20세기를 대표하는 착시 미술

현실은 항상 고정되어 있지 않으며, 적어도 인간의 마음에는 그렇게 보일 수 있습니다. 우리가 믿는 것은 어느 정도 우리가 인식하는 것에 기반하지만, 우리가 인식하는 것은 때때로 우리가 믿는 것에 의해 결정되기도 합니다. 옵티컬 일루전 아트, 또는 줄여서 옵 아트는 인간의 인식의 이상함을 의도적으로 활용하는 미적 스타일입니다. 이는 인간의 눈이 인간의 뇌를 속일 수 있는 능력을 부여합니다. 옵 아티스트들은 패턴, 형태, 색상, 재료 및 형태를 조작하여 눈을 속이는 현상을 창조하려고 노력합니다. 이는 관객이 실제로 존재하는 것 이상을 보도록 혼란스럽게 만듭니다. 그리고 믿음이 사실만큼이나 영향력이 있을 수 있기 때문에, 옵 아트는 무엇이 더 중요한지를 묻습니다: 인식인가, 진실인가?

광학 착시 예술의 간략한 역사

오프 아트는 트롬프 레일이라는 기법에 뿌리를 두고 있으며, 이는 프랑스어로 눈을 속이다라는 뜻입니다. 이러한 예술적 경향에 대한 가장 초기의 언급은 고대 그리스 예술가들이 사람들을 속여 그들의 이미지가 실제라고 믿게 만들 정도로 사실적인 그림을 만들려고 했던 고대에까지 거슬러 올라갑니다. 이 기법은 이후 수세기 동안 여러 번 유행을 타며, 19세기에는 트롬프 레일 그림인 비판에서 탈출하기와 같은 작품으로 절정을 이루었습니다. 이 작품은 1874년 페레 보렐 델 카소가 그린 것으로, 아이가 그림 액자에서 기어 나오는 초현실적인 이미지를 보여줍니다.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

하지만 눈을 속이기 위한 의도도 있지만, 옵 아트는 하이퍼 리얼리즘 아트와는 다릅니다. 사실, 우리가 오늘날 알고 있는 옵 아트는 더 자주 추상적이며, 기하학적 구성을 통해 비현실적인 형태와 공간 평면이 존재한다고 눈을 설득합니다. 눈을 속이기 위해 고안된 첫 번째 추상 기법은 점묘법이라고 불렸습니다. 점묘화 화가들은 미리 색을 혼합하는 대신, 혼합되지 않은 색을 캔버스에 나란히 배치하여 색의 단단한 영역의 환상을 만들어냈습니다. 이러한 그림을 멀리서 보면 색이 혼합된 것처럼 보입니다. 조르주 쇠라가 점묘법을 발명하고 옹플뢰르의 등대와 같은 그림으로 그 효과를 완벽하게 구현했습니다.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

추상적 환상

점묘법의 기초가 되는 개념은 궁극적으로 예술가들이 마음을 속여 그림을 완성하도록 하는 방법을 찾으면서 많은 다른 기법을 탄생시켰습니다. 이는 이탈리아 미래주의자들의 분할주의와 입체파의 사차원 평면에 영감을 주었습니다. 그러나 그 가장 성공적인 응용은 기하학적 추상의 미학과 결합되었을 때 나타났으며, 1913년에 요제프 알버스가 그린 추상 기하학적 에칭 구조적 별자리와 같은 작품에서 볼 수 있습니다.

그의 말에 따르면, 알버스는 이 작품으로 시각적 착시를 만들려고 하지 않았습니다. 그는 2차원 표면에서 선과 형태의 인식에 관한 간단한 구성 실험에 참여하고 있었습니다. 그럼에도 불구하고 그는 표면 위의 선, 형태 및 색상의 배열이 실제로 마음이 현실을 인식하는 방식을 바꿀 수 있다는 것을 발견했습니다. 그리고 비록 그는 자신의 작품으로 관객을 속이려는 의도는 없었지만, 그는 이러한 효과를 조사하는 데 평생을 보냈습니다.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

얼룩말과 체스판

빅토르 바사렐리는 알버스의 동시대 인물로서, 자신의 예술로 관객을 속이기 위한 의식적인 노력을 기울였습니다. 바사렐리는 화가이기도 했지만 과학자이기도 했으며, 이 두 가지 추구가 어떻게 결합되어 인식에 영향을 미치는지에 특히 관심이 있었습니다. 1920년대 초반부터 그는 선의 조작만으로도 2차원 표면을 완전히 왜곡하여 마음이 그것을 3차원 공간으로 인식하도록 속일 수 있다는 것을 배웠습니다.

