ラリー・プーンズのアートについてもっと話しましょう

彼の最初の展覧会は1960年代初頭にニューヨークのグリーンギャラリーで行われ、ラリー・プーンズは瞬く間に批評家たちのお気に入りとなった。展覧会では、彼の今や悪名高いドットペインティングが展示されていた。これは、単色の背景に数学的に配置されたドットの作品である。これらの絵画はよく売れ、他のアーティストたちにも愛された。絵画の平面性は、当時アート批評家クレメント・グリーンバーグが推進していた、抽象絵画の進化に関するアート史的神話とも見事に合致していた。彼はこの傾向を「ポストペインタリー・アブストラクション」と名付けた。しかし、プーンズはこれらの絵画を作ったのは、金持ちになろうとしたり、アートの歴史を作ろうとしたからではなかった。彼は、絵を描くのが下手だったからこそ、これらを作った。後にプーンズは、罫線のグラフ用紙に形を描くのに苦労し、その形を塗りつぶすという拷問を思い出した。「私はそれに満足していなかった」と彼は説明した。友人が彼にシンプルにするように言った後、彼は「もしこれをもっとシンプルにしたら、点を描くだけで済むだろう」と考えた。こうしてドットペインティングが生まれた。しかし、プーンズはドットに興奮していなかった。自信が高まると、彼はより実験的になり、アプローチを根本的に変えた。彼のスタイルの変化はグリーンバーグを怒らせ、バイヤーを遠ざけ、ディーラーを怖がらせた。それ以来、プーンズは公の好意の中に出たり入ったりしているが、画家としての実験をやめたことはない。一方で、さまざまな批評家たちは、彼の進化を説明するための統一理論を考え出そうと試みている。おそらく、彼の作品を後世や市場のために説明するための何らかの接続の糸を提供するために。主に、彼らは色に焦点を当てている。ニューヨーク・タイムズに寄稿したロベルタ・スミスは、「プーンズ氏は、彼がそれを達成する手段が大きく異なっていても、脈動する色の全体的なフィールドに強い好みを示している」と述べた。ハイパーアレルギックに寄稿したジェイソン・アンドリューは、プーンズは「60年代の歴史を作るドットペインティング以来、色に関しては常にそうであった」と書いた。しかし、これらの批評家たちは、確実性を求めているのかもしれない。プーンズにとって、接続の糸は存在しない。すべての絵画はそれ自体の絵画である。重要なのは見ることであり、プーンズが言ったように「結局のところ、それはただの絵の具である」ということを思い出すことである。

シンプルにペイント

プーンズが1960年代初頭に制作したドットペインティングは、よりシンプルな絵を描きたいという欲求から生まれたかもしれませんが、彼がアーティストとして前進するために自由になったのは、単に絵を描く勇気を見つけたからです。グリッドを放棄した後、彼はさまざまな興味深い技法を発見しました。彼は、キャンバスに塗料の線を垂らして絵画的なストライプのフィールドを作り出す一連の絵画を制作しました。彼は、マークメイキングを前面に出したジェスチャー的な構成を作りました。彼は何年もの間、紙のシートやロープの切れ端などの素材を絵画の表面に取り付ける実験を行い、壁から突き出る厚くて重いテクスチャーの作品を作り出しました。一方、彼の最近の作品は、ドローイングを再び前面に押し出し、プーンズは事前に構成の中で形やフォルムをスケッチし、それを塗り、周りを即興で描いています。

ラリー・ポーンズ - 無題（コンスピラシー：証人としてのアーティストより）、1971年。シルクスクリーン。19 3/4 × 27 インチ (50.2 × 68.6 cm)。エディション150部。アルファ137ギャラリー。© ラリー・ポーンズ

彼の方法で特に注目すべきは、ポーンズが編集を楽しむことです。彼は、キャンバスのどの部分が完成した絵になるかを知らずに、大きな未伸張のキャンバスのシートを描く傾向があります。しばらくの間、彼は大きなキャンバスを床に置いて自由に描く方法で作業していました。最近では、スタジオの壁に円形のキャンバスシートを吊るし、一度にすべてを描くようになりました。しかし、床で作業する場合でも壁で作業する場合でも、アイデアは同じです—彼は楽しみながら絵を描き、絵が自らを表明するのを待ちます。最終的に絵が大きな構成から飛び出すと、ポーンズはそれを単純に切り取ります。このような作業方法は可能性を広げます。ポーンズが計画の束縛を避け、楽しむことと自由でいることを優先することを可能にします。

ラリー・ポーンズ - 無題、1975年。カラーシルクスクリーン。35 x 25 インチ (88.9 x 63.5 cm)。エディション100部。ロバート・フォンテイン・ギャラリー。© ラリー・ポーンズ

成功した画家

2018年にサンダンス映画祭で公開されたドキュメンタリー『The Price of Everything』（ナサニエル・カーン監督）は、再びラリー・プーンズを一般に紹介しました。この映画は、オークションハウスの視点から現代アート市場を検証し、価格を引き上げるための終わりのない努力を描いています。映画の中でオークショニアが明示的に示すポイントは、アート作品の質がその市場価値に直接結びついているということです。「良いアートが高価であることは非常に重要です」とスイスのオークショニアでアートコレクターのサイモン・ド・ピュリは言います。映画の中で、プーンズは対照的な存在として浮かび上がります。彼は、長い間自分の絵が売れるかどうかを気にしなくなったアート界のベテランです。映画の公開後、アート・ニューズペーパーのガブリエラ・アンジェレッティによるインタビューで、プーンズは「もし成功を家賃を払うために何かを売ることができることと定義するなら、それはあなたが家賃を払うことに成功しているということです。それはあなたのアートが良いかどうかとは関係ありません」と述べました。

ラリー・ポーンズ - ロバート・キンダー・シュピーレ、1975年。アクリル・キャンバス。254 x 191.8 cm (100 x 75.5 in)。クノードラー・コンテンポラリー・アート、ニューヨーク。現所有者によって上記より取得、1975年。© ラリー・ポーンズ

代わりに、プーンズは画家の成功を「朝起きて、絵を描きたいと感じて、絵を描きに行く」といったより現実的な言葉で説明しています。しかし、皮肉なことに、アート市場が最も評価するプーンズの絵は、プーンズというアーティストの最も無能なバージョンによって描かれたものです。彼にとって、あの愛されるドット絵は自信の危機に対する単純な解決策に過ぎません。それらは美しい絵ですが、もしプーンズがそれを作ることで何か個人的または知的なものを得ていたなら、彼はそれを続けていたでしょう。彼はそれらを退屈だと感じたので、次に進みました。市場はそれらを退屈だとは思わなかったので、しがみつきました。プーンズは、アーティストが人々に好まれ、支払う意志があるからといって、楽しんでいないことに縛られる必要はないという生きた証拠です。彼は、成功した画家とは、誰かが彼らにお金を払おうが払うまいが、絵を描き続けるための個人的な理由を見つけることに成功した画家であることを示しています。

特集画像: ラリー・ポーンズ - トリスタン・ダ・クンガ、1964年。リキテックス、キャンバス。183.1 x 366.2 cm (72 1/16 x 144 3/16 in.)。バートン・トレメイン夫妻の寄贈。ナショナル・ギャラリー・オブ・アートコレクション。© ラリー・ポーンズ
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcioによる