クロード・ヴィアラットとのインタビュー
20世紀後半のフランスの美術史は、フランスおよび国際的なアートシーンの重要な人物であるクロード・ヴィアラットを言及せずには語れません。この卓越したクリエイターは、ここ数十年の間に最も偉大なフランスの抽象芸術家の一人です。彼はさまざまなスタイルやアプローチを試みた時期もありましたが、クロード・ヴィアラットは自らの視覚言語に忠実であり続け、しばしば従来のルールや伝統的な絵画技法を破っています。特に、キャンバスにストレッチャーなしで単一の形を取り付けるという彼の有名な手法が称賛されています。パリのギャラリー・ダニエル・タンプロンでのクロード・ヴィアラットの今後の個展に先立ち、IdeelArtはアートメディアエージェンシーと協力し、彼が住み、働くフランスのニームにあるアーティストのスタジオで午後を過ごし、独占インタビューを行う機会を得ました。
クロード・ヴィアラ - 本質と否定
ヴィアラのキャリアで際立っているのは、他者がそれをどのように受け止めようとも、彼自身のルールと基準に常に忠実であり続けたという事実です。キャリアの初期に、ヴィアラはサポート/サーフェス運動のメンバーであり、他のアーティストたちと共に、素材や創造的なジェスチャーに焦点を当て、主題自体を後ろに置きました。彼の色とテクスチャーに関する実験は、彼が最もよく知られている多くの作品の創造につながりました。さらに、ヴィアラはリサイクル素材、傘、さまざまな布、編まれたまたは結ばれたロープなど、さまざまな異なる表面に絵を描きました。現代抽象芸術の偉大な人物であるクロード・ヴィアラは、50年にわたるキャリアを持ち、今もなお活動を続けています。パリのギャラリー・タンプロンは、この重要なフランスのアーティストの作品に新しい歴史的視点を提示する展覧会を開催します。展覧会は6月4日にオープンし、2016年7月23日まで展示されます。
あなたの作品は、繰り返しと違いのペアに大きく依存しています。ジェスチャーや手順の繰り返し；素材や色の違い…
私の仕事はまず第一に、物事の日常的な性質についてだと言えます。私たちは皆、常に同じ動作を繰り返す人々であり、これらの動作から常に異なる状況を得ています。毎日は同じことの繰り返しであり、それが異なる結果を生み出します。
これが私の仕事の原則です：同じ動作を似たような素材で、さらには異なる素材で行うと、毎日非常に異なる結果が得られます。私は新しいものを発明しようとはしていません；物事がそのように進むのを許し、新しさが自ら発明されるのです。
毎日、私は生き、提出し、集め、反映し、印象や感情、ビジョンを救い出します。私はこれらすべてが私を養うことを許します。私は、コーティングも貼り付けもされていないキャンバスで作業をする際、素材が重要であることを理解しています。色の粘性によって、素材はそれに対して異なる反応を示します：それは吸収したり、抵抗したり、浸透せずに立たせたり、あるいは逆に浸透させて拡散させたりします。私は、ベルベットやターポリン、シーツなどの素材が色と関わるときに、まったく異なる効果を生み出す方法を探求します。
あなた’しばしば優れた色彩家として描写されます。
私は色が現れる方法を受け入れます、それだけです。画家はそれらを合わせるようにトーンを探します。私は布、素材の上にトーンを置き、それを受け入れます。
これらの受容、辞任、動作の繰り返しという概念を通じて、私たちはアジアの哲学とのいくつかの類似点を見出すことができます。これはあなたの作品に影響を与えていますか？?
