하워드 호지킨의 연상 추상화 - 색채의 대가

하워드 호지킨은 자신의 그림을 제물로 본다. 그는 기억과 감정이라는 원자재를 변형시켜 다른 이들에게 도움이 될 수 있는 표현적인 객체로 만든다. 추상 화가가 예술이 유용해야 한다고 제안하는 것은 이단적으로 들릴 수 있다. 현대주의는 예술이 전혀 실용적인 목적이 없다고 주장하는 많은 예술가들로 가득 차 있다. 그러나 호지킨은 자신의 의미 있는 경험에서 영감을 받은 그의 그림들이 다른 이들의 삶에 의미를 불어넣을 수 있다고 믿는다. 그의 그림이 정확히 무엇을 의미하는지에 대해 호지킨은 조심스럽게 말하지 않는다. 제목에 있는 암호 같은 언급을 제외하고는, 그는 그들의 창작을 영감 준 기억이나 감정을 거의 암시하지 않는다. 그는 관객의 반응이 무엇이어야 하는지를 지시하기보다는 모든 것을 열어두고, 색상과 붓질을 통해 기억과 순간을 불러일으키기를 희망하며, 우리가 그의 그림을 통해 그와 관계를 발전시킬 수 있기를 바란다.

연관 추상화

하워드 호지킨은 예술가 가문에서 태어났습니다. 그의 사촌은 영국의 풍경 화가 엘리엇 호지킨으로, 하워드가 1932년에 태어났을 때 이미 성공을 향해 나아가고 있었습니다. 하지만 하워드와 엘리엇은 현재 영국 미술 역사에 존경받는 기여자이지만, 그들의 회화 접근 방식은 상당히 다릅니다. 엘리엇은 그의 접근 방식에서 엄격히 구상적이었으며, 한 번은 그의 가장 큰 성취는 관객들이 채소나 일반 풍경과 같은 평범한 것들에서 아름다움을 보도록 설득하는 것이라고 말했습니다. 그러나 하워드는 젊은 시절에 추상화를 채택하였고, 그의 그림은 전혀 아름답지 않다고 믿으며, 그것들을 아름답다고 부르는 것은 오히려 그들을 무시하는 것일 수 있다고 생각합니다.

하워드 호지킨 - 예술, 1999-2005. 나무에 유화. 52.4 x 55.3 cm. © 2019 하워드 호지킨

하워드는 그가 만드는 그림을 물체로 여기지만, 관람객들이 감정적인 수준에서 해석하기를 의도합니다. 그가 만드는 각 그림은 순간의 인상을 경험하면서 시작됩니다: 색상, 빛, 주변 환경 및 형태. 그는 그 인상을 집으로 가져가 스튜디오에서 페인트를 통해 표현합니다. 우리는 그의 과정을 연상 추상화라고 부르며, 개인적인 연관성에서 비객관적인 이미지를 창조합니다. 그는 자신을 감정적 상황의 인물화가라고 부릅니다.

하워드 호지킨 - 러시아 음악에 대한 학습, 1999. 나무에 유채. 55.9 x 65.4 cm. 개인 소장. © 2019 하워드 호지킨

추상화 찾기

호지킨이 처음 그린 작품들은 인물 중심적이고 재현적이었다. 그러나 그의 20대 후반에 그는 자신의 스타일을 변화시켜 더 추상적이 되었다. 그의 형태는 간소화되었고, 그는 정확한 형태를 전달하기 위해 색상을 덜 사용하고, 구성의 전체적인 감정적 본질을 표현하기 위해 더 많이 사용했다. 그는 자신의 추상적 구성에 비특정적이지만 미묘하게 소통하는 제목을 붙여 개인적인 경험과 회상을 암시했다.

