혁신적인 화가 – 올리비에 모세와의 인터뷰

스위스 태생의 추상 예술가 올리비에 모셰는 50년 이상 혁신적인 미적 발언을 해왔습니다. 그의 작품은 시각적으로 강렬하고 미니멀하며, 기하학적이고 단색의 형태 언어에 기반하고 있습니다. 그를 혁신가로 여기는 이유 중 하나는 그가 자신의 예술과 함께 자주 오토바이를 전시하기 때문입니다. 그림은 오토바이의 지위를 높이고, 오토바이는 그림을 더 민주적으로 만듭니다. 그는 1960년대 파리에서 미니멀리스트 예술 집단 BMPT의 일원으로 이 습관을 시작했으며, 이 집단에는 다니엘 뷔렌, 니엘 토로니, 미셸 파르망티에가 포함되어 있었습니다. 최근 그는 마르세유의 르 코르뷔지에가 설계한 아파트 건물인 빛나는 도시의 옥상 갤러리 MAMO에서 1957년형 할리 데이비슨 74 팬헤드와 두 개의 반짝이는 대형 그림을 함께 전시했습니다. 두 예술 작품과 오토바이는 공간을 아름답고 감각적이며 의미 있고 영감을 주는 물체를 감상하는 성소로 변모시키기 위해 공모했습니다. 모셰는 최근 1977년부터 거주하고 작업해온 애리조나주 투손의 자택에서 저와 대화했습니다. 아래에 인쇄된 우리의 대화에서 그는 방법, 의도, 그리고 예술이 시간과 어떻게 맞물리는지에 대한 많은 주제에 대해 관대하게 자신의 생각을 나누었습니다.

필립 Barcio for IdeelArt: 당신의 작업에서 의미 있는 우연의 역할은 무엇인가요? 즉, 관객에게 동시성을 불러일으킬 것이라고 믿는 구성을 적극적으로 찾으시나요?
올리비에 모스셋: 사람들이 무엇을 보는지 잘 모르겠고 솔직히 그다지 신경 쓰지 않아요. 그러나 사물은 하늘에서 떨어지지 않죠. 분명히 여기에는 다른 것들과 관련된 무언가가 있으며, 또한 그것들이 가능하게 한 조건들과도 관련이 있습니다.

IA: 저에게 당신의 오토바이는 이 아이디어와 관련이 있습니다. 예술 배경이 없는 사람들도 본능적으로 그것들을 감각적인 이유로 존중합니다.
OM: 특정 종류의 오토바이를 거리에서 주차할 때 사람들이 그것을 쳐다보는 것을 알았습니다.

올리비에 모셰 - 제목 없음, 1970. 아크릴화, 캔버스. 39 2/5 × 39 2/5 인치; 100 × 100 cm. 갤러리 안드레아 카라츠, 생모리츠

IA: 예술에 대해 전혀 알지 못했던 관람객이 당신의 오토바이를 전시 공간에서 보고 전시회에 환영받는 느낌을 받았던 순간을 기억할 수 있나요?
OM: 당신이 이야기하고 있는 상황은 헌터 대학교에서 발생했을 수 있습니다: 갤러리는 거리 쪽에 창문이 있었습니다.

IA: 내 아내는 당신의 단색화가 관객에게 착지할 수 있는 장소를 제공한다고 말합니다. 즉, 초점이 아니라 관점이 제공된다는 것입니다. 당신도 당신의 단색화를 이렇게 이해하나요?
OM: 나는 내가 하고 있는 것을 하면서 이해하려고 노력한다.

IA: 당신은 한 번에 두 작품을 전시했습니다. 세 개의 합쳐진 피라미드 형태의 검은 바닥 조각과 피라미드 형태를 반영한 주황색 선이 있는 분홍색 그림입니다. 그것은 저에게 말로 표현하기 어려운 시각적 문제를 해결해 주었습니다.
OM: 네, 캠폴리-프레스티에서요. 당신은 시각적인 상황이 "말로 표현하기 어려웠다"고 말씀하셨습니다. 바로 그게 이 작품들이 저에게 준 효과입니다.

IA: 그 설치 작품은 당신이 한 말 중 "회화는 기본적으로 제도 비판이다"라는 것을 초월하는 것처럼 보였습니다. 당신은 회화가 그게 전부라고 생각하나요?
OM: 우리는 여기서 회화를 정의하지 않을 것입니다. 하지만 저에게 회화란 그것이 무엇인지, 다른 회화들이 무엇인지, 궁극적으로는 하나의 시스템을 질문할 수 있는 것일 수 있습니다.

올리비에 모셰 - 제목 없음 (T), 2013. 폴리우레탄 캔버스. 71 3/10 × 95 1/2 인치; 181 × 242.5 cm. 갤러리 안드레아 카라츠, 세인트모리츠

IA: 당신이 만드는 객체와 관련하여, 현재의 집인 투손의 자연 경관은 뉴욕, 파리, 베른의 자연 경관과 어떻게 다릅니까?
OM: 여기, 우리는 선인장을 얻었습니다. 하지만 그림들은 그들만의 논리를 가지고 있습니다.

IA: 당신은 한 번 당신의 작업의 기원에 대한 질문에 "네, 모든 것은 어딘가에서 온다"라는 대답을 했습니다. 이 말이 저에게는 재미있게 들렸습니다. 예술의 기원은 그것에 대한 우리의 반응과 비교했을 때 중요합니까?
OM: 무시할 수 없는 역사와 실제 상황이 있습니다. 저는 너무 많은 것을 설명하려고 하지 않습니다. 물론 누구나 질문할 수 있습니다. 하지만 답변을 얻지 못할 수도 있습니다.

IA: 당신의 예술은 시간 밖에 존재합니까?
OM: 나는 시간이란 것을 피할 수 없다고 생각해.

IA: 당신의 작업은 이른바 선형 미술사와 어떻게 관련이 있나요?
OM: “우리는 한 번 그 안에 있다,”라고 프로이트가 인용한 시인이 말했다. [프로이트는 문명과 그 불만들에서 크리스티안 디트리히 그라베를 인용했다: “네, 우리는 세상에서 떨어지지 않을 것입니다. 우리는 한 번 그 안에 있습니다.”] 우리는 또한 역사와 미술사를 가지고 있다. 그린버그적인 관점의 역사는 흥미로웠고 20세기에는 어느 정도 의미가 있었다. 내가 보기에는, 나는 르네상스, 바로크, 19세기, 그리고 20세기 초를 살펴보았다. 또한 내가 작업하던 시기에 다른 예술가들이 무엇을 하고 있었는지도 보았다. 그러나 그 세기의 끝에서 상황은 변한 것 같았다. 네오 표현주의나 네오 지오조차도 여전히 변증법의 일부였지만, 그 이후로 모든 것이 폭발했다. 무엇이든 가능했다(그것이 나쁘지 않을 수도 있지만), 하지만 솔직히 말하자면, 지금 나는 조금 길을 잃었다. 결국 내 작업은 꽤 이기적이다. 그래서 나는 그것에 대해 너무 많이 이야기하는 것을 좋아하지 않는다. 당신은 그것을 볼 때 그것이 무엇인지 다루어야 할 수도 있다. 모든 것이 거기에 있다. 특정한 시간에 이루어졌고 아마도 그 시간과는 특별히 관련이 없을 수도 있다.

올리비에 모셰 - 제목 없음, 2015. 아크릴화, 캔버스. 116 1/2 × 116 3/10 인치; 296 × 295.5 cm. 갤러리 안드레아 카라츠, 생모리츠

IA: 당신의 동료인 급진적 회화 그룹의 한 사람이 한때 이렇게 말했습니다. “나는 그림을 만드는 것이 회화의 유일한 중요성이라는 것을 알아야 했다.” 이 생각은 아그네스 마틴의 말과 모순됩니다. 그녀는 “예술에 대한 반응이 진정한 예술의 영역이다.”라고 말했습니다.
OM: 프레드 서즈가 그렇게 말했다. [Robert] 라이먼은 당신이 하는 일이 중요한 것이 아니라, 그것을 어떻게 하느냐가 중요하다고 했다. 그리고 아그네스 마틴이 말했을지도 모르는 것처럼, 궁극적으로는 당신이 보는 것이 중요하다.

IA: 예술을 만드는 것과 예술에 반응하는 것의 차이는 무엇이라고 생각하나요?
OM: 나는 이 그림들을 보기 위해서 그려야 한다는 느낌이 든다. 그리고 나는 그것들을 보여줄 수 있는 운이 좋고, 그것이 그들이 무엇에 관한 것인지 보는 데 도움이 된다.

IA: 당신의 그림을 기호로 생각하나요? 아니면 그것들을 더 목적지로 보나요?
OM: 당신이 목적지와/또는 표지판이라고 말하는 것이 무엇인지 잘 이해하지 못하겠습니다. 내 그림이 "자신들 밖의 무언가를 향해 나아간다"고 말해졌습니다. 그 말에 동의합니다. 어쨌든, 여기서도 결국은 다른 사람들이 결정하는 것입니다.

2018년 11월 17일까지, Mosset의 그래픽 작품이 런던의 Laure Genillard Gallery에서 전시됩니다.

특집 이미지: 올리비에 모스셋 - 골드 스타, 2008. 폴리우레탄 스프레이 캔버스. 69 7/10 × 73 1/5 인치; 177 × 186 cm. 갤러리 안드레아 카라츠, 세인트모리츠