추상화는 물리적이다 - 줄스 올리츠키

우크라이나계 미국인 예술가 Jules Olitski (1922 – 2007)의 경력은 예술이 모든 사람이 똑같이 해야 하는 고정된 인간 활동이 아님을 일깨워줍니다. 예를 들어, 여객기를 조종하는 것처럼 말입니다. 예술가는 자유롭게 원하는 만큼 자주 그 분야를 재창조할 수 있어야 합니다. Olitski는 오직 한 가지 요소, 즉 자신의 직관에만 의지했습니다. 그는 이미지에 대한 비전이나 포착하고 싶은 감각, 혹은 드러내고 싶은 물질적 존재를 떠올리고 그것을 실현하려고 노력했습니다. 그의 비전이 유행이나 취향에 맞는지는 중요하지 않았습니다. 대부분 사람들은 그의 작품을 추상화라고 부르지만, 그는 스스로 그런 구분을 하지 않았습니다. 아마도 그가 그림에 대해 가진 특별한 비전이 그 자체로 주제였기 때문일 것입니다. 만약 누군가 공중에 떠 있는 색채의 분무를 그리기를 꿈꾸고, 그 꿈을 실현한 그림을 그린다면, 그 그림은 바로 그가 묘사한 것, 즉 공중에 떠 있는 색채의 분무를 그린 그림입니다. 얼마나 더 구체적일 수 있을까요? 다른 예술가들에게 조언을 하면서 Olitski는 이렇게 말했습니다. “아무것도 기대하지 마라. 네 작업을 해라. 축하하라!” 그는 관람객들에게도 비슷한 조언을 했을지 모릅니다. “아무것도 기대하지 마라. 작품을 보라. 축하하라!” 그러나 예술 감상은 예술 비평과는 별개의 즐거움입니다. 비평가, 역사학자, 미술상들은 오랫동안 Olitski를 예술사라는 직선적 동화 속 어디에 위치시켜야 할지 어려움을 겪어왔습니다. 아마도 Olitski 자신이 자신이 어디에 속하는지 묻지 않았기 때문일 것입니다. 그는 스타일과 매체, 기법을 너무 자주 바꾸어 역사적으로 규정하기도 어렵고, 수집가들이 편리한 약칭으로 작가를 설명하기를 원하기 때문에 상품화하기도 어렵습니다. “이 사람은 격자화가다. 이 사람은 거미를 그린 여성이다. 이 사람은 상자를 그린 사람이다.” 이런 식으로 말입니다. Olitski에게는 불가능한 일입니다. 그는 너무 많은 일을 했기에 한 가지로만 알려질 수 없습니다. 그래서 우리는 단 하나의 최선의 선택지에 머물 수밖에 없습니다. “아무것도 기대하지 마라. 그림을 보라. 축하하라.”

경계 위의 그림

현재 우크라이나의 스노브스크에서 태어난 Olitski는 아버지가 현지 소련 공산당 관리에게 살해된 후 어머니와 함께 한 살 때 미국으로 이주했습니다. 그들은 뉴욕 브루클린에 정착했고, 고등학교 시절 Olitski는 예술에 대한 뛰어난 소질을 보였습니다. 그는 맨해튼에서 미술을 공부할 수 있는 상을 받았고, 결국 프랫 연구소에 장학금을 받아 입학했습니다. 제2차 세계대전에 징집된 후, Olitski는 G.I. 법안 혜택을 이용해 파리에서 미술 교육을 계속했습니다. 그곳에서 그는 근대주의 거장들을 가까이서 공부하며 자신의 내면의 문제들과 마주했습니다. 특히 그는 자신이 교육에 의해 통제되고 있음을 깨달았습니다. 눈가리개를 하고 그림을 그리는 연습은 자신의 생각에 의한 조작을 극복하려는 그의 열망을 보여줍니다. 이러한 창조적 자유에 대한 헌신은 그의 평생을 이끌었습니다.