私が哲学に興味を持つのは、何かが起こっているときに介入しないことを受け入れるために必要な努力です。起こることを受け入れ、それを記憶し、後で分析すること – もし異なる方法で作業していたらの可能性を見たり、同じ素材によって表現される違いを見たりすることです。私はこれらすべてを記憶に留め、忘れ、そして再び始めることを目指しています。
クロード・ヴィアラのスタジオで
クロード・ヴィアラ - 無題 n°39, 1985 , アクリル, 220 x 320 cm , 86 5/8 x 126 in
絵画スタイルについて
これがあなたの絵画の定義ですか？
これには何かが含まれています。私は絵画の終わりについて考えた世代に属しています。1950年代には、「最後の絵画」という概念についてよく耳にしました。要するに、異なる方法を発明する必要がありました。
私の意見では、異なる絵を描くことは私の職業を問い直すことに他なりません。それは何から成り立っているのでしょうか？キャンバスを取り、フレームに置き、貼り付け、装飾し、適切な色合いを見つけるためにさまざまな色を加えることです。私は生のキャンバスをフレームに張り、ホットゼラチンとユニバーサルカラーで作られた色を使って作業しようとしました。また、木材の着色を使用し、顔料を水やアルコールで希釈しようとしました。私は、安定性のない儚い着色剤やアクリルも使用しました。
最初のモノクロームは、キャンバスをフレームに張る欲望を示していました。しかし、キャンバスをフレームに張ることが絵画を作るのであれば、このメカニズムを解体する必要がありました。フレームを一方に置き、キャンバスをもう一方に置くことで、これら二つの要素の間の緊張が新しいタイプの絵画を生み出すのです。
私たちはこれをSupports/Surfacesで見つけました。デゼウゼはキャンバスなしでフレームに取り組み、サイツールは生のキャンバス上にグリッドを表現しました。つまり、彼はフレームの画像をキャンバスに置いたのです。そして私はフレームなしでキャンバスに取り組んだため、絵画の解体が生じました。
振り返って、この絵画のメディウムとしての解体をどのように見ていますか？
それは必要でした。若いアメリカ人はまだ絵画の解体について考えていますが、常にフレームを前面に戻します。キャンバスをフレームから外すことは、芸術の歴史に反するかのようです。私にとって、それは絵画を解放した平行の歴史であり、少なくとも一方向においてそうです。国際的なシーンを見ると、伸ばしていないキャンバスで作業するアーティストは稀です。アメリカ人はフレームを取り除くのに苦労しています。
あなたの作品は、マティスが提起した絵画に対する関心を持つというアイデアと結びついています。’の基本オブジェクトです。
マティスが絵を描くとき、時にはキャンバスの白が絵の中に現れることがあり、これは伝統的に異端と見なされていました。私の作品では、生地自体が媒介の支持体となり、同時に平均的な色、言い換えれば、色の分布が整理される基準、つまりその素材となります。すべてはこの基準に対して反応します。この媒介の支持体の質に応じて、私たちはそれと関係を形成するものを得るのです。
抽象に対して自分をどのように位置づけますか？
私の絵画は、抽象や具象の問題というよりも、同じ形の繰り返しから成るシステムです。形を変えてもシステムを変えなければ、何も変わりません。同じ形にこだわることで私が持っている自由を意識し、同じ形の繰り返しによって具現化される日常のパラドックスを感じます。毎日、無限に異なるキャンバスを構築し、これが私に非常に広い自由を与えます。
一般的に、私は自分で生地を選ぶことはありません。人々が私に持ってきてくれます。私はありそうもない素材で作業するようにしています。私の作品の大部分を占めるのは、何よりも素材とその質です。
あなたは1970年代にアメリカ合衆国を訪れ、アメリンディアンアートに感銘を受けました。
私の作品を支えるものは何か？もちろん、西洋絵画の歴史ですが、すべての絵画の歴史でもあります：東洋、極東、オーストラリア、アメリカ — そしてアメリカとは「先住民」を意味します。テントや盾に絵を描いたすべてのインディアンの民族が私にインスピレーションを与えます。盾の絵は通常、円形の支持体に描かれ、トーテム動物や戦いの成果— 狐やオオカミの尾、スカルプ… で満たされていました。要するに、戦士の物語を語るすべてのものです。インディアンの盾は単なる防御的なものではなく、戦士の象徴的なイメージでもあります。盾は円形で、一般的には柳の枝を輪に曲げて結びつけて作られます。言い換えれば、基本的な円です。これは円形のフレームの基本的なイメージです；アーチがフレームに張られたキャンバスの最も極端なイメージであるのと同様に— 木に張られた弦です。これら二つの物体は基本的なものです。
