ルイーズ・ブルジョワのアートと形の削減

抽象芸術をより内省的で充実した人生への道と見る人々にとって、ルイーズ・ブルジョワは理想の具現者でした。しかしそれは彼女の栄誉や賞、あるいは得た名声のためではなく、むしろその逆です。ルイーズ・ブルジョワの芸術は私たちの日常生活に関わるものを語りかけるからです。現代空手の父、船越義珍の言葉を借りれば、何かが私たちの日常生活にどう関係しているかを理解したとき、その本質を発見するのです。芸術の世界はしばしば宣言文によって定義され、運動や時代、様式に分けられます。芸術家は性別、人種、国籍、学歴によって分類されがちです。私たちは芸術の真の価値がそのような些細な考慮を超えたところにあることを簡単に忘れてしまいます。ルイーズ・ブルジョワの作品は自信を持って分類を超越しています。彼女の美的貢献は、具象的でありながら象徴的な空間に真摯に存在しています。それはグロテスクでありながら崇高でもあります。彼女はあらゆる想像しうる分野を探求し、特定の流行に固執することなく、むしろいくつかの流行を生み出しました。70年にわたるキャリアの中で、彼女は他の多くの抽象芸術家が成し得なかったことを成し遂げました。すなわち、個人的な作品を普遍的なものにしたのです。

矛盾する力

ルイーズ・ブルジョワは矛盾に満ちた家庭に生まれました。父は成功した稼ぎ手でしたが、同時にルイーズの安全を脅かす最大の存在でもありました。両親は仕事と生活のパートナーでしたが、父は何の謝罪もなく性的な浮気を繰り返し、その安定を脅かしていました。ルイーズの同居していた乳母兼家庭教師は、実は父の愛人でした。母は家族の織物業の織り手であり、愛情深く守護的な存在であり、最も強い味方でしたが、体は弱く若くして亡くなりました。

幼少期を通じて、ルイーズは愛情によって定義されながらも脅かされる家庭の毎日の残酷さを目の当たりにしました。彼女は人間の性格のもろさという生の真実を体験しました。嫉妬、怒り、恐怖、孤独、混乱を感じました。しかし、住まい、食べ物、衣服、教育に困ることはありませんでした。少なくとも一方の親からは愛され、大切にされていました。母が亡くなったとき、ルイーズは21歳で大学で数学を学んでいました。父の望む道を進むのではなく、母の死をきっかけに人生を劇的に変える決意をしました。彼女は自分の感情に向き合い表現する道を切り開き、数学をやめて芸術家としての生き方に専念しました。

ルイーズ・ブルジョワ - FEMME, 2005年。青銅、硝酸銀パティナ。33 × 41.9 × 19.7 cm。© 2018 The Easton Foundation

象徴主義と心理療法

母の死後6年間、ルイーズは芸術を学び、成功した芸術家の工房を訪れて展示の手伝いをすることで実践的な教育を受けました。27歳のとき、父の織物店の一角に短期間店を開き、アートプリントを販売しました。父はそれを事業として認めてスペースの使用を許しました。ある日、店で収集家と話を始め、彼女の言葉を借りれば「シュルレアリスムや最新の流行について話すうちに」結婚しました。

その収集家はアメリカの著名な美術史家ロバート・ゴールドウォーターでした。ロバートとルイーズはニューヨークに移り、ルイーズは芸術の学びを続け、美的表現の幅を広げました。シュルレアリスムと心理療法の概念に影響を受け、幼少期のトラウマを題材にした象徴的な形の言語を、記憶と夢の組み合わせに基づいて発展させました。

ルイーズ・ブルジョワ - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990年。鋳造・磨き上げた青銅彫刻。11.4 × 22.9 × 15.2 cm。エディション 5/20。Caviar20、トロント。© 2018 The Easton Foundation

ルイーズ・ブルジョワの象徴性

ルイーズの象徴的な視覚言語は、彼女にとって明白な意味を持つ個人的なイメージで構成されていました。しかし観る者には、その芸術は野蛮で大胆、抽象的で衝撃的に映りました。ルイーズの最も一般的な象徴的形態の一つはクモでした。1940年代初期から、彼女はクモや巣を描画や版画に取り入れ、抽象的な巣をイメージしたかぎ針編み作品のシリーズも制作しました。クモは母を象徴するものでした。母は織り手であり、クモも蚊を食べて病気を防ぐ守護者であると説明しました。

やがて彼女のクモの形は巨大な規模となり、9メートルの彫刻作品Mamanで頂点に達しました。クモのほかに、ブルジョワの象徴的視覚言語には檻、家、男女の性器、椅子や衣服などの家庭用品、そしてしばしば身体の一部に似た生物的形態が含まれます。最も有名な作品の一つは父の破壊で、臓器や肉を思わせる物体がテーブルに広げられ、巨大な口と歯を連想させる球体に囲まれています。

ルイーズ・ブルジョワ - Spider, 1997年。鉄、タペストリー、木、ガラス、布、ゴム、銀、金、骨。449.6 × 665.5 × 518.2 cm。© 2018 The Easton Foundation

孤立しながら共にある

ブルジョワの作品すべてに共通するのは、すべてのイメージが彼女の私的で個人的な経験に関わっていることです。彼女が観る者と共有しようとした最も強い感情の一つは、共にあることと孤立の相互作用でした。1940年代、彼女は知っている様々な人々を参照した彫刻的形態のシリーズを制作しました。形態は無作為に展示されたように見えましたが、徐々に配置を見ると、個々の形態が特徴を表現し、それぞれが個性を帯び、相互作用の感覚が生まれました。

共にあることと孤立の感情は、1950年代に彼女が夫や子供たちに触発されて柔らかな生活面に焦点を当てた彫刻作品群にも不可欠でした。Night Garden、Cumul I、Clamart Otherなどの作品はそれぞれ形態の集まりを描いています。集まりは有機的に見えますが、同時に保護や慰めのために寄り添った存在を表しているようにも見えます。

ルイーズ・ブルジョワ - Knife Couple, 1949年（1991年鋳造）。青銅とステンレス鋼。171.5 × 30.5 × 30.5 cm。ハウザー＆ワース。© 2018 The Easton Foundation

ラベルを超えて

多くのブルジョワの作品は具象的に見えますが、その本質は象徴的で個人的なものです。彼女はしばしば裸体を描き、女性の姿に焦点を当てましたが、作品に社会的または政治的な主張を含めることを断固として否定しました。彼女は女性であり、性は彼女の育ちにおいて強力な力でしたが、そのようなイメージに社会的・政治的な意図はほとんどありませんでした。それにもかかわらず、彼女の多くの作品の強烈なイメージのために、フェミニストやLGBTQの芸術としばしば結び付けられています。もし彼女が今日生きていたらそのような表現に反対しないかもしれませんが、彼女は明確に自分の作品の目的はこれらの問題に取り組むことではないと述べています。彼女はかつてこう言いました。「私の作品は性別以前の問題を扱っています。例えば、嫉妬は男性的でも女性的でもありません。」

ブルジョワの作品を個人的なレベルで考えるのは理にかなっています。結局のところ、彼女の象徴は彼女自身の経験に関わるものです。それでも私たちはそれに何か共感できるものを見出すことができます。心を開けば、より大きな知恵の視点から受け入れることができます。身体を見て男性か女性かで考えなければ、孤立感は薄れ、より普遍的な人間性を感じることができます。私たちが他者の苦しみと愛の両方から学ぶことを許せば、その結果は彼らの経験にも私たち自身の経験にも価値を加えるのです。

特集画像：ルイーズ・ブルジョワ - Arch of Hysteria, 1993年。青銅、磨き上げたパティナ。83.8 × 101.6 × 58.4 cm。ニューヨーク近代美術館。© 2018 The Easton Foundation
すべての画像は説明のために使用しています
フィリップ・Barcioによる