추상적으로 여겨지는 아웃사이더 아티스트들

아웃사이더 아트는 공식 미술 세계 밖에서 활동하는 예술가들을 설명하는 포괄적인 용어입니다. 아웃사이더 아티스트는 대개 자가 학습한 경우가 많습니다. 때때로 그들은 민속 전통에서 작업합니다. 다른 경우에는 범죄 행위를 저질렀거나 특정 정신적 현실에 직면하여 심각하게 취약하거나 위험할 수 있는 이유로 제도권에 속해 있습니다. 미학적 거칠음 외에도 아웃사이더 아트의 매력적인 점은 예술가들의 모호하거나 알려지지 않은 의도입니다. 정식으로 훈련받은 예술가들은 경력을 위해서든 취미로서든 거의 항상 자신의 예술에 대해 이야기하고, 의도를 설명하며, 이해하지 못하는 사람들에게 정당성을 부여할 수 있고 때로는 기꺼이 그렇게 합니다. 그러나 아웃사이더 아티스트는 어떤 검증도 추구하지 않으며 거의 항상 정당성을 제공하지 않습니다. 그들은 우리와는 아무런 관련이 없는 이유로 예술을 만듭니다. 당신은 처음으로 예술을 만들었던 순간을 기억하나요? 왜 그렇게 했나요? 그것은 본능이었나요? 아름다움과 같은 무언가를 찾고 있었나요? 아니면 그냥 놀고 있었나요? 그 가장 초기의 예술적 충동—무제한적이고 순수한 창의력의 불꽃이 우리에게 시각적인 무언가를 표현하도록 촉구하는 것—이것이 우리가 아웃사이더 아트에서 자주 보는 것입니다. 아웃사이더 아트의 풍부한 역사를 기념하여, 오늘 우리는 여섯 명의 추상 아웃사이더 아티스트를 소개합니다. 그들의 의도가 명확하지 않을 수 있으며, 그들의 작업의 의미는 결코 합의되지 않을 수 있습니다. 그러나 그들의 미학적 창작물에서 우리는 직관적이고 순수하며 예술에서 추상의 기능에 본질적인 무언가를 봅니다.

안나 제만코바

비극, 영성, 그리고 자연의 아름다움은 안나 제마노코바의 작업에 영향을 주었습니다. 1908년 모라비아에서 태어난 그녀는 현대 체코 공화국의 일부로, 20대에 풍경화를 독학했습니다. 그러나 여러 번의 이사와 자녀 중 한 명의 죽음으로 깊은 우울증에 빠진 50대가 되어서야 그녀는 다시 예술로 돌아왔습니다. 그녀는 그림을 그리는 동안 영적 힘과 연결되어 있다고 믿었고, 객관적으로 표현할 수 없는 자기 에너지를 채널링하고 있다고 생각했습니다. 그녀가 교감한 힘을 표현하기 위해 그녀는 자연, 특히 꽃에서 인식한 패턴, 형태, 색상에서 느슨하게 영감을 받은 추상 구성을 그렸습니다. 그녀의 그림은 그녀가 가장 잘 알려진 작품이지만, 그림 외에도 그녀는 정교한 램프갓을 만들었고, 빛으로 추상적인 패턴을 만들기 위해 갓에 구멍을 뚫었습니다.

안나 제만코바 - 제목 없음, 1980년대, 종이에 새틴 콜라주 및 혼합 기법 (왼쪽) 및 제목 없음, 종이에 파스텔, 1970년대 (오른쪽)

