20세기를 대표하는 착시 미술
현실은 항상 고정되어 있지 않습니다; 적어도 인간의 마음에는 그렇게 보일 수 있습니다. 우리가 믿는 것은 어느 정도 우리가 인지하는 것에 기반하지만, 우리가 인지하는 것도 때로는 우리가 믿는 것에 의해 결정됩니다. 착시 예술, 줄여서 착시미술은 인간의 눈이 인간의 뇌를 속일 수 있는 이상한 인지 현상을 의도적으로 이용하는 미적 양식입니다. 패턴, 형태, 색, 재료, 형상을 조작함으로써 착시미술가들은 눈을 속여 실제보다 더 많은 것을 보게 만드는 현상을 창조하려고 노력합니다. 그리고 믿음이 사실만큼이나 영향력이 있을 수 있기 때문에, 착시미술은 무엇이 더 중요한가라는 질문을 던집니다: 인식인가 진실인가.
착시미술의 간략한 역사
착시미술은 눈속임이라는 뜻의 프랑스어 trompe-l'œil라는 기법에서 뿌리를 찾을 수 있습니다. 예술에서 이러한 경향에 대한 가장 초기의 언급은 고대 그리스 시대로 거슬러 올라가며, 당시 예술가들은 그림이 너무 사실적이어서 사람들이 실제로 그 이미지가 진짜라고 속을 정도로 만들려고 시도했습니다. 이 기법은 수세기 동안 여러 차례 유행과 쇠퇴를 반복했으며, 19세기에 페레 보렐 델 카소가 1874년에 그린 비판에서 탈출과 같은 눈속임 그림으로 절정을 이루었습니다. 이 작품은 아이가 그림틀에서 기어 나오는 매우 사실적인 이미지를 보여줍니다.
페레 보렐 델 카소 - 비판에서 탈출, 1874년. 캔버스에 유화. 스페인 은행 소장, 마드리드, © 페레 보렐 델 카소
하지만 눈을 속이려는 의도는 같아도, 착시미술은 극사실주의 미술과는 다릅니다. 오늘날 우리가 아는 착시미술은 주로 추상적이며, 비현실적인 형태와 공간 평면이 존재하는 것처럼 눈을 속이기 위해 기하학적 구성을 사용합니다. 눈을 속이기 위해 고안된 최초의 추상 기법은 점묘법이었습니다. 점묘화가들은 미리 색을 섞지 않고, 섞이지 않은 색을 캔버스 위에 나란히 배치하여 단단한 색면의 착시를 만들어 냈습니다. 멀리서 보면 색이 섞인 것처럼 보입니다. 조르주 쇠라는 점묘법을 발명하고 옹플뢰르의 등대와 같은 작품으로 이 효과를 완성했습니다.
조르주 쇠라 - 옹플뢰르의 등대, 1886년. 캔버스에 유화. 전체 크기: 66.7 x 81.9 cm, 액자 포함: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm. 폴 멜론 부부 소장
추상적 착시
점묘법의 개념은 결국 예술가들이 마음을 속여 그림을 완성하게 하는 방법을 찾으면서 많은 다른 기법을 탄생시켰습니다. 이 기법은 이탈리아 미래파의 분할주의와 입체파의 4차원 평면에 영감을 주었습니다. 그러나 가장 성공적인 적용은 기하학적 추상미술의 미학과 결합되었을 때였습니다. 예를 들어 1913년에 요제프 알버스가 그린 추상 기하학적 에칭 작품 구조적 별자리가 그렇습니다.
알버스는 자신의 말에 따르면 이 작품으로 착시를 만들려 한 것이 아니었습니다. 그는 2차원 표면에서 선과 형태의 인식에 관한 단순한 구성 실험을 하고 있었습니다. 그럼에도 불구하고 그는 표면 위의 선, 형태, 색의 배열이 마음이 현실을 인식하는 방식을 실제로 바꿀 수 있다는 것을 발견했습니다. 그리고 비록 의도적으로 관람객을 속이려 하지 않았지만, 평생 동안 이러한 효과를 연구했습니다.
요제프 알버스 - 구조적 별자리, 1913년. 나무에 검은 배경 위에 흰 선을 새김. © 2019 요제프와 아니 알버스 재단
얼룩말과 체스판
빅토르 바자렐리는 알버스와 동시대 인물이었으며, 관람객을 속일 방법을 찾기 위해 의식적인 노력을 기울였습니다. 바자렐리는 화가이자 과학자였으며, 이 두 분야가 인식에 미치는 영향을 특히 관심 있게 연구했습니다. 1920년대 초반부터 그는 선의 조작만으로 2차원 표면을 완전히 왜곡하여 마음이 그것을 3차원 공간으로 인식하게 만들 수 있다는 것을 알게 되었습니다.
바자렐리가 작품에서 반복적으로 다룬 주제 중 하나는 얼룩말이었습니다. 이 동물의 줄무늬는 자연의 포식자들이 얼룩말이 어느 방향으로 달리는지 구분하지 못하게 하여 속이는 역할을 합니다. 그는 이 현상의 비밀을 밝혀내어 더 복잡한 기하학적 구성에 적용했고, 1960년대에는 오늘날 현대 착시미술 운동으로 여겨지는 독특한 스타일을 창조했습니다.
빅토르 바자렐리 - 얼룩말, 1938년. © 빅토르 바자렐리
흑백
20세기 가장 유명한 착시미술가 중 한 명은 빅토르 바자렐리의 작품에서 직접 영감을 받은 영국의 예술가 브리짓 라일리였습니다. 라일리는 1950년대 초 왕립 예술 대학에서 공부했습니다. 초기 작품은 구상적이었으나 광고 회사에서 일러스트레이터로 일하면서 시각적 착시를 만드는 데 관심을 갖게 되었습니다. 그녀는 점묘법과 분할주의를 연구한 후, 주로 흑백 기하학적 추상에 기반한 자신만의 독특한 착시미술 스타일을 개발했습니다.
라일리는 작품에서 착시를 매우 성공적으로 만들어내어 관람객들이 그림을 볼 때 때때로 멀미나 어지러움을 경험했다고 보고했습니다. 이 현상에 매료된 라일리는 인식과 현실 사이의 경계가 매우 약하다는 것과 착시로 인한 믿음이 실제 세계에 실제적인 결과를 가져올 수 있다는 확신을 갖게 되었습니다. 라일리는 이렇게 말했습니다. “한때 의미가 집중되고 현실이 고정될 수 있었던 시절이 있었습니다; 그런 믿음이 사라지자 사물은 불확실해지고 해석에 열려 있게 되었습니다.”
브리짓 라일리가 대형 최면 효과의 착시미술 작품 앞에 서 있는 모습, © 브리짓 라일리
반응하는 눈
현대 착시미술 운동의 절정은 1965년 미국을 순회한 전시회 반응하는 눈에서 이루어졌습니다. 이 전시회에는 다양한 미적 입장을 대표하는 수십 명의 예술가들의 120점 이상의 작품이 전시되었습니다. 전시에는 빅토르 바자렐리와 브리짓 라일리의 강렬한 착시 작품뿐 아니라 프랭크 스텔라와 알렉산더 리버만 같은 예술가들의 절제된 기하학적 추상 작품, 웬잉 차이와 카를로스 크루즈-디에즈 같은 예술가들의 움직이는 조각품도 포함되었습니다.
또한 반응하는 눈 그룹에는 조각가 헤수스 라파엘 소토도 포함되었는데, 그는 관통물이라는 작품군으로 착시미술을 3차원 인식 영역까지 가장 멀리 확장시켰다고 할 수 있습니다. 이 상호작용 작품들은 수백 개의 부분적으로 칠해진 플라스틱 튜브가 매달려 있어 관람객이 그 사이를 걸어 다닐 수 있습니다. 움직이지 않을 때는 공간에 구체적인 형태가 떠 있는 듯한 강렬한 착시를 보여주지만, 관람객이 직접 조각품과 상호작용하면 착시가 사라져 구체적인 현실이 인간의 손길에 의해 왜곡되고 변형될 수 있다는 인식을 줍니다.
헤수스 라파엘 소토 - 관통물. © 헤수스 라파엘 소토
착시미술의 유산
착시미술의 축복이자 저주는 그 인기에 있습니다. 1960년대 운동이 절정에 달했을 때, 많은 비평가들은 티셔츠, 커피잔, 포스터 같은 싸구려 상품에 그 이미지가 무분별하게 사용되었다며 이를 경멸했습니다. 그러나 빅토르 바자렐리와 헤수스 라파엘 소토 같은 예술가들에게 그것이 바로 핵심이었습니다.
이 예술가들은 작품의 가치는 관람객이 작품 완성에 참여하는 정도에 의해 결정된다고 믿었습니다. 그들은 각 관람객에 맞춰 변하는 미적 현상을 만들어 무한한 해석 가능성을 창출했습니다. 그들의 예술이 대중적으로 소비된다는 사실은 사람과 예술 사이에 장벽이 없어야 하며, 존재하는 것처럼 보이는 장벽은 오직 우리의 인식 속에만 존재한다는 그들의 개념과 완벽히 일치했습니다.
대표 이미지: 빅토르 바자렐리 - 베가-노르, 1969년. 캔버스에 아크릴. 200 x 200 cm. © 빅토르 바자렐리
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성
