ルイーズ・ブルジョワのアートと形の削減

抽象芸術を、より内省的で充実した人生へ向かう道と捉える人々にとって、ルイーズ・ブルジョワは理想の体現者でした。しかしそれは、彼女が受けた栄誉や賞、あるいは得た名声によるものではありません。むしろ、その正反対です。それは、ルイーズ・ブルジョワの芸術が、私たちの日常生活に関わるものを語りかけてくるからです。現代空手の父、船越義珍の言葉を言い換えるなら、何かが私たちの日常生活とどのように関係しているかを理解したとき、私たちはその本質を発見するのです。美術界は、あまりにも頻繁にマニフェストによって定義され、運動、時代、様式へと分けられています。芸術家もまた、性別、人種、国籍、学歴によって分類されがちです。私たちは、芸術の真の価値がこうした些末な考慮を超えたところに存在することを、容易に忘れてしまいます。ルイーズ・ブルジョワの作品は、分類を自信を持って超越しています。彼女の美学的貢献は、具象的であると同時に象徴的でもある空間に、真摯に存在しています。それはグロテスクでありながら崇高です。彼女は想像しうるあらゆる分野を探究し、特定の潮流に自らを結びつけることは決してありませんでしたが、その過程でいくつかの潮流を生み出しました。70年にわたるキャリアの中で、彼女は他の抽象芸術家のほとんどが成し遂げられなかったことを実現しました。それは、個人的でありながら普遍的な作品をつくることでした。

矛盾する力

ルイーズ・ブルジョワは、矛盾に満ちた家庭に生まれました。父親は家族を養うことに成功していましたが、同時にルイーズの安全を脅かす最大の存在でもありました。両親は仕事でも生活でもパートナーでしたが、父親は両者の安定を脅かす性的関係を、悪びれることなく続けていました。住み込みの乳母であり家庭教師でもあった女性は、守護者であり導き手であるはずでしたが、実際には父親の愛人でした。家族の織物事業で織り手をしていたルイーズの母親は、愛情深く保護的で、誰よりも彼女の味方でした。しかし身体は弱く、やがて若くして亡くなりました。

少女時代の全期間を通じて、ルイーズは、愛情によって特徴づけられると同時に脅かされてもいる家庭の日々の残酷さを目の当たりにしました。彼女は、人間性の脆さにまつわる生々しい真実を経験しました。嫉妬、怒り、恐怖、孤独、混乱を感じました。それでも、住まい、食べ物、衣服、教育に困ることはありませんでした。少なくとも一人の親からは、愛され大切にされていたのです。母親が亡くなったとき、ルイーズは21歳で、大学で数学を学んでいました。父親が彼女に望んでいたその道を続ける代わりに、ルイーズは母親の死に触発され、人生を大きく変えることにしました。自分の感情と向き合い、それを表現できる道を切り開いたのです。彼女は数学を捨て、代わりに芸術家として生きることに身を捧げました。

ルイーズ・ブルジョワ - FEMME, 2005。ブロンズ、硝酸銀パティナ。13 × 16 1/2 × 7 3/4 in; 33 × 41.9 × 19.7 cm。© 2018 The Easton Foundation

象徴と心理療法

母親の死後6年間、ルイーズは芸術を学び、成功した芸術家たちのアトリエを訪れ、展覧会を手伝うことで、実践的な教育を受けました。27歳のとき、彼女は父親の織物店の一角で短期間、版画を販売する店を開きました。父親がその場所の利用を許したのは、それが事業だったからです。ある日、店で彼女はコレクターと会話を始めました。そして彼女の言葉を借りれば、「シュルレアリスムや最新の潮流について話しているうちに」、二人は結婚しました。

そのコレクターとは、アメリカ出身の著名な美術史家、ロバート・ゴールドウォーターでした。ロバートとルイーズはニューヨークへ移り、ルイーズは芸術の学習を続け、美的表現の幅を広げました。シュルレアリスムと心理療法の概念に影響を受けたルイーズは、芸術の題材として、トラウマに満ちた幼少期に目を向けました。彼女は、自分の記憶と夢を組み合わせ、形態による象徴的な言語を発展させました。

ルイーズ・ブルジョワ - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990。鋳造・研磨ブロンズ彫刻。4 1/2 × 9 × 6 in; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm。エディション 5/20。Caviar20、トロント。© 2018 The Easton Foundation

ルイーズ・ブルジョワの象徴

ルイーズの象徴的な視覚言語は、彼女自身にとって明確な意味を持つ個人的なイメージから成っていました。しかし見る者にとって、彼女の芸術は野蛮で、大胆で、抽象的で、さらには衝撃的にさえ見えました。ルイーズが最も頻繁に用いた象徴的な形態の一つが、蜘蛛でした。1940年代初頭から、ルイーズは素描や版画に蜘蛛と巣を取り入れ、巣から着想を得た抽象的なかぎ針編み作品のシリーズまで制作しました。彼女は、蜘蛛が母親を象徴的に参照していると説明しました。母親は織り手であり、蜘蛛も母親と同じように保護者です。蚊を食べるからです。蚊は病気を媒介します。

やがて彼女の蜘蛛の形態は記念碑的な規模へと発展し、9メートルの高さを持つ彫刻、Mamanで頂点に達しました。蜘蛛に加えて、ブルジョワの象徴的な視覚言語には、檻、家、男性と女性の性器、椅子や衣服などの家庭用品が含まれていました。また、身体の一部を思わせる生体的な形態も頻繁に描きました。彼女の最も有名な作品の一つに、The Destruction of the Fatherがあります。そこでは、臓器や肉を思わせるさまざまな物体がテーブルの上に広げられ、その周囲を、歯で満たされた巨大な開いた口を想起させる球体が取り囲んでいます。

ルイーズ・ブルジョワ - Spider, 1997。スチール、タペストリー、木、ガラス、布、ゴム、銀、金、骨。177 × 262 × 204 in; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm。© 2018 The Easton Foundation

共にありながら孤立する

ブルジョワのすべての作品を貫く共通の糸は、彼女のイメージのすべてが、私的で個人的な体験に結びついていることです。彼女が見る者と分かち合おうとした最も力強い感情の一つは、共にあることと孤立することの相互作用でした。1940年代、彼女は知人たちを参照した一連の彫刻形態を制作しました。彼女はそれらを、一見無作為に見える方法で展示しました。しかし配置を見ていると、個々の形態がそれぞれの性質を表現し始め、それぞれが独自の個性を帯び、やがて互いの間に相互作用の感覚が生まれてきます。

共にあることと孤立することの感覚は、1950年代にブルジョワが制作した一連の彫刻作品にも不可欠です。この時期、彼女は夫と子どもたちに触発され、人生のより柔らかな側面に意識を向けていました。Night Garden, Cumul IやClamart Otherなどの作品は、それぞれ形態の集まりを描いています。その集まりは有機的に見える一方で、保護や安らぎを求めて身を寄せ合う存在を描いているようにも見えます。

ルイーズ・ブルジョワ - Knife Couple, 1949 (鋳造 1991)。ブロンズ、ステンレススチール。67 1/2 × 12 × 12 in; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm。Hauser & Wirth。© 2018 The Easton Foundation

ラベルを超えて

ブルジョワの作品の多くは具象的に見えますが、彼女の作品の本質は、象徴的で個人的なものであることです。彼女はしばしば裸体を描き、女性の身体に焦点を当てましたが、自身の作品に社会的または政治的な主張があることを断固として否定しました。彼女は女性であり、セクシュアリティは彼女の成育環境において強い力を持っていました。しかし、そのようなイメージに社会的または政治的な意図は、ほとんど、あるいはまったくありませんでした。それにもかかわらず、彼女の多くの作品に見られる力強いイメージのため、彼女はしばしばフェミニスト・アートやLGBTQアートと結びつけられてきました。もし今日生きていたなら、そのような表現に反対しなかったかもしれませんが、彼女は自分の作品の目的がこうした問題を扱うことではないとも明確に述べていました。彼女はかつてこう語っています。「私の作品が扱うのは、ジェンダー以前の問題です。たとえば、嫉妬は男性のものでも女性のものでもありません。」

ブルジョワの作品を個人的な次元で考えるのは自然なことです。何しろ、彼女の象徴は自身の体験に根ざしているからです。それでも、私たちはそれぞれ、その中に自分と結びつく何かを見つけることができます。心を開けば、より大きな知恵の視点からそれを受け入れられます。身体を見たときに男性か女性かという観点で考えなければ、私たちは孤立感を減らし、より普遍的な人間になれます。仲間である人間の苦しみと愛の両方から何かを得ることを自分に許せば、最終的には相手の体験にも自分自身の体験にも価値が加わります。

注目作品: ルイーズ・ブルジョワ - Arch of Hysteria, 1993。ブロンズ、研磨パティナ。33 × 40 × 23 in; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm。ニューヨーク近代美術館。© 2018 The Easton Foundation
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Phillip Barcioによる 2016年
IdeelArtによる編集 (2026)