同様に、先史時代は最初の絵画表現の時代でした。そして、最初の絵画表現とは何だったのでしょうか？それは人間の手形です。言い換えれば、誰かが滑って泥に落ち、その後、洞窟の壁に手をついたのです。滑って泥に手を浸す行為は、壁に自らを表現するための手を作り出しました…泥が乾くにつれて、手の形ができました：これが最初の肖像画でした。"他者"は自分の一部、痕跡、印によって表現されました。この最初のイメージの後、表現はより複雑になり、人間は手の上に口から絵の具を吹きかけることで手のカウンタータイプを作り出しました。右手はひっくり返した左手でした。手の上に吹きかける行為は、視点を広げたり狭めたりしました。すでに、無限の可能性が表現の背後に存在していました。
あなたの仕事は、本質や起源についての反省に関連しているようです。
それが私がしようとしていることです。円、フープ、シールド、アーチは基本的な要素です。歴史の中には、基本的かつ初歩的な動作やシステムに関する知識があります。例えば、物を持ち上げたり、ブロックしたりするくさび、物が転がるのを止めるためのものです。垂直線はロープと石であり、同時にブルロアラー（楽器）でもあり、何かの重さを測る方法であり、垂直を決定する方法でもあります。これらのすべての要素は、このロープとこの石の中に含まれています。また、ガロットやスティールヤードバランスもあります... これらは普遍的で基本的なシステムです。私が興味を持っているのは、彫刻において、これらのシンプルで普遍的なシステムを再利用したり、問い直したりすることです。
あなたの彫刻は普遍文法を構成していますか？
それらは不安定で、固定されておらず、その不安定さのまま放置されていて、何の安全性も提供しません。しかし、芸術の歴史はまた、アートマーケットの歴史でもあり、これらは市場によって伝統的に評価される特徴ではありません。彼らは安全性を提供しません。
クロード・ヴィアラのスタジオ
クロード・ヴィアラットスタジオ
アートマーケットとサポート/サーフェスについて
そんなに多作であることは、あなたの作品が市場に逆らっているということです。あなたと市場との関係は何ですか？
私のすべての作品は、アートの神話を解体することを目的としています。アーティストのサインや希少性など、市場を伝統的に特徴づける要素がありますが、私はそれに逆らいます。私の作品は多産であり、私は描かれた糸と描かれたキャンバスに同じくらいの重要性を置いています。すべての絵画要素は絵画を構成します。絵画からの糸は、その絵画と同じ理由で絵画です。私はキャンバスにサインをすることができますが、糸にはサインをすることができません。では、糸にサインをできないのに、なぜキャンバスにサインをする必要があるのでしょうか？
次に、美しい素材の地位、美しい職業、素材の安全性、そしてキャンバスの神聖化についてです。私のすべての作品はこれに反しています。私は働くことに喜びを感じており、この喜びを奪われる理由がわかりません—そして何のために。おそらく私のキャンバスはそれに苦しんでいるかもしれませんが、私自身はそうではありません。残りはディーラーの問題であり、私には関係ありません。
おそらく私は気取っているのかもしれません。私は何も求めないので、決して間違いを犯しません。私は創造し、私が創造したものを受け入れます。私にとって、すべてのキャンバスは同じ重要性を持っています。
すべての支配の意図を放棄しましたか？
最も難しいことは、日々行っていることを完全にマスターできないことを受け入れることです。それは、自分自身をマスターする一形態です。私の仕事を変える最良の方法は、何をするかを知らないことであり、自分自身を発見させ、今やったことを分析し、これから何をするかを予測することです。私にとって、これは私が考えたすべての可能性を意識し、それらを必要としないことを意味します。なぜなら、仕事は自ら結果を出すからです。
「Supports/Surfaces」がアメリカで掘り起こされました。これについてどう思いますか？
「Supports/Surfacesの作品がアメリカに到着し、アメリカの画家たちが私たちが当時抱いていたのと同じ質問をしていること—しかし彼ら自身のやり方で—は、私にとって全く普通のことのように思えます。」
物事はこうして動いています。1970年代の初めに、私はパリ・ビエンナーレでネットを展示しました。偶然にも、アメリカの画家と日本の画家が同じことを同時に行っていましたが、私たちはお互いを知りませんでした。彼らはそれぞれの文化を通じて、異なる論理に基づいてこのイメージに到達しました。私はこれを魅力的だと感じます。
しかし、絵画が変わると、それは主にイメージに影響を与えるわけではありません。アーティストはイメージだけを見ており、これは私たちの時代の盲点です。イメージの修正は絵画には関係ありません。なぜなら、興味深いのは絵画そのものであるからです。基本的な問いは、「絵画とは何か？」です。
特集画像：クロード・ヴィアラットのスタジオで
アートメディアエージェンシー（AMA）は、このインタビューの実施に参加しました。AMAは、アート市場に焦点を当てた国際的なニュースエージェンシーです。AMAは、ギャラリー、オークションハウス、フェア、財団、博物館、アーティスト、保険、輸送、文化政策など、アートの世界のあらゆる側面をカバーする300以上の記事を毎週制作しています。
クロード・ヴィアラットスタジオの画像 ©IdeelArt
