ジョーン・ミッチェルのポリプティック・ペインティングがデイヴィッド・ズワイナーに到着

ニューヨーク近代美術館（MoMA）で開催されている「The Long Run」展（2019年5月5日閉幕）を訪れた人々は、抽象表現主義の画家ジョアン・ミッチェルの大規模な二連作に初めて目を奪われたことでしょう。1976年の「No Rain」の隣り合う二枚のパネルは、ジェスチャーと構図における二つの異なる見方を示しつつ、共通の緑がかった色調によってつながりを感じさせます。同様に、1990年の「Taillade」の双子のパネルは、青、赤、黄土色、白の共通言語を抱きつつ、バランスと視点に微妙な違いを表現しています。一方、1980年の「Wood, Wind, No Tuba」の並んだパネルは、鮮やかな黄色と青で感覚を満たしながら、ひとつは落ち着いて開放的、もうひとつは緊張感があり、ほとんど疲れ切ったような二つの異なる構造を示しています。これらの作品は、複数の隣接するパネルで構成される一枚の絵画である多連作という手法を通じて、共通点と相違点の両方を見事に表現するミッチェルの才能を示しています。今回初めて、彼女の多連作絵画に焦点を当てた展覧会を楽しむ機会が訪れます。ジョアン・ミッチェル：私は風景を携えているは、ニューヨークのデイヴィッド・ズウィルナー画廊の537 West 20th Streetの会場で今夏開幕します。ジョアン・ミッチェル財団や他の主要な寄贈者からの作品、そして個人収集家から集められた作品を含む、四十年にわたる多連作が展示されます。これは、彼女の世代の画家の中でほとんど採用されなかったこの独特の形式を、ミッチェルが真に極めたことを鑑賞する貴重な機会です。

規模の力と問題点

他の多くの抽象表現主義の画家と同様に、ミッチェルは自分の世代が規模に重きを置いていることをよく理解していました。1943年、ジャクソン・ポロックが巨大な2.43メートル×6.04メートルの「壁画」を完成させたとき、絵画の視覚世界に観る者を文字通り包み込むことで得られる効果を決定的に示しました。アドルフ・ゴットリーブ、フランツ・クライン、ヘレン・フランケンサーラー、ロバート・マザウェルなどの画家たちも彼の足跡をたどり、床に広げた大きなキャンバスに直接描くことが多い大規模な抽象画を制作し、より大きいことが常により良いという考えのもとにキャリアを築きました。しかし、大きな作品を制作しようとするときには常にいくつかの課題が生じます。ひとつは大規模な絵画を展示する場所を見つけることです。通常、そのような壁面の余裕があるのは美術館だけです。もうひとつは、制作するための場所を確保するという単純な実務的問題です。

ジョアン・ミッチェル - No Rain、1976年。油彩、二枚組キャンバス。9フィート2インチ×13フィート1 5/8インチ（279.5×400.4センチ）。ジョアン・ミッチェル遺産寄贈。MoMAコレクション。© ジョアン・ミッチェル遺産。

この二つ目の問題は、ミッチェルがスタジオを転々とする中で興味深い影響を与えました。1959年に移ったパリの10 rue Frémicourtのスタジオでは、大きなキャンバスを外に出す際に巻き取らなければならず、厚い絵の具の層を重ねることができませんでした。多連作の概念はこの問題に対するひとつの解決策を提供し、複数の小さなキャンバスに厚く描くことを可能にしました。この戦略は、今後のズウィルナー展に出品される大規模な四連作「Seine」（1967年）に見られます。色彩豊かでエネルギッシュな構成は、生物的な青の領域と書道的な筆致で満たされ、涙に濡れた目で川岸からパリのきらめく灯りを眺めるような感情と記憶の世界を呼び起こします。全体の四連作はほぼ2×4メートルですが、各キャンバスはより扱いやすい2×1メートルです。

ジョアン・ミッチェル - Wood, Wind, No Tuba、1980年。油彩、二枚組キャンバス。9フィート2 1/4インチ×13フィート1 1/8インチ（280×399.8センチ）。ジョアン・ミッチェル遺産寄贈。MoMAコレクション。© ジョアン・ミッチェル遺産。

記憶の感覚

その後、ヴェテュイユの田舎にあるより広いスタジオに移ったミッチェルは、もはや描いたキャンバスを巻き取って移動する必要がなくなりました。好きなだけ厚く描くことができる大規模なキャンバスを制作できるようになりましたが、それでも多連作形式へのこだわりは以前にも増して強まりました。大規模な制作と複数のキャンバスにまたがる絵画を組み合わせることで、彼女は独自の成果を上げました。壮大な構成を作り上げる一方で、鑑賞者が作品のさまざまな側面を区分して捉えることを可能にしたのです。この戦略により、彼女の多連作絵画からはより主観的な体験が生まれる機会が生まれました。例えば、ズウィルナーで展示される四連作「Minnesota」（1980年）は、四枚のパネルで2.6×6.1メートルの大きさがあります。遠くから見ると、全体の構成は比較的素直で光に満ちた田園風景を思わせますが、近づくと目は個々のパネルを分けて捉え、それぞれに独特の表情を感じ取ります。両端の二枚には野生的でエネルギッシュな筆致のジャングルが広がり、左から三番目のパネルは広大で開放的な輝く黄色の宇宙の静けさを伝えています。

ジョアン・ミッチェル - Edrita Fried、1981年。油彩、四枚組キャンバス。116 1/4×299 5/8インチ（295.3×761.1センチ）。ジョアン・ミッチェル財団所蔵、ニューヨーク。© ジョアン・ミッチェル遺産。

鑑賞者が彼女の多連作からさまざまな感情的反応を引き出せるという考えは、ミッチェルがこれらの作品で達成しようとしたことの本質でした。彼女はかつてこう語っています。「私は自分の中に携えている記憶の風景と、その風景にまつわる記憶の感情から描いています。それらはもちろん変容します。自然をそのまま映し出すことは決してできません。むしろ自然が私に残してくれたものを描きたいのです。」ズウィルナー展で展示される最大級の多連作のひとつは、この言葉を深く考えさせる機会を提供します。タイトルは「Edrita Fried」（1981年）、大きさは3×7.5メートルです。親友でありかつての精神分析医であったエドリタ・フリードにちなんで名付けられました。彼女はこの絵が完成した年に亡くなりました。構成は喪失の痛みと希望の約束を語り、深い青の筆致の茂みから輝く黄土色の波が立ち上がる優雅な移行を見せます。絵画的な動きの穏やかで流れるようなエネルギーが、四枚のパネルを通じて視覚的かつ感情的な旅を暗闇から光へと導きます。ジョアン・ミッチェル：私は風景を携えているは、5月3日から6月22日までニューヨークのデイヴィッド・ズウィルナー画廊で開催されます。

掲載画像：ジョアン・ミッチェル - Taillade、1990年。油彩、二枚組キャンバス。8フィート6 1/4インチ×13フィート1 1/2インチ（259.8×400センチ）。ギャラリー・ジャン・フルニエ、エニッド・A・ホープ基金、ヘレン・アチェソン遺贈（交換による寄贈）。MoMAコレクション。© ジョアン・ミッチェル遺産
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執筆：Phillip Barcio