하워드 호지킨의 연상 추상화 - 색채의 대가

하워드 호지킨은 자신의 그림을 바치는 것으로 봅니다. 그는 기억과 감정이라는 원재료를 표현적인 대상으로 변형하여, 다른 이들에게 도움이 되길 바라는 작품으로 만듭니다. 추상화가가 예술이 유용해야 한다고 말하는 것은 이단처럼 들릴 수도 있습니다. 현대주의에는 예술이 전혀 실용적인 목적이 없다고 주장하는 예술가들이 많기 때문입니다. 그러나 호지킨은 자신의 의미 있는 경험에서 영감을 받은 그림들이 다른 이들의 삶에 의미를 불러일으킬 수 있다고 믿습니다. 그의 그림이 정확히 무엇을 의미하는지에 대해서는 호지킨 자신도 조심스럽게 말하지 않습니다. 제목에 숨겨진 암호 같은 참조 외에는, 창작에 영감을 준 기억이나 감정을 거의 암시하지 않습니다. 관람자가 어떻게 반응해야 하는지를 지시하기보다는, 색채와 붓질을 통해 기억과 순간을 불러일으키며, 우리가 있는 그대로 그와 그의 그림을 통해 관계를 맺기를 바랄 뿐입니다.

연상적 추상

하워드 호지킨은 예술가 집안에서 태어났습니다. 그의 사촌은 영국의 풍경 화가 엘리엇 호지킨으로, 하워드가 1932년에 태어났을 때 이미 성공을 향해 가고 있었습니다. 하지만 하워드와 엘리엇은 모두 영국 미술사에 존경받는 인물이지만, 그림에 대한 접근법은 매우 달랐습니다. 엘리엇은 엄격히 구상적 접근을 했으며, 그의 가장 큰 업적은 채소나 평범한 풍경 같은 일상적인 것들에서 아름다움을 보도록 관람자를 설득한 것이라고 말했습니다. 반면 하워드는 젊은 시절 추상을 받아들였고, 자신의 그림이 전혀 아름답지 않다고 믿으며, 아름답다고 부르는 것이 오히려 작품을 폄하하는 것일 수 있다고 생각합니다.

하워드 호지킨 - 예술, 1999-2005. 나무에 유화. 52.4 x 55.3 cm. © 2019 하워드 호지킨

하워드는 자신이 만드는 그림을 대상물로 여기지만, 관람자가 감정적으로 해석하기를 의도합니다. 그가 만드는 각 그림은 순간의 인상, 즉 색채, 빛, 주변 환경과 형태를 경험하는 것에서 시작됩니다. 그런 인상을 집으로 가져가 작업실에서 물감으로 표현합니다. 우리는 그의 과정을 연상적 추상이라고 부르는데, 개인적인 연상에서 비구상 이미지를 창조하기 때문입니다. 그는 자신을 감정 상황의 구상 화가라고 부릅니다.

하워드 호지킨 - 러시아 음악 배우기, 1999. 나무에 유화. 55.9 x 65.4 cm. 개인 소장. © 2019 하워드 호지킨

추상의 발견

호지킨이 처음 그린 작품들은 구상적이고 재현적이었습니다. 그러나 20대 후반에 그는 자신의 스타일을 더 추상적으로 바꾸었습니다. 그의 형태는 간결해졌고, 색채는 정확한 형태를 전달하기보다는 구성의 전반적인 감정적 본질을 표현하는 데 더 많이 사용되었습니다. 그는 추상 구성에 비특정적이면서도 은근히 개인적인 경험과 기억을 암시하는 제목을 붙였습니다.

하워드 호지킨 - 회고록, 1949. 판넬에 과슈. 22 x 25 cm. © 2019 하워드 호지킨

호지킨이 추상을 받아들이던 시기에, 그의 친구이자 동시대인 데이비드 호크니는 구상 화가로 알려지기 시작했습니다. 호크니는 주목과 재정적 성공을 얻었지만, 호지킨은 상대적으로 무명에 머물며 경제적으로 어려움을 겪었습니다. 그럼에도 호지킨은 자신의 개인적이고 친밀한 미적 스타일을 추구하며, 비평가의 찬사를 엄격히 좇기보다는 색채와 물감을 통해 감정을 더 섬세하게 전달하는 방법을 찾았습니다.

하워드 호지킨 - 축음기, 1957. 판넬에 유화. 76.2 x 63.5 cm. © 2019 하워드 호지킨

통제된 대상

1970년대에 호지킨은 관람자가 자신의 그림을 인식하는 방식을 더 잘 통제하기 위한 전략을 개발했습니다. 그는 그림이 대상물로서 더 두드러질수록 관람자가 더 오래 작품을 바라보게 할 수 있다고 느꼈습니다. 이미지에 추가된 액자가 이미지에 침입하는 것임을 깨닫고, 그림 가장자리에 테두리를 직접 그리거나 먼저 액자를 씌운 후 액자도 구성의 일부로서 그리기 시작했습니다.

액자를 그림으로 그리면서 그는 그림을 대상물로서 완전히 뒤엎었고, 추가적인 미적 요소에 의해 변형되는 것을 막았습니다. 그는 이 통제 행위를 그림이 걸리는 벽에도 확장했는데, 벽 역시 관람자와 작품 사이의 잠재적 장벽이라고 여겼기 때문입니다. 1984년 베니스 비엔날레에서 호지킨은 전시 벽을 초록색으로 칠했습니다. 당시 인터뷰에서 그는 흰 벽은 빛을 너무 많이 반사한다고 말했습니다. 초록 벽은 빛을 반사하지 않아 모든 빛이 그의 그림에 반사될 수 있었습니다.

하워드 호지킨 - 우리가 모로코에 간 때, 1988 – 1993. 나무에 유화. 196.9 x 269.2 cm

최대의 표현

호지킨은 현재 80대 중반에도 여전히 화가로 활동하고 있습니다. 최근 인터뷰에서 그는 자신의 작품이 인정받기까지 겪은 어려운 시기를 이야기했습니다. 그는 성숙한 스타일을 비교적 젊은 나이에 찾았지만, 진지하게 받아들여지기까지 수십 년이 걸렸다고 말합니다. 30대에는 자살을 생각하기도 했다고 합니다. 그러나 나이가 들면서 명성과 인기에 덜 신경 쓰게 되었고, 감정을 더욱 직접적으로 표현하는 전략을 개발하는 데 집중할 수 있었습니다.

그가 추상으로 전환한 원래 목적은 덜 보여주고 더 표현하는 것이었습니다. 사물을 보이는 대로 그리지 않고 느껴지는 대로 그리려 했습니다. 그는 색채의 표현력과 물감 자체가 복잡함을 전달하는 힘에 집중했습니다. 작품이 단순히 색과 물감에 관한 것이 될수록 진정한 주제인 감정이 더 잘 드러날 수 있었습니다. 본질적으로 시간이 흐르면서 그는 더 많은 것을 말하지 않는 법을 배웠습니다. 지금은 자신이 ‘노년’이라고 부르는 시기에, 그림이 가능한 한 적게 말하도록 허락하여 최대의 표현을 이루게 했다고 말합니다.

하워드 호지킨 - 밤의 생각, 2014 – 2015. 나무에 유화. 37.1 x 47.9 cm. © 2019 하워드 호지킨

대표 이미지: 하워드 호지킨 - 나안을 위한 눈물 (부분), 2014. 나무에 유화. 28.6 x 29.8 cm. © 2019 하워드 호지킨
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필립 Barcio 제공