Jules Olitski - 사랑과 무시: 황홀한 축복, 2002년. 캔버스에 아크릴. 60 x 84 인치 (152.4 x 213.4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, 뉴욕. © Jules Olitski

1950년대 그의 첫 그림 전시회는 “살해된 데미코프스키를 기리며”(1958)와 같은 우울하고 어두운 임파스토 추상화가 주를 이루었으며, 이 작품은 그의 아버지를 기리는 이름입니다. 그러나 1960년경 Olitski는 완전히 다른 접근법을 채택하여 새로운 종류의 아크릴 물감을 사용해 평평하고 선명한 색채의 구성을 만들었으며, 생물 형태의 아메바 같은 모양들이 그림 속 페트리 접시에서 튀어나오는 듯한 느낌을 주었습니다. 5년 후 그는 다시 방향을 바꾸어 산업용 분무기를 사용해 “구름처럼 떠 있으면서도 형태를 잃지 않는 색채의 분무”를 그리려는 꿈을 실현하려 했습니다. 그의 분무기 그림들은 실제로 먼 성운 속 가스 구름과 폭발하는 별빛에 의해 뒷받침되는 신비로운 특성을 많이 지니고 있습니다. 이 작품들은 Olitski로 하여금 그림의 “경계”에 대해 깊이 생각하게 만들었습니다. 그는 “그림은 안에서 밖으로 만들어진다”고 말했습니다. 그의 이해에 따르면 작품의 바깥 경계는 캔버스의 가장자리가 아니라 색채의 경계였습니다. Olitski는 색채가 물감의 한계를 넘어 빛과 정신적 인식에 의해 그림 표면과 우리의 눈 사이의 경계 공간으로 확장된다고 보았습니다.

Jules Olitski - 그래픽 모음 #2 (주황색), 1970년. 실크스크린. 35 x 26 인치 (작품); 36 x 27 인치 (액자 포함). © Jules Olitski

구조와 흐름

1970년대 중반경, Olitski는 다시 기법을 바꾸어 이전의 차분한 임파스토 기법과 분무기 사용을 혼합해 “비밀의 불꽃 – 2”(1977)와 같은 작품을 만들었으며, 이 작품들은 신비로운 색채 팔레트를 지니면서도 확실한 물질적 존재감을 드러냅니다. 그는 이 혼합 기법을 계속 발전시켜 1980년대에는 “영원의 영역”(1989)과 같은 대담한 금속성 추상화들을, 1990년대에는 “바다 위에”(1996)와 같은 원초적이고 강렬한 작품들을 제작했습니다. 시각적으로 다양하지만 이 작품들은 모두 Olitski가 다음과 같이 요약한 비슷한 원리를 공유합니다. “나는 그림을 구조를 가진 것으로 생각하지만, 그 구조는 색채 감각의 흐름에서 태어난 것이다.” 그의 생애 마지막 시기에 제작한 작품들, 예를 들어 “사랑과 무시: 황홀”(2002)은 이 원리를 극적으로 표현합니다. 그들의 물질적 존재의 구조는 돌처럼 단단하지만, 존재의 가벼움은 분명히 “색채 감각의 흐름”에서 태어난 색채의 권리를 주장합니다.

Jules Olitski - 파투츠키 열정, 1963년. 캔버스에 매그나. 88 x 71 1/2 인치 (223.5 x 181.6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

평생 동안 추상화 작업 외에도 Olitski는 끊임없이 인물 초상과 풍경화를 그렸습니다. 또한 그의 조각 경력도 매우 활발했으며, 그림 작업과 마찬가지로 오직 자신의 상상력에만 제한을 받았습니다. 어린 시절, Olitski는 계부로부터 ‘왕자 파투츠키’라는 별명을 받았습니다. 이 이름은 그의 작품 곳곳에 반복적으로 등장합니다: “천국의 파투츠키”(1966), “파투츠키 열정”(1963), “왕자 파투츠키 명령”(1966) 등. 바로 이 어린아이 같은 순수함에 대한 헌신이 Olitski가 예술가로서 이룬 모든 것을 가득 채우고 있다고 저는 봅니다. 예술사는 보통 경력 초기에 급진적이고, 이후 ‘성숙’과 반복을 거치는 예술가들에게만 전설적 지위를 부여합니다. Olitski는 그런 전형에 맞지 않았습니다. 그는 가능한 한 실험적이고 자유롭게, 기대 없이 자신의 작업을 했으며, 축하했습니다. 그것이 저에게 그를 전설로 만드는 이유입니다.

대표 이미지: Jules Olitski - 바시움 블러시, 1960년. 캔버스에 매그나. 79 x 109 인치 (200.7 x 276.9 cm). Kasmin, 뉴욕. © Jules Olitski
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성