가장 영향력 있는 현대 아프리카계 미국인 추상 화가들
아프리카계 미국인 추상 미술가들 - 특히 노예 후손들은 - 내부와 외부 모두에서 자신의 정체성을 작품의 중심으로 삼으라는 지속적인 압박을 받습니다. 이러한 압박은 아프리카계 미국인 미술가들이 직면한 광범위하고 체계적인 편견을 고려할 때 이해가 되지만, 이는 또한 자신의 분야를 발전시키려는 흑인 추상 미술가들이 모든 다른 추상 미술가들이 마주하는 미학적, 지적, 미술사적 질문뿐만 아니라 내용에 관한 암묵적인 편견과도 싸워야 함을 의미합니다. 2017년, 테이트 모던에서 열린 《Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power》 전시 이후, 그 전시에 참여한 한 미술가는 윌리엄 T. 윌리엄스의 그림 “Trane”(1969)에 대해 개인적으로 이렇게 말했습니다. “그 그림은 흑인임과 아무런 관련이 없다.” 저의 백인 특권은 어느 쪽으로도 판단할 위치에 있지 못하게 했습니다. 제가 할 수 있었던 것은 듣고, 제 자신의 진실을 표현하는 것뿐이었는데, 그것은 “Trane”이 제가 본 가장 역동적이고 흥미로운 그림 중 하나라는 점이었습니다. 이 작품은 이름을 딴 존 콜트레인의 음악처럼 전기적이고 다중 리듬적 감수성을 구현합니다. 비록 중요하지 않을지라도, 제 의견으로는 누구든지 정치적 문제를 구체적으로 다루지 않는 예술을 선택하는 것 자체가 정치적 행위입니다. 아프리카계 미국인 미술가들은 어떤 종류의 작품을 만들든 주변화됩니다. 흑인 추상 미술가들에게 추가적인 주변화를 더하는 것은 잔혹함 위에 잔혹함을 더하는 것과 같습니다. 미술가들은 내용에 대한 압박이 필요하지 않습니다. 그들은 자신을 솔직하게 표현할 수 있는 격려가 필요합니다. 저는 어떤 미술가든 임의적인 비판 앞에서도 계속 노력하는 것을 영웅적이라고 생각합니다. 이를 염두에 두고, 조명을 받아야 할 더 많은 이들이 있지만, 여기 제가 영향을 받은 아홉 명의 살아있는 아프리카계 미국인 추상 미술가들이 자신 있게 이 분야를 이끌고 있습니다.
신이크 스미스
신이크 스미스는 장난스럽지만 무서운, 육체적이면서도 정신적인, 시대를 초월하면서도 분명히 현대적인 작품을 만듭니다. 그녀의 작품들은 회화, 조각, 설치 작품이든 간에 버드나무나 벌 떼처럼 복잡하고 독립적인 느낌을 줍니다. 작품은 분명히 몸짓과 선에 의해 생동감을 얻지만, 평면을 넘어선 몸짓은 다차원적이고 유기적인 무언가의 표현으로 변모합니다. 제게 이 작품은 자연과 도시가 공유하는 모든 것을 완벽하게 담아냅니다.
신이크 스미스 - Codex, 2019. © 신이크 스미스
메리 러블레이스 오닐
간단히 말해, 제가 보는 모든 메리 러블레이스 오닐의 그림은 저를 놀라게 합니다. 오닐은 끊임없이 회화적 구성이 무엇일 수 있는지를 도전합니다. 그녀의 그림을 볼 때 떠오르는 단어는 ‘무게’입니다: 빛에 부여하는 무게, 또는 겉보기에는 빈 공간에 불어넣는 무게. 그녀의 최소한의 선형 작품부터 구형의 자유로운 색채 폭발에 이르기까지, 오닐은 균형과 조화의 한계를 시험하려는 의지를 반복해서 보여줍니다.
메리 러블레이스 오닐 - Beware of Chief Stewards Bearing Gifts of Fruit and Showers, 1982. 캔버스에 혼합 매체. 81 x 138 인치. © 메리 러블레이스 오닐. 사진: 키자 루카스, 작가 제공.
오딜리 도널드 오디타
오딜리 도널드 오디타의 그림을 볼 때마다 부서진 공간이 떠오릅니다. 나이지리아 출신으로 어린 시절 가족과 함께 오하이오주 콜럼버스로 이주한 이 추상 화가는 평면 위에서 색과 형태를 서로 충돌시키는 능력이 뛰어납니다. 그 결과 생겨나는 관계는 진동과 움직임의 불안한 시각 세계를 열어줍니다. 혼돈과 숭고함 사이를 맥동하며, 그의 그림은 점묘주의 시대부터 추상 미술가들이 오랫동안 추구해온 역동성의 유산을 확장합니다.
오딜리 도널드 오디타 - Phantom’s Shadow, 2018. 캔버스에 아크릴. 50 x 50 1/5 인치 (127 x 127.5 cm). 스티븐슨. © 오딜리 도널드 오디타
샘 길리엄
샘 길리엄은 1960년대부터 워싱턴 D.C. 추상 미술계의 상징적인 인물로, 캔버스를 늘이지 않고 직접 페인트를 부은 뒤 그것을 뭉쳐 벽이나 천장에 걸치는 독특한 기법을 처음 개발했습니다. 그의 그림은 색과 형태를 구현하며, 선택과 우연 사이의 시대를 초월한 협력을 표현합니다. 천체적이고 리듬감 있는 이 작품들은 동시에 지상적 물질성과 덧없는 영성을 기반으로 합니다.
샘 길리엄 - 10/27/69, 1969. 캔버스에 아크릴, 설치 크기 가변, 대략적인 설치 크기: 140 x 185 x 16 인치 (355.6 x 469.9 x 40.6 cm), 뉴욕 현대미술관 소장, 데이비드 코단스키 갤러리 제공, 사진: 프레드릭 닐센 스튜디오.
제니 C. 존스
제니 C. 존스는 미니멀리스트로 불리기도 하는데, 이는 그녀의 시각 언어가 많은 기하학적 형태와 단색 면을 사용하기 때문일 것입니다. 하지만 저는 그녀의 작품을 미니멀하다고 생각하지 않습니다. 오히려 층이 겹치고 다면적이라고 봅니다. 그녀의 그림을 오래 볼수록 더 많은 것을 드러냅니다. 부분적으로는 존스가 대상의 어느 부분도 낭비하지 않기 때문인데, 모서리의 경사나 채색, 그림자가 드리워지는 방식까지 세심하게 고려합니다. 그녀는 미묘하고 깊이 있는 인식의 세계를 열어주는 미적 유물을 능숙하게 창조합니다.
제니 C. 존스 - Constant Structure, 시카고 예술 클럽, 2020년 3월 19일 - 8월. 사진: 피에르 르 호르. © 제니 C. 존스
맥아더 비니언
처음 맥아더 비니언의 그림을 봤을 때, 저는 단순한 모더니스트 격자무늬를 보는 줄 알았습니다. 그럼에도 불구하고 매혹적이고 심오하다고 느꼈습니다. 가까이 다가가 보니 격자 안에 일기장 페이지 조각들이 박혀 있었습니다. 또 다른 근처의 격자 그림은 자세히 보면 수백 개의 작은 얼굴 사진 복사본으로 이루어져 있었습니다. 그 얼굴은 작가 자신의 것이었고, 페이지들은 그의 주소록에서 나온 것이었습니다. 가장 순수하고 개인적인 방식으로 비니언은 자신을 추상 미술의 역사에 삽입하며, 그 유산을 새롭고 진심 어린 공간으로 확장합니다.
맥아더 비니언 - Hand:Work, 2018. 보드에 유성 스틱과 종이. 72 x 48 x 2 인치. © 맥아더 비니언
스탠리 휘트니
스탠리 휘트니는 추상 미술에 인간성이 얼마나 필수적인지를 상기시켜 줍니다. 모더니즘이 새로움과/또는 완벽함을 위해 추상에서 제거한 인간미를 휘트니는 다시 불어넣습니다. 그의 불완전하고 회화적인 격자들은 색의 친숙함과 물감 자체의 풍부한 아름다움을 포용합니다.
스탠리 휘트니 - 제목 없음, 2013. © 스탠리 휘트니. 리슨 갤러리 제공.
프랭크 보울링
프랭크 보울링은 색과 질감 사이에 숨어 있는 의미의 세계를 암시하는 그림을 만듭니다. 그의 구성 안에는 종종 아프리카 대륙을 중심으로 한 지도에 대한 참조가 포함되어 있습니다. 그럼에도 불구하고 형식적이고 추상적인 요소들은 계속해서 전면에 자신을 드러내며, 이는 모든 아프리카계 미국인 추상 미술가가 직면하는 근본적인 갈등에 대한 미묘한 표현이자 거부입니다.
프랭크 보울링 - Elder Sun Benjamin, 2018. 캔버스에 아크릴과 혼합 매체. 119 5/16 x 203 9/16 인치 (303.1 x 517 cm). 샌프란시스코 현대미술관(SFMOMA). © 아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕 / DACS, 런던
제임스 리틀
제임스 리틀은 그림을 한 번에 모두 보지 못하게 만드는 능숙한 화가입니다. 그는 우리의 단순화 충동을 무너뜨리는 대가입니다. 그의 작품에서 색채 인상은 곱절로 늘어나 결국 우리는 감각에 몸을 맡기는 단순한 기쁨이 우리가 보통 믿도록 허락하는 것보다 더 중요하고 만족스럽다는 것을 인정할 수밖에 없습니다.
제임스 리틀 - Exculpatory Evidence, 2019. 리넨에 유화. 40 x 51 인치 (101.6 x 129.5 cm). 루이스 스턴 파인 아트. © 제임스 리틀
대표 이미지: 오딜리 도널드 오디타 - Heat Wave, 2018. 캔버스에 아크릴. 80 3/10 x 103 9/10 인치 (204 x 264 cm). 스티븐슨. © 오딜리 도널드 오디타
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성
