예술에서의 추상화와 다양한 선의 사용
선은 예술의 형식적 요소 중 하나입니다. 색, 형태, 질감, 공간과 같은 요소들과 함께, 작품의 주관적이고 해석적인 구성 요소와는 별개로 감상할 수 있는 미적 요소입니다. 예술에서의 선에 대해 논하는 것은 대략 와인의 향기나 음식의 맛에 대해 이야기하는 것과 비슷합니다. 그것은 더 큰 미적 경험의 한 부분입니다. 객관적으로 화가들은 선을 사용해 형태를 윤곽 짓고 원근감을 만드는 등 다양한 용도로 활용합니다. 하지만 예술에서 다양한 종류의 선이 여러 감정 상태를 불러일으킬 수 있다는 이론도 있습니다. 예를 들어, 수평선은 몸이 쉬는 자세를 모방하기 때문에 평온함을 전달한다고 하며, 수직선은 높이를 암시해 영성을 전달한다고 합니다. 수평선과 수직선이 혼합되면 안정감을, 대각선은 움직임을, 곡선은 인간미와 관능미를 전달한다고 합니다. 일반적인 관람객들이 실제로 그림을 볼 때 이러한 감정을 느끼는지는 알려져 있지 않습니다. 특히 작품의 주제가 선이 전달하는 메시지에 영향을 미칠 수 있기 때문입니다. 하지만 여러 추상 화가들이 오랜 세월 동안 선을 어떻게 사용했는지 살펴보면, 관람객의 감정 상태와 예술에서 선의 미학을 연결하는 근본적인 진실이 있는지 발견할 수 있을지도 모릅니다.
영성과 선
서양 화가 중 최초로 완전히 비재현적인 회화 형식을 추구한 러시아 예술가 바실리 칸딘스키는 자신의 예술을 통해 영성을 전달하는 데 깊은 관심을 가졌습니다. 1912년 그는 예술에서의 영성에 관하여라는 책을 출간했습니다. 이 책에서 그는 시각 예술을 통해 음악이 소리를 통해 이미 이룬 것, 즉 추상적인 미적 언어로 보편성을 전달하고자 하는 열망을 논했습니다.
1926년, 자신의 미학 이론을 광범위하게 실험한 후 칸딘스키는 점과 선과 면이라는 또 다른 책을 출간했습니다. 이 논문은 예술에서 선이 감정에 미치는 영향에 대한 그의 신념을 명확히 밝혔습니다. 이 시기에 그가 만든 그림들은 그의 이론을 보여주는 시범으로 읽힐 수 있습니다. 이 작품들은 형태를 윤곽 짓고 입체감을 만들며 원근법을 창출하는 데 선을 형식적으로 사용함과 동시에 감정적 효과를 불러일으킵니다. 대표적인 예는 조화와 구성의 균형감으로 찬사를 받는 구성 VIII입니다. 이 작품에서 하단 프레임의 교차하는 수평선과 수직선은 안정적인 기초를 제공합니다. 여러 대각선은 오른쪽 상단의 소실점으로 움직임을 만듭니다. 그리고 곡선은 변화하는 생명력 있는 존재감을 도입합니다.
바실리 칸딘스키 - 구성 VIII, 1923년. 캔버스에 유화. 55 1/4 x 79 인치 (140.3 x 200.7 cm). 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 뉴욕, 솔로몬 R. 구겐하임 설립 컬렉션. © 2019 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕/ADAGP, 파리
대립하는 힘
칸딘스키와는 매우 다른 철학을 가졌지만, 네덜란드 화가 피에트 몬드리안 역시 선의 전달력을 믿었습니다. 그는 회화 언어를 가장 기본적인 요소로 축소할 수 있다고 믿었습니다. 점차 시각적 도구를 줄여 수평선과 수직선만을 사용하고 색상도 극히 제한된 팔레트로 표현하는 양식에 도달했습니다. 이 엄격한 양식을 통해 그는 우주의 근본적인 영적 진리를 전달할 수 있다고 느꼈습니다.
몬드리안은 완전히 평면적인 그림 면을 얻기 위해 원근법을 피하고자 대각선을 거부했습니다. 또한 순수하고 보편적인 것을 전달하기 위해 곡선을 거부했습니다. 그는 수평선과 수직선만이 함께 사용될 때 남성성과 여성성, 긍정과 부정, 정지와 움직임 같은 우주의 순수하고 본질적인 대립하는 힘을 나타낸다고 믿었습니다.