바사렐리가 그의 작업에서 반복적으로 다룬 주제 중 하나는 얼룩말이었다. 이 동물의 줄무늬는 실제로 자연 포식자들을 속이는 역할을 하며, 포식자들은 얼룩말의 검은색과 흰색 줄무늬가 주변과 상호작용하기 때문에 동물이 어떤 방향으로 달리고 있는지 구별할 수 없다. 그는 이 현상의 비밀을 풀어내면서 이를 더 복잡한 기하학적 구성에 적용하였고, 1960년대에는 오늘날 현대주의 옵 아트 운동으로 여겨지는 독창적인 스타일을 창조하였다. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

검정색과 흰색

20세기 가장 유명한 옵티컬 일루전 아티스트 중 한 명은 영국 아티스트 브리짓 라일리로, 그녀는 빅토르 바자렐리의 작품에서 직접 영감을 받았습니다. 라일리는 1950년대 초에 로열 컬리지 오브 아트에서 공부했습니다. 그녀의 초기 작품은 인물 중심이었지만, 광고 회사에서 일러스트레이터로 일한 후 시각적 환상을 만드는 데 더 관심을 가지게 되었습니다. 그녀는 점묘법을 조사하기 시작했고, 그 다음에는 분할법을 연구한 후, 결국 주로 흑백 기하학적 추상화에 기반한 자신의 시그니처 스타일인 옵 아트를 개발했습니다.

라일리는 자신의 작품에서 시각적 착시를 만들어내는 데 매우 성공적이어서, 관객들은 때때로 그녀의 그림을 볼 때 바다 멀미나 움직임 멀미를 경험했다고 보고했다. 이 현상은 라일리를 매료시켰고, 그녀는 지각과 현실 사이의 경계가 실제로 매우 취약하다는 것과 착시로 인한 믿음이 실제 세계에서 실제 결과를 초래할 수 있다는 것을 확신하게 되었다. 라일리는 “의미가 집중되고 현실이 고정될 수 있었던 시절이 있었다; 그런 믿음이 사라지자, 모든 것이 불확실해지고 해석의 여지가 생겼다.”고 말했다.

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

반응하는 눈

모더니스트 옵 아트 운동의 절정은 1965년 미국을 순회한 전시회인 "반응하는 눈"에서 이루어졌습니다. 이 전시회는 다양한 미적 입장을 대표하는 수십 명의 예술가들이 만든 120점 이상의 예술 작품을 선보였습니다. 이 전시에는 빅토르 바사렐리와 브리짓 라일리의 매우 환영적인 작품뿐만 아니라 프랭크 스텔라와 알렉산더 리버먼과 같은 예술가들의 보다 절제된 기하학적 추상화 작품, 그리고 웬잉 차이와 카를로스 크루즈-디에즈와 같은 예술가들의 운동 조각이 포함되었습니다.

또한 예수 라파엘 소토 조각가도 반응하는 눈 그룹에 포함되어 있었으며, 그는 아마도 Op Art를 3차원 인식의 영역으로 가장 멀리 끌어올린 인물일 것입니다. 그의 작품인 펜트라블레스는 관람객이 통과할 수 있는 수백 개의 부분적으로 칠해진, 매달린 플라스틱 튜브로 구성된 상호작용 창작물입니다. 방해받지 않을 때 이들은 공간에 떠 있는 구체적인 형태의 인상적인 환상을 제공합니다. 그러나 관람객이 조각과 물리적으로 상호작용할 때 그 환상은 사라지고, 구체적인 현실이 실제로 인간의 손길에 의해 왜곡되고 변화될 수 있다는 인식을 줍니다.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

옵 아트의 유산

옵 아트의 축복이자 저주는 그 인기도이다. 1960년대 이 운동이 절정에 달했을 때, 많은 비평가들은 그 이미지가 티셔츠, 커피 머그, 포스터와 같은 키치 아이템 제작자들에 의해 탐욕스럽게 차용되었기 때문에 이를 경멸했다. 그러나 빅토르 바자렐리와 헤수스 라파엘 소토와 같은 예술가들에게는 그것이 바로 요점이었다.

이 창작자들은 예술 작품의 가치는 관객이 그 완성에 참여할 수 있는 정도에 의해 결정된다고 믿었습니다. 그들은 각 새로운 관객에 맞춰 적응하는 미적 현상을 만들어 무한한 해석 가능성을 창출했습니다. 그들의 예술이 대중적으로 소비된다는 사실은 그들의 개념과 완벽하게 일치하는데, 그 개념은 사람과 예술 사이에 장벽이 없어야 하며, 존재하는 것처럼 보이는 장벽은 오직 우리의 인식 속에만 존재한다는 것입니다.

특집 이미지: 빅토르 바사렐리 - 베가-노르, 1969. 아크릴화. 200 x 200 cm. © 빅토르 바사렐리
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio