークと彼の家族をイースト69丁目のスタジオから迎えに行き、ニュージャージーのトニーとジェーン・スミスの家でのディナーに連れて行くように指示された。私と友人はディナーに招待され、その後ロスコ家族をニューヨークに戻すために運転することになった。スタモスもゲストだった。そして、トニーのジャクソン・ポロックの作品がディナーテーブルの後ろの壁に掛かっていた。残念ながら、会話の内容は思い出せないが、アートについての深い話ではなく、ただの普通のおしゃべりで、ロスコはほとんど貢献しなかった（私もそうだった）。また、ロスコは私には陰に包まれたように見え、縮んだ黒い穴のような抑うつ感を放っていた。彼の晩年の黒と灰色の絵画のように、エネルギーを発しておらず、光を吸い込んでいるようで、ほとんど反射していなかった。おそらく、当時の若い画家にとっては特に印象的だったのは、彼の最近の偉大な作品から放たれる細かい粒子の渦巻く光のエネルギーとの対比があったからだ。彼の同時代の人々も同様に感じていたことを知っており、無力感を抱きながらそれについてほとんど何も言わなかった。

Dana Gordonはニューヨークを拠点とするアメリカのアーティストです。彼のアートに関する文章は、ウォール・ストリート・ジャーナル、ニュー・クリテリオン、ペインターズ・テーブル、ニューヨーク・サン、コメンタリー・マガジン、エルサレム・ポストに掲載されています。