피에트 몬드리안 - 빨강, 파랑, 노랑, 검정이 있는 구성 III, 1929년. 캔버스에 유화. 50 × 50.2 cm (19.6 × 19.7 인치). 개인 소장
완벽한 불완전함
캐나다 출신 화가 애그니스 마틴은 피에트 몬드리안과 많은 유사점을 가진 미적 접근법을 사용했습니다. 하지만 마틴은 몬드리안보다 훨씬 더 표현적이고 감성적인 것으로 평가받았습니다. 두 화가 모두 거의 전적으로 수평선과 수직선의 조합에 집중했지만, 마틴은 손으로 그린 격자무늬를 그려 인간적인 손길을 드러냈습니다. 겉보기에는 정밀해 보이지만 미세하고 미묘한 불완전함을 포함하고 있습니다.
이러한 불완전함은 곡선과 같은 역할을 하여 유기적이고 본질적으로 인간적인 무언가를 전달합니다. 그녀의 작품이 아마도 더 감성적인 이유는 우정, 행복-기쁨, 그리고 아름다운 삶과 같은 제목에서 드러납니다. 그녀 역시 몬드리안처럼 수평선과 수직선이 조화를 이루며 보편적인 무언가를 표현하는 힘을 믿었습니다.
애그니스 마틴 - 우정, 1963년. 금박과 캔버스에 유화. 6' 3" x 6' 3" (190.5 x 190.5 cm). 셀레스트와 아르망 P. 바르토스 기증. 모마 소장. © 2019 애그니스 마틴 유산 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
색과 곡선
미국 화가 사이 트웜블리의 작품은 거의 전적으로 색과 선에 기반한 시각 언어에서 상징적인 모습을 얻습니다. 그의 그림은 추상적이며 단순화된 색채와 낙서의 에너지와 강렬함을 통해 강한 감정을 전달합니다. 그의 선들은 대부분 상형문자적 성격을 띠는데, 이는 곡선적이고 관능적인 형태가 원시적인 글자와 닮았다는 뜻입니다.
상형문자적 선과 함께 수직선도 그의 작품을 채웁니다. 하지만 이 수직선들은 그려진 것이 아니라 붓이 표면에 닿으며 떨어진 물방울로 만들어졌습니다. 수직선은 곡선적이고 상형문자적인 형태에 상승하는 느낌을 줍니다. 그의 작품 바커스는 이러한 현상을 완벽하게 보여주는데, 관능적인 곡선이 수직선의 물방울에 의해 지지되는 초월적 느낌을 불러일으킵니다.
사이 트웜블리 - 제목 없음 (바커스), 2005년. 캔버스에 아크릴. 317.5 x 417.8 cm. © 사이 트웜블리
선과 착시
선은 옵 아트 작가들의 작품에서 중요한 요소입니다. 브리짓 라일리의 그림들은 선을 사용해 관람객에게 감정적 반응을 불러일으킬 뿐 아니라 신체적 반응도 유발합니다. 1960년대에 그녀가 만든 작품들은 종종 관람객이 어지럽고 메스꺼움을 느끼게 한다고 알려졌는데, 이는 그림이 만들어내는 움직임의 감각 때문입니다.
1966년 작품 하강에서 라일리는 강한 수직선을 통해 높이감을, 반복되는 대각선 행을 통해 원근감과 움직임을 만듭니다. 또한 수직선에 암시된 곡선을 전략적으로 배치해 관능적이고 부드러운 느낌을 줍니다. 수평선이 없는 점도 전체적으로 모든 것이 균형을 잃은 느낌을 더합니다.
브리짓 라일리 - 하강, 1966년. 패널에 유화. 91.5 x 91.5 cm. © 브리짓 라일리
현대의 선의 목소리
많은 현대 화가들이 예술에서 선의 전달력을 탐구합니다. 브라질 출신 화가 크리스티안 로사는 바실리 칸딘스키의 작품과 많은 공통점을 가진 독특하고 간결한 선의 언어를 사용합니다. 미국 추상 화가 Margaret Neill은 사이 트웜블리의 작품과 조화롭게 대화하는 관능적이고 직관적인 곡선 선 구성을 만듭니다. 네덜란드 화가 José Heerkens는 공간을 탐구하기 위해 수평선과 수직선을 색과 함께 사용합니다. 그리고 프랑스-미국 예술가 Peter Soriano는 그래픽 감각과 형이상학적이고 무형의 무언가를 결합하는 방식으로 선을 사용합니다.
이 외에도 지난 세기 동안 수많은 추상 화가들이 의미를 전달하고 감정적 반응을 불러일으키는 선의 힘을 탐구해왔습니다. 그들이 보편적인 성공을 거두었는지 증명할 방법은 없지만, 예술의 형식적 미적 요소들이 적어도 감정적 반응을 불러일으킬 수 있다는 점은 분명합니다. 그리고 이들 추상 화가들의 작품을 함께 고려할 때, 선의 전달력에 대한 설득력 있는 주장을 제시합니다.
대표 이미지: 크리스티안 로사 - 끝없는 리필 (부분), 2013년, 스프레이 페인트, 연필, 테이프, 오일 스틱과 유화, 180 x 200 cm
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공