하워드 호지킨 - 회고록, 1949. 구아슈, 판넬. 22 x 25 cm. © 2019 하워드 호지킨

호지킨이 추상화를 수용하고 있을 때, 그의 친구이자 동시대 화가인 데이비드 호크니는 구상 화가로 알려지기 시작했다. 호크니는 주목을 받으며 재정적 성공을 거두었지만, 호지킨은 상대적으로 무명으로 남아 재정적으로 어려움을 겪었다. 그럼에도 불구하고 호지킨은 개인적이고 친밀한 미적 스타일을 추구하며, 비판적 찬사를 엄격히 추구하기보다는 색상과 페인트를 통해 자신의 감정을 전달하는 더 미묘한 방법을 찾고 있었다.

하워드 호지킨 - 그라모폰, 1957. 유화, 판넬. 76.2 x 63.5 cm. © 2019 하워드 호지킨

제어되는 객체

1970년대에 호지킨은 관객들이 자신의 그림을 어떻게 인식하는지를 통제하기 위한 전략을 개발했다. 그는 자신의 그림이 물체로서 더 두드러지게 될수록 관객들이 더 오랜 시간 동안 그것을 고려하도록 끌어들일 수 있다고 느꼈다. 이미지에 추가된 프레임이 이미지에 대한 침해를 나타낸다는 것을 깨닫고, 그는 자신의 이미지 가장자리를 따라 경계를 그리거나 먼저 자신의 그림을 프레임에 넣고 그 프레임을 구성의 일부로서 그리기 시작했다.

그는 프레임을 칠함으로써 그림을 객체로서 완전히 무시하고, 추가적인 미적 요소에 의해 변경되는 것을 방지했다. 그는 자신의 그림이 걸린 벽에 대한 통제의 행위도 확장했으며, 그 벽 또한 관람자와 작품 사이의 잠재적 장벽으로 간주했다. 1984년 베니스 비엔날레에서 호지킨은 자신의 전시회 벽을 초록색으로 칠했다. 그는 당시 인터뷰에서 흰색 벽은 빛을 너무 많이 반사한다고 언급했다. 초록색 벽은 빛을 반사하지 않았기 때문에 그의 그림이 모든 빛을 반사할 수 있었다.

하워드 호지킨 - 우리가 모로코에 간 것은 언제인가, 1988 – 1993. 나무에 유채. 196.9 x 269.2 cm

최대 표현

호지킨은 현재 80대 중반에도 여전히 화가로 활동하고 있다. 최근 인터뷰에서 그는 자신의 작품에 대한 인정을 받기까지 겪었던 어려운 시기에 대해 이야기했다. 그는 비교적 젊은 나이에 성숙한 스타일을 찾았지만, 누군가 그를 진지하게 받아들이기까지는 수십 년이 더 걸렸다고 언급한다. 그는 30대에 자살을 고민하기도 했다고 말한다. 하지만 나이가 들면서 그는 명성과 인정에 대해 점점 덜 신경 쓰게 되었고, 감정을 더욱 직접적으로 표현하기 위한 전략 개발에 더 집중할 수 있었다.

그의 원래 추상으로의 변형은 덜 보여주고 더 표현하려는 것이었습니다. 사물의 외형대로 그리지 않음으로써, 그는 그것들이 느끼는 방식으로 그리기를 희망했습니다. 그는 색상의 표현 가능성과 복잡성을 전달하는 페인트 자체의 힘에 집중했습니다. 그의 작업이 단순히 색상과 페인트에 관한 것이 될수록, 진정한 주제인 감정이 더 잘 드러날 수 있었습니다. 본질적으로, 시간이 지나면서 그는 더 많은 것을 말하지 않도록 배우게 되었습니다. 이제 그가 "노년"이라고 부르는 시기에, 그는 자신의 그림이 가능한 한 적게 말하도록 허용했다고 말하며, 그렇게 함으로써 최대의 표현을 이룰 수 있다고 합니다.

하워드 호지킨 - 밤의 생각, 2014 – 2015. 나무에 유화. 37.1 x 47.9 cm. © 2019 하워드 호지킨

특집 이미지: 하워드 호지킨 - 눈물을 위한 난 (세부), 2014. 나무에 유채. 28.6 x 29.8 cm. © 2019 하워드 호지킨
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio