추상화는 물리적이다 - 줄스 올리츠키

우크라이나계 미국인 예술가 줄스 올리츠키 (1922 – 2007)의 경력은 예술이 모든 실천자가 동일한 방식으로 수행해야 하는 고정된 인간의 노력이라는 것을 상기시킵니다. 예를 들어, 여객기를 조종하는 것처럼 말이죠. 예술가는 완전히 자유로워야 하며, 원하는 만큼 자주 그 분야를 재창조할 수 있어야 합니다. 올리츠키는 오직 하나의 요소에 의해 인도되었습니다: 그의 직관. 그는 포착하고자 하는 이미지나 감각, 또는 드러내고자 하는 물질적 존재에 대한 비전을 가지고 그것을 실현하기 위해 노력했습니다. 그의 비전이 트렌드나 취향에 맞는지는 중요하지 않았습니다. 대부분의 사람들은 그의 작업을 추상적이라고 부르지만, 그 자신은 그런 구분을 하지 않았습니다. 아마도 그에게 그림에 대한 특정 비전은 그 자체로 주제였기 때문일 것입니다. 만약 누군가 공중에 떠 있는 색의 분사를 그리는 꿈을 꾼다면, 그 꿈을 실현하는 그림을 그리게 됩니다. 그 그림은 정확히 그가 묘사하는 것입니다: 공중에 떠 있는 색의 분사 그림. 얼마나 더 구체적일 수 있을까요? 다른 예술가들에게 조언에 대한 주제에서, 올리츠키는 한 번 이렇게 말했습니다. “아무것도 기대하지 마세요. 당신의 작업을 하세요. 축하하세요!” 그는 관객들에게도 비슷한 조언을 했을지도 모릅니다: “아무것도 기대하지 마세요. 작품을 보세요. 축하하세요!” 그러나 예술 감상은 예술 비평과는 별개의 즐거움입니다. 비평가, 역사학자, 예술상인들은 오랫동안 올리츠키를 예술 역사라는 선형 동화 속에서 정확히 어디에 위치시켜야 할지 어려움을 겪어왔습니다. 아마도 올리츠키가 자신이 어디에 맞는지 묻지 않았기 때문일 것입니다. 그는 스타일과 매체, 방법을 너무 자주 바꿔서 역사적으로 규명하기 어려울 뿐만 아니라, 너무 많은 수집가들이 그들이 수집하는 예술가에 대해 편리한 약어로 이야기하고 싶어하기 때문에 상품화하기도 어렵습니다: “이것은 격자화가입니다. 이것은 거미를 그린 여성입니다. 이것은 상자를 그린 남자입니다. 등등.” 올리츠키와는 그렇게 할 수 없습니다. 그는 단 하나의 것으로 알려지기에는 너무 많은 일을 했습니다. 따라서 우리는 오직 하나의 선택, 최고의 선택에 갇혀 있습니다: “아무것도 기대하지 마세요. 그림을 보세요. 축하하세요.”

가장자리에서의 그림 그리기

스노브스크에서 태어난 올리츠키는 아버지가 지역 소련 위원에게 살해된 후, 어머니와 함께 1세의 나이에 미국으로 이민을 갔다. 그들은 뉴욕 브루클린에 정착하였고, 고등학교 시절 올리츠키는 예술에 대한 뛰어난 소질을 보였다. 그는 맨해튼에서 예술을 공부할 수 있는 상을 받았고, 결국 프랫 인스티튜트에 다닐 수 있는 장학금을 받았다. 제2차 세계 대전에 징집된 후, 올리츠키는 G.I. 법의 혜택을 이용해 파리에서 예술 교육을 계속했다. 그곳에서 그는 모더니스트 거장들을 가까이에서 연구하고 자신의 내면의 악마와 마주했다. 특히 그는 자신의 교육에 의해 통제되고 있다는 것을 깨달았다. 그는 그림을 그릴 때 눈을 가리는 연습을 통해 자신의 아이디어에 대한 조작을 극복하고자 하는 열망을 드러냈다. 그와 같은 창의적 자유에 대한 헌신은 그의 남은 삶을 이끌었다.

줄스 올리츠키 - 사랑과 무관심으로: 황홀한 축복, 2002. 아크릴화. 60 x 84 인치. (152.4 x 213.4 cm). 아메링거 요헤 미술관, 뉴욕. © 줄스 올리츠키

그의 첫 번째 회화 전시회는 1950년대에 우울하고 어두운 임파스토 추상화로 지배되었으며, 그 중 하나가 그의 아버지를 위해 이름 지어진 "살해된 데미코프스키를 기억하며"(1958)이다. 그러나 1960년까지 올리츠키는 완전히 다른 접근 방식을 채택하여 새로운 유형의 아크릴 페인트를 사용하여 평면적이고 생생한 색상의 구성물을 만들었고, 그 안에서 생물형의 아메바 같은 형태가 마치 그림의 페트리 접시에서 존재하는 것처럼 보였다. 5년 후, 그는 다시 방향을 바꾸었고, 이번에는 산업용 스프레이 건을 사용하여 "구름처럼 떠 있는 색의 분사"를 그리는 꿈을 이루고자 했다. 그의 스프레이 건 회화는 실제로 먼 성운의 기체 구름과 같은 많은 천상의 속성을 지니고 있으며, 폭발하는 별의 폭발로 뒷받침된다. 이 작업은 올리츠키가 그가 "그림의 가장자리"라고 부른 것에 대해 생각하게 만들었다. "회화는 안에서 바깥으로 만들어진다"고 그는 말했다. 그의 이해에 따르면, 작품의 외부 가장자리는 캔버스의 가장자리가 아니라 색의 가장자리였다. 올리츠키는 색이 페인트의 한계를 넘어 확장되며, 빛과 정신적 인식에 의해 그림의 표면과 우리의 눈 사이의 경계 공간으로 전달된다고 인식했다.

줄스 올리츠키 - 그래픽 스위트 #2 (오렌지), 1970. 실크스크린. 35 x 26 인치 (작품); 36 x 27 인치 (액자). © 줄스 올리츠키

구조와 흐름

1970년대 중반, 올리츠키는 다시 방법을 바꾸어 초기의 muted impasto 기법과 스프레이 건 사용을 혼합하여 "Secret Fire – 2" (1977)와 같은 작품을 창조했습니다. 이 작품은 공기 같은 색상 팔레트를 가지고 있음에도 불구하고 확실한 물질적 존재감을 발산합니다. 그는 이러한 방법의 혼합을 계속 발전시켜 1980년대에는 "Eternity Domain" (1989)과 같은 대담한 금속 추상화 작품을, 1990년대에는 "Upon a Sea" (1996)와 같은 지옥 같은 원시적 작품을 창조했습니다. 시각적으로 다양하지만, 이 작품들은 모두 올리츠키가 다음과 같이 요약한 유사한 지침 원칙을 공유합니다: "나는 회화를 구조에 의해 지배받는 것으로 생각하지만, 색채 감정의 흐름에서 태어난 구조입니다." 올리츠키가 생의 마지막 해에 창조한 작품들, 예를 들어 "With Love and Disregard: Rapture" (2002)는 이 지침 원칙을 극적으로 표현합니다. 그들의 물질적 존재의 구조는 돌처럼 단단하지만, 존재의 가벼움은 "색채 감정의 흐름"에서 그들의 색채적 출생권을 명백히 주장합니다.

줄스 올리츠키 - 파투츠키 패션, 1963. 마그나 캔버스. 88 x 71 1/2 인치 (223.5 x 181.6 cm). 야레스 아트. © 줄스 올리츠키

그의 평생 추상화 작업 외에도, 올리츠키는 계속해서 인물 초상화와 풍경화를 그렸다. 그는 또한 그의 회화 경력처럼 상상력 외에는 어떤 제약도 받지 않은 다작의 조각 경력을 가졌다. 어린 시절, 올리츠키는 그의 의붓아버지로부터 '프린스 파투츠키'라는 별명을 받았다. 그 이름은 그의 작품에서 계속해서 등장한다: “파투츠키 인 파라다이스” (1966); “파투츠키의 열정” (1963); “프린스 파투츠키의 명령” (1966). 내가 올리츠키가 예술가로서 이룬 모든 것에 침투해 있다고 보는 것은 바로 이 어린아이 같은 순수함에 대한 헌신이다. 미술사에서는 일반적으로 예술가들이 경력 초기에 급진적일 때 전설적인 지위를 부여하고, 그 후에 '성숙'을 거쳐 반복에 이른다. 올리츠키는 그런 캐릭터 스케치에 맞지 않았다. 그는 가능한 한 실험적이고 자유롭게 자신의 작업을 했고, 기대 없이 그 작업을 축하했다. 그것이 나에게 그를 전설로 만든다.

특집 이미지: 줄스 올리츠키 - 바지움 블러쉬, 1960. 마그나 캔버스. 79 x 109 인치 (200.7 x 276.9 cm). 카스민, 뉴욕. © 줄스 올리츠키
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필립 Barcio