ラリー・プーンズのアートについてもっと話しましょう

1960年代初頭、ニューヨークのグリーン・ギャラリーでの初個展の後、ラリー・プーンズは瞬く間に批評家たちの寵児となりました。そこでは彼の今や悪名高い点描画—単色の背景に数学的に配置された点の作品—が展示されました。これらの絵はよく売れ、他の芸術家たちにも愛されました。絵画の平坦さは、当時美術批評家クレメント・グリーンバーグが推し進めていた、抽象絵画の進化としての平面化という美術史的神話にもうまく合致していました。彼が「ポスト・ペインターリー・アブストラクション」と名付けたこの傾向です。しかしプーンズは、金持ちになろうとか美術史に名を残そうとしてこれらの絵を描いたわけではありません。彼は絵を描くのが苦手だったからこそ、これらを作ったのです。晩年、プーンズは罫線の入った方眼紙に形を描く苦悩を思い出し、それを塗りつぶす作業の苦しさを語りました。「満足できなかった」と彼は説明します。友人に「もっと単純にしろ」と言われ、「ならば点だけを描こう」と考え、点描画が誕生しました。しかしプーンズ自身は点に興奮していたわけではありません。自信がつくとすぐにより実験的になり、アプローチを根本的に変えました。そのスタイルの変化はグリーンバーグを怒らせ、買い手を遠ざけ、画商を怖がらせました。それ以来、プーンズは公の支持を得たり失ったりを繰り返していますが、画家としての実験をやめたことはありません。一方で、さまざまな批評家は彼の変遷を説明する統一理論を考え出そうと試みています。おそらく後世や市場のために彼の作品をつなぐ糸を提供しようとしているのでしょう。主に彼らは色彩に注目しています。ニューヨーク・タイムズのロベルタ・スミスは「プーンズ氏は、手法は大きく異なっても、全体にわたる脈動する色彩の場を強く好んでいる」と書きました。ハイパーアレルジックのジェイソン・アンドリューは、プーンズは「60年代の歴史的な点描画以来、色彩を追求してきた」と述べています。しかしこれらの批評家は、確かなものがないところに確実性を求めているのかもしれません。プーンズにとっては、つながる糸などありません。すべての絵はそれ自体の絵です。重要なのはただ見ること、そして「結局のところ、それはただの絵の具だ」とプーンズが言うように、覚えておくことなのです。

ただ描くこと

プーンズが1960年代初頭に描いた点描画は、より単純に描きたいという願望から生まれたかもしれませんが、彼が画家として前進する自由を得たのは、ただ描く勇気を見つけたからでした。格子を捨てると、彼はさまざまな興味深い技法を発見しました。絵の具の線をキャンバスに垂らして画家の縞模様の場を作るシリーズを制作しました。筆跡を前面に押し出したジェスチャー的な構成も作りました。何年もかけて、紙片や縄の切れ端などの素材を絵の表面に貼り付け、厚く重い質感の作品を作り、壁から突き出すような作品も生み出しました。最近の作品では、プーンズは再び描画を前面に押し出し、構図の形や形態をあらかじめスケッチし、それを塗り込み、その周囲を即興で描いています。

ラリー・プーンズ - 無題（「陰謀：証人としての芸術家」より）、1971年。シルクスクリーン。19 3/4 × 27 インチ（50.2 × 68.6 cm）。150部限定。アルファ137ギャラリー。© ラリー・プーンズ

彼の手法で特に注目すべきは、編集作業に楽しみを見出していることです。彼はどの部分が完成作品になるか分からないまま、大きな伸ばしていないキャンバスに描く傾向があります。しばらくの間は、大きなキャンバスを床に置いて自由に描いていました。最近では、スタジオの壁に円形のキャンバスを掛けて一度に描くことも始めました。床であれ壁であれ、考え方は同じで、楽しみながら描き、絵が自らを示すのを待ちます。作品が大きな構成から飛び出してきたら、プーンズはそれを切り取るだけです。この作業方法は可能性を広げ、計画に縛られず、楽しみと自由を優先させることを可能にしています。

ラリー・プーンズ - 無題、1975年。カラーシルクスクリーン。35 x 25 インチ（88.9 x 63.5 cm）。100部限定。ロバート・フォンテーヌ・ギャラリー。© ラリー・プーンズ

成功した画家

2018年のサンダンス映画祭で初公開されたドキュメンタリー『すべての値段』（監督：ネイサン・カーン）は、再びラリー・プーンズを世間に紹介しました。この映画は現代美術市場をオークションハウスの視点から検証し、価格を上げ続ける彼らの終わりなき努力を描いています。映画でオークショニアたちが明確に示すのは、芸術作品の質はその市場価値に直結しているということです。「良い芸術が高価であることは非常に重要だ」とスイスのオークショニアで美術収集家のサイモン・ド・ピュリは言います。映画の中でプーンズは対照的な存在として現れます—彼は長年、自分の絵が売れるかどうかを気にしなくなった芸術界のベテランです。映画公開後、『アート・ニューズペーパー』のガブリエラ・アンジェレッティのインタビューで、プーンズは「成功を家賃を払うために何かを売れることと定義するなら、それは家賃を払うことに成功しているということだ。あなたの芸術が良いかどうかは関係ない」と述べました。

ラリー・プーンズ - ロバート・キンダー・シュピーレ、1975年。キャンバスにアクリル。254 x 191.8 cm（100 x 75.5 インチ）。ニューヨーク、クノードラー・コンテンポラリー・アート。現所有者が1975年に上記より取得。© ラリー・プーンズ

代わりにプーンズは、画家の成功をもっと現実的な言葉で説明します。「朝起きて絵を描きたい気持ちになり、絵を描きに行くこと」です。しかし皮肉なことに、芸術市場が最も価値を置くプーンズの絵は、最も未熟なプーンズが描いた絵なのです。彼にとって、あの愛される点描画は自信喪失の危機に対する単純な解決策に過ぎませんでした。美しい絵ですが、もし彼がそれを描くことで個人的または知的に何かを得ていたなら、描き続けていたでしょう。彼はそれらを退屈だと感じ、次へ進みました。市場は退屈だとは思わず、しがみつきました。プーンズは、芸術家は人々が好きでお金を払ってくれるからといって、自分が楽しめないことに縛られる必要はないという生きた証拠です。彼は、成功した画家とは、誰かにお金をもらうかどうかにかかわらず、自分なりの理由で描き続けることに成功した画家だと示しています。

表紙画像：ラリー・プーンズ - トリスタン・ダ・クンガ、1964年。キャンバスにリキテックス。183.1 x 366.2 cm（72 1/16 x 144 3/16 インチ）。バートン・トレメイン夫妻寄贈。ナショナル・ギャラリー・オブ・アート所蔵。© ラリー・プーンズ
すべての画像は説明のために使用しています
作：Phillip Barcio