파스칼 타시니

벨기에 아티스트 파스칼 타시니는 인생 후반에 예술에 대한 열정을 발견했습니다. 평생 지속된 강박증으로 인해 스스로를 완전히 돌볼 수 없었던 그는 부모님과 함께 성인이 되어 살다가 그들이 세상을 떠났습니다. 그 후 그의 형 중 한 명이 그의 돌봄을 맡았고, 그를 벨기에 리에주에 있는 크레암 워크숍에 소개했습니다. 처음에 파스칼은 센터를 청소하고 정리하는 것에 만족했지만, 곧 예술을 만들고 싶다는 영감을 받았습니다. 그는 처음에는 그림을 그리고 그리기를 했지만, 이후에는 천으로 복잡한 물체를 만들기 시작했습니다. 그는 자주 자신이 찾거나 선물로 받은 다양한 물건들을 코쿤처럼 감쌌습니다. 자신의 상상력으로 고안한 기법을 사용하여, 그는 자신을 위해 작업하는 스튜디오 텐트를 만들기도 했습니다. 그를 만나고 싶어하는 방문객들은 그가 먼저 실험복을 입고 자신의 맥박을 측정하게 해야 하며, 그 후에야 그의 스튜디오에 들어갈 수 있습니다.

파스칼 타시니 - 제목 없는 직물 조합

파스칼 타시니 - 제목 없는 직물 조합

유진 안돌섹

많은 외부인들과 마찬가지로, 유진 안돌섹은 자신을 예술가라고 생각하지 않았다. 그는 일상에서의 휴식으로 주방 테이블에서 그래프 용지에 펜으로 그림을 그렸다. 수십 년 동안 그는 기차역 속기사로 일하면서 아픈 어머니를 돌보는 동안 그의 멋진 기하학적 그림들을 트렁크에 모았다. 은퇴하고 어머니가 돌아가신 후, 그는 결국 시력을 잃고 요양 시설에 입소해야 했다. 그곳에서 한 직원이 그의 작품을 발견하고 그것이 특별한 것임을 인식했다. 2005년, 84세의 나이에, 유진은 그가 죽기 3년 전 처음으로 그의 작품이 미국 민속 예술 박물관에서 전시되는 것을 보았다. 그는 자신의 그림이 받은 긍정적인 관심에 놀랐으며, 이전에는 그것들이 아마도 다채로운 식탁보로서 유용할 뿐이라고 생각했었다.

유진 안돌섹 - 그래프 용지에 그린 두 개의 제목 없는 기하학적 추상 잉크 드로잉

주디스 스콧

Judith Scott의 추상 조각 작품은 이 외부 예술가의 인류애를 가슴 아프게 강력하게 표현합니다. 청각 장애인, 언어 장애인, 다운 증후군을 가진 Judith는 인생의 첫 네 번째 십 년을 여러 기관에서 열악한 환경에서 살며 보냈습니다. 마침내 1986년, 44세의 나이에 그녀의 쌍둥이 자매가 Judith의 양육권을 가져와 캘리포니아 오클랜드에 있는 집으로 데려갔습니다. 그곳에서 Judith는 Creative Growth Art Center의 수업에 등록할 수 있었습니다. 그곳에서 그녀는 처음으로 예술을 창작하기 시작했습니다. 그녀는 다양한 물체를 수집하여 복잡한 섬유 네트워크로 감싸면서 그 형태가 모호해지도록 했습니다. 결과적으로 만들어진 조각들은 때로는 그녀가 시작한 물체의 형태를 반영하고, 때로는 그렇지 않습니다. 그것들은 고치처럼 보이지만, 오히려 반대의, 그러나 여전히 변형적인 과정을 거쳤다고 말하는 것이 더 정확합니다. 마치 덮여짐으로써 그 본질적인 존재가 드러난 것 같습니다.

주디스 스콧의 섬유로 감싼 추상화 (왼쪽) 및 그녀의 작품 중 하나와 함께한 주디스 스콧 (오른쪽)

Tetsuaki Hotta

일본 아티스트 테츠아키 호타는 19세에 정신적 장애로 설명된 이유로 정신병원에 수용되었습니다. 그러나 그가 살고 있는 기관에서 미술 수업을 듣기 시작했을 때, 그의 고급 추상적 사고 능력이 온전하다는 것이 빠르게 드러났습니다. 1970년 이후, 호타는 집을 닮은 추상 기하학적 구성만을 그려왔습니다. 그는 자신의 작품에 존재하는 형태에 전혀 관심이 없습니다. 그는 평면에서 색상과 공간을 탐구하는 수단으로서 구성만을 사용합니다. 함께 볼 때, 이러한 표현적이고 직관적인 그림들은 독일계 미국인 아티스트이자 교사인 요제프 알버스의 작업과 유사한 아웃사이더 아트의 동등한 예시입니다. 알버스는 그의 정사각형에 대한 경의 시리즈를 통해 색상을 유사하게 탐구하며 평생을 보냈습니다.

테츠아키 호타 - 작품

댄 Miller

캘리포니아 출신의 댄 Miller는 샌프란시스코 맞은편의 카스트로 밸리라는 마을에서 자랐습니다. 자폐증으로 태어난 그는 주디스 스콧처럼 오클랜드의 크리에이티브 그로스 아트 센터에서 자신의 예술적 소명을 찾았습니다. 댄 Miller는 텍스트에 집착하며, 그것을 단순한 표현체로 사용하기보다는 구성적이고 미학적인 의미가 생성될 수 있는 미적 매체로 활용합니다. 그의 작품은 추상 화가 사이 트웜블리의 작품과 비교되기도 했으며, 트웜블리 또한 그의 그림에서 기호 형태와 간결한 색상 팔레트를 사용했습니다. 그러나 트웜블리와는 달리, Miller는 자신의 내면 세계에서 추출한 실제 텍스트를 바탕으로 작업하며, 이를 계속해서 겹쳐 읽을 수 없는 지점에 이르기까지 쌓아 올립니다. 그의 작품은 널리 찬사를 받았으며, 뉴욕 현대미술관에도 포함되어 있습니다.

Dan Miller - Untitled, UD, acrylic, marker on paper, 57 x 76 in

Dan Miller - Untitled (white over black), 2013, acrylic and ink on paper, 56 x 76 in

필수 본능

이 기사에 대한 연구 과정에서 우리는 영국의 동물학자 데스몬드 모리스의 매혹적인 이야기를 접하게 되었습니다. 모리스는 과학자로서의 작업 외에도 외부인 초현실주의 예술가였습니다. 그는 1940년대 후반과 50년대 초반에 런던에서 자신의 예술을 전시했습니다. 그러나 그의 예술에 대한 가장 큰 기여는 1957년에 그의 직장 동료인 침팬지 콩고의 추상화를 전시했을 때 이루어졌습니다. 침팬지가 만든 추상 미술이라는 아이디어는 어리석게 들릴 수 있습니다. 심지어 불쾌하게 느껴질 수도 있습니다. 그러나 세계에서 가장 유명한 예술가들 중 일부는 콩고의 그림을 얻기 위해 데스몬드 모리스를 찾았습니다. 살바도르 달리와 파블로 피카소는 각각 하나씩 소유하고 있었고, 조안 미로는 콩고의 그림과 교환하기 위해 자신의 작품 중 하나를 모리스에게 거래하기도 했습니다.

달리, 피카소, 그리고 미로가 이해한 것은 인간이 다른 동물들과 원초적이고 추상적인 미적 충동을 공유한다는 것이다. 창조적 행위는 이 지구의 주민으로서 우리의 보편적인 유산이다. 많은 다양한 동물들이 패턴, 형태, 선, 색상, 질감 및 구성의 탐구에서 즐거움을 찾는다. 달리는 심지어 침팬지가 인간처럼 그림을 그린다고, 잭슨 폴록은 동물처럼 그림을 그린다고 말하기도 했다. 아마도 이것이 우리가 자생적인 예술가들과 아웃사이더 아트를 만드는 다른 사람들의 작품에서 큰 즐거움을 느끼는 이유일 것이다. 그들은 우리 모두에게 순수하고, 날것이며, 원초적이고, 본질적이며, 보편적인 무언가가 있다는 희망을 나타내며, 그것이 예술을 통해 표현되고, 가능하다면 이해될 수 있다는 것을 보여준다.

특집 이미지: 주디스 스콧 - 그녀의 섬유로 감싼 추상화 중 하나
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio