예술에서의 추상화와 다양한 선의 사용

선은 예술의 형식적 요소 중 하나입니다. 색상, 형태, 질감, 공간과 같은 요소들과 함께, 그것은 예술 작품의 주관적이고 해석적인 구성 요소와는 별개로 사색할 수 있는 미적 요소입니다. 예술에서의 선에 대해 논의하는 것은 와인의 향이나 음식의 맛에 대해 논의하는 것과 대략 동등합니다. 그것은 더 큰 미적 경험의 한 부분입니다. 객관적으로 화가들은 선을 사용하여 형태를 윤곽짓고 원근감을 창출하는 등 여러 가지 일을 합니다. 그러나 예술에서 다양한 유형의 선이 다양한 감정 상태를 불러일으킬 수 있다는 이론도 있습니다. 예를 들어, 수평선은 몸이 편안히 있는 자세를 모방하기 때문에 휴식을 전달한다고 알려져 있으며; 수직선은 높이를 암시하기 때문에 영성을 전달한다고 알려져 있습니다; 혼합된 수평선과 수직선은 안정성을 전달한다고 알려져 있으며; 대각선은 움직임을 전달한다고 알려져 있고; 곡선은 인류와 감성을 전달한다고 알려져 있습니다. 일반적인 훈련받지 않은 관객들이 실제로 그림을 볼 때 이러한 감정을 경험하는지는 알려져 있지 않습니다. 특히 주제는 선이 전달한다고 여겨지는 메시지에 영향을 미칠 수 있기 때문입니다. 그러나 여러 추상 화가들이 수년 동안 선을 어떻게 사용해 왔는지를 살펴봄으로써 관객의 감정 상태와 예술에서의 선의 미학을 연결하는 근본적인 진리가 실제로 존재하는지 발견할 수 있을지도 모릅니다.

영성과 선

서양 화가 중에서 완전히 비재현적인 형태의 회화를 추구한 최초의 화가 중 한 명인 러시아 화가 바실리 칸딘스키는 자신의 예술을 통해 영성을 전달하는 데 깊은 관심을 가졌습니다. 1912년, 그는 예술의 영성에 대하여라는 책을 출판했습니다. 그 안에서 그는 시각 예술을 통해 음악이 이미 소리를 통해 이룩한 보편성을 전달하고자 하는 자신의 열망에 대해 논의했습니다: 추상 미학 언어를 통한 소통.

1926년, 그의 미학 이론을 광범위하게 테스트한 후, 칸딘스키는 점과 선에서 평면으로라는 또 다른 책을 출판했습니다. 이 논문은 예술에서 선의 감정적 영향에 대한 그의 믿음을 확고히 밝혔습니다. 그가 이 시기에 만든 회화는 그의 이론을 입증하는 것으로 읽힐 수 있습니다. 이들은 형태를 윤곽짓고, 차원적 형태를 만들고, 원근감을 창출하기 위해 형식적으로 선을 사용하며, 또한 감정적 효과를 불러일으킵니다. 상징적인 예로는 조화와 구성적 균형 감각으로 찬사를 받는 구성 VIII가 있습니다. 이 작품에서는 하단 프레임의 교차된 수평선과 수직선이 구성의 안정적인 기초를 제공합니다. 여러 개의 대각선이 오른쪽 상단의 소실점으로의 움직임을 만들어냅니다. 그리고 곡선은 변화하는 생명체의 활기찬 존재감을 도입합니다.

바실리 칸딘스키 - 구성 VIII, 1923. 유채화. 55 1/4 x 79 인치 (140.3 x 200.7 cm). 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 뉴욕, 솔로몬 R. 구겐하임 창립 컬렉션. © 2019 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕/ADAGP, 파리

반대 세력

그의 철학은 칸딘스키의 철학과는 많이 달랐지만, 네덜란드 화가 피트 몬드리안 역시 선의 소통력에 대한 신념을 가지고 있었다. 그는 회화의 언어를 가장 기본적인 요소로 줄일 수 있다고 믿었다. 그는 시각적 도구를 점차 줄여 나가면서 수평선과 수직선만을 사용하고 색상 팔레트를 극도로 제한한 스타일에 도달했다. 이러한 엄격한 스타일을 통해 그는 우주의 근본적인 영적 진리를 전달할 수 있다고 느꼈다.

몬드리안은 완전히 평면적인 그림을 얻기 위해 원근감을 피하고자 대각선은 거부했습니다. 그리고 그는 순수하고 보편적인 것을 전달하고자 곡선도 거부했습니다. 그는 수평선과 수직선만을 함께 사용했을 때, 그것이 남성과 여성, 긍정과 부정, 정지와 운동과 같은 우주의 순수하고 본질적인 대립하는 힘을 나타낸다고 믿었습니다.

피에트 몬드리안 - 구성 III, 빨강, 파랑, 노랑, 검정, 1929. 유채화. 50 × 50.2 cm (19.6 × 19.7 in). 개인 소장.

완벽한 불완전

캐나다 태생의 화가 아그네스 마틴은 피에트 몬드리안과 많은 유사성을 공유하는 미학적 접근 방식을 사용했습니다. 그러나 마틴은 몬드리안보다 훨씬 더 표현적이고 감정적이라고 여겨졌습니다. 두 화가는 거의 전적으로 수평선과 수직선의 조합에 집중했습니다. 그러나 마틴은 그녀의 인간적인 터치를 드러내는 손으로 그린 격자를 그렸습니다. 그들의 명백한 정밀성 속에서도 미세하고 미세한 결함이 포함되어 있습니다.

그러한 불완전함은 곡선의 동일한 기능을 하여 유기적이고 본질적으로 인간적인 것을 전달합니다. 그녀의 작품은 아마도 더 감정적일 수 있으며, 우정, 행복-기쁨, 그리고 아름다운 삶과 같은 제목에서 드러납니다. 그녀는 몬드리안처럼 수평선과 수직선의 힘이 조화롭고 보편적인 것을 표현한다고 믿었습니다.

아그네스 마틴 - 우정, 1963. 금박과 유채로 캔버스에 그린 작품. 6' 3" x 6' 3" (190.5 x 190.5 cm). 셀레스트와 아르망 P. 바르토스 기증. 모마 컬렉션. © 2019 아그네스 마틴 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

색상과 곡선

미국 화가 Cy Twombly의 작품은 거의 전적으로 색상과 선에 기반한 시각 언어에서 그 상징적인 모습을 끌어냅니다. 그의 그림은 추상적이며, 단순화된 팔레트와 그 스크롤의 에너지와 강도를 통해 강렬한 감정을 전달합니다. 그들의 선은 대부분 상형 문자와 같은 성격을 띠고 있어, 곡선적이고 감각적인 특성이 일종의 원시적 글쓰기와 유사합니다.

그의 이미지에는 기호적인 선들과 함께 수직선도 가득 차 있다. 그러나 그 수직선은 그려진 것이 아니라, 그의 붓이 표면에 닿을 때 생긴 방울로 만들어졌다. 수직선은 곡선의 기호 형태에 상승하는 느낌을 준다. 그의 그림 바카스는 이 현상을 완벽하게 드러내며, 그 감각적인 곡선은 수직 방울에 의해 지탱되는 초월의 감각을 불러일으킨다.

사이 트웸블리 - 제목 없음 (바커스), 2005. 아크릴화, 캔버스. 317.5 x 417.8 cm. © 사이 트웸블리

선과 환상

선은 옵 아티스트의 작업에서 중요한 요소입니다. 브리짓 라일리의 그림은 선을 사용하여 관객에게 감정적 반응을 불러일으킬 뿐만 아니라, 선을 사용하여 신체적 반응을 생성합니다. 1960년대에 라일리가 만든 작품들은 종종 관객이 그림에서 만들어지는 움직임의 감각으로 인해 어지럽고 메스꺼움을 느끼게 한다고 말해졌습니다.

1966년 그녀의 그림 하강에서 라일리는 강한 수직선으로 높이감을 창출하고, 반복되는 대각선 행렬로 원근감과 움직임을 만들어냅니다. 또한, 수직선에 암시된 곡선의 전략적 배치를 통해 감각적인 부드러움도 창출합니다. 수평선의 부족은 모든 것이 불균형하다는 전반적인 느낌을 더해줍니다.

브리짓 라일리 - 하강, 1966. 패널 위에 에멀전. 91.5 x 91.5 cm. © 브리짓 라일리

라인의 현대적 목소리

많은 현대 화가들이 예술에서 선의 의사소통 능력을 탐구합니다. 브라질 태생의 화가 크리스티안 로사는 바실리 칸딘스키의 작품과 많은 공통점을 지닌 독특하고 간결한 선의 언어를 사용합니다. 미국의 추상 화가 Margaret Neill은 사이 트웜블리의 작품과 조화롭게 대화하는 감각적이고 직관적인 곡선 구성물을 만듭니다. 네덜란드 화가 호세 헤르켄스는 색상과 함께 수평 및 수직 선을 사용하여 공간을 탐구합니다. 그리고 프랑스-미국 예술가 Peter Soriano는 그래픽 감성과 메타피지컬하고 천상의 무언가를 융합하는 방식으로 선을 사용합니다.

이 외에도 우리가 언급한 수많은 추상 예술가들이 지난 세기 동안 의미를 전달하고 감정적 반응을 불러일으키기 위해 선의 힘을 탐구해 왔습니다. 그들이 보편적인 성공을 거두었는지 증명할 방법은 없습니다. 그러나 예술의 형식적 미적 요소들이 감정적 반응을 불러일으킬 수 있다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 그리고 우리가 언급한 이 추상 예술가들의 작품을 함께 고려할 때, 선의 의사소통 능력에 대한 설득력 있는 주장을 제시합니다.

특집 이미지: 크리스찬 로사 - 끝없는 리필 (세부), 2013, 스프레이 페인트, 연필, 테이프, 오일 스틱 및 오일 캔버스, 180 x 200 cm
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio