브리짓 라일리와 줄무늬의 철학
우리의 감각 경험은 우리를 감정의 세계와 연결합니다. 무언가를 볼 때, 그 감각 자체가 일종의 느낌입니다. 하지만 우리는 또한 보는 것에 따라 느낌을 받습니다. 이러한 감정은 영국 예술가 브리짓 라일리가 지난 60년간 탐구해온 주제입니다. 1960년대에 라일리는 옵 아트라는 예술 운동에 기여하며 유명해졌는데, 이 운동은 작품에서 관람자가 종종 지각하는 착시 현상 때문에 붙여진 이름입니다. 옵 아트는 1965년 뉴욕 현대미술관에서 열린 반응하는 눈 전시회의 성공 이후 전 세계적으로 주목받았습니다. 브리짓 라일리의 여러 작품이 그 전시에 포함되었으며, 검은색과 흰색의 절제된 색상과 반복되는 패턴으로 역동성을 느끼게 하여 관람자가 불안정하거나 균형을 잃은 듯한 느낌을 받게 했습니다. 그녀의 그림 속 패턴은 움직이는 것처럼 보였습니다. 그러나 브리짓 라일리의 작품은 단순히 눈을 속이는 착시 현상에 그치지 않습니다. 그것은 지각에 관한 것입니다. 우리가 얼마나 신중하게 바라보는지, 시각이라는 선물을 얼마나 소중히 여기는지, 그리고 우리가 세상을 보는 방식에 따라 우리의 감정이 어떻게 영향을 받는지에 관한 이야기입니다.
젊은 시절의 브리짓 라일리
젊은 예술가였던 브리짓 라일리는 종종 좌절을 겪었습니다. 그녀는 런던, 링컨셔, 콘월에 있던 여러 어린 시절 집 주변 환경을 자유롭게 탐험할 수 있었던 것을 소중히 여겼습니다. 그녀는 타고난 호기심과 실험 정신을 가지고 있었습니다. 그러나 20대에 왕립 예술 아카데미에서 공부하는 동안, 그녀의 호기심과 실험 정신은 교수들에 의해 억제되었습니다. 그녀는 자신감 없이 졸업했고, 곧이어 아버지가 교통사고로 입원하면서 아버지의 간병을 책임지게 되어 방향을 잃은 상태가 더욱 심해졌습니다. 이러한 복합적인 스트레스는 그녀를 완전한 정신적 붕괴로 이끌었습니다.
회복의 전환점은 1956년 런던 테이트 미술관에서 열린 추상 표현주의 작가들 전시회를 방문했을 때였습니다. 그들의 작품은 그녀가 실험하고 진정한 비전을 탐구하려는 욕구를 확인시켜 주었고, 곧 다시 그림을 그리기 시작했습니다. 그녀는 어린 소녀들에게 미술을 가르치는 일을 찾았고 상업 일러스트레이터로도 일했습니다. 그리고 공간 관계, 형태, 패턴과 같은 요소의 힘을 강조하는 해리 서브론의 여름 수업에 등록했습니다.
브리짓 라일리 - Movement in Squares, 1961. 템페라, 하드보드 위에. 123.2 x 121.2cm. 아츠 카운슬 컬렉션, 사우스뱅크 센터, 런던. © 2019 브리짓 라일리 (왼쪽) / 브리짓 라일리 - Intake, 1964. 캔버스에 아크릴. 178.5 x 178.5 cm. © 2019 브리짓 라일리 (오른쪽)
시각적 현실
해리 서브론과 함께 미학의 형식적 요소, 특히 눈이 공간 속 형태를 인식하는 방식을 공부하면서 라일리는 자신의 진정한 목소리를 찾는 데 다시 전념하게 되었습니다. 1960년 이탈리아로 이주하여 미래파 작품을 연구했습니다. 그들의 움직임 탐구에 영감을 받아, 특히 조르주 쇠라의 점묘파 사상을 공부했습니다. 이러한 연구의 총합은 그녀가 2차원 평면을 변형하여 시각적 지각에 영향을 주는 독특한 회화 방식을 개발하게 했습니다.
관람자가 그림을 바라보는 방식을 도전하려면 모든 재현적 내용을 제거해야 한다는 것을 알았습니다. 재현적 이미지는 그녀의 주된 아이디어를 방해할 뿐이기 때문입니다. 그래서 그녀는 시각 언어를 단순화하여 검은색과 흰색, 그리고 선, 형태, 모양의 요소만을 사용했습니다. 반응하는 눈 전시 카탈로그에서 큐레이터 윌리엄 C. 사이츠는 라일리의 작품을 “새로운 지각 예술”이라고 불렀습니다. 사이츠는 이 예술이 순수한 미적 영역을 넘어 무엇을 이룰 수 있는지에 대한 기대치를 높이며 이렇게 물었습니다. “자기 자신 외에는 아무것도 참조하지 않는 이러한 작품들이 버려진 내용을 심리적으로 효과적으로 대체할 수 있는가? 기능적 이미지의 고급 이해와 적용이 망막 자극에서 감정과 사상으로 가는 새로운 길을 열 수 있는가?” 이것이 바로 라일리가 스스로에게 던진 질문이었습니다.
브리짓 라일리 - Arrest 1, 1965. 캔버스에 에멀젼, 70 x 68 1/4 인치. © 2019 브리짓 라일리 (왼쪽) / 브리짓 라일리 - Arrest 2, 1965. 아크릴, 리넨 위에. 액자 없음: 6피트 4 3/4인치 x 6피트 3인치 (194.95 x 190.5 cm). 액자 포함: 6피트 7 3/8인치 x 6피트 5 3/4인치 x 2 3/4인치 (201.61 x 197.49 x 6.99 cm). 넬슨 앳킨스 미술관 소장. 윌리엄 T. 켐퍼 재단 - 커머스 뱅크, 수탁자의 관대함으로 획득. © 브리짓 라일리. 모든 권리 보유, 카스텐 슈버트, 런던 제공 (오른쪽)
반응하는 대중
반응하는 눈에 대한 대중의 반응은 열광적이었습니다. 전시의 매혹적이고 환영적인 이미지 효과는 관람객들을 열광하게 만들었습니다. 디자이너들은 검은색과 흰색 패턴을 빠르게 차용하여 드레스, 안경, 도시락통, 자동차 등 모든 가능한 제품에 사용했습니다. 그러나 그런 놀라움의 요소는 라일리에게 큰 매력이 없었습니다. 그녀는 자신의 작품이 지닌 더 깊은 의미에 관심이 있었습니다. 물론 멋져 보였지만, 그녀는 표면 아래에서 작동하는 정신적 과정을 발견하고 싶어 했습니다.
1966년, 그녀의 흑백 스타일이 국제적인 인기를 얻은 바로 그때, 라일리는 작품에 색을 더해 자신의 비전을 더 깊이 탐구하기 시작했습니다. 그녀는 조르주 쇠라의 점묘파 작품 쿠르브부아 다리를 2년간 연구하고 반복해서 모사했습니다. 그 작품에서 그녀는 선형 구조와 패턴의 숙련도를 보았고, 또한 서로 옆에 배치된 다양한 색들이 인간의 눈에 인지될 때 움직임을 느끼게 하는 색 조합의 숙련도도 발견했습니다.
브리짓 라일리 - Orient IV, 1970. 캔버스에 아크릴. 223.5 x 323 cm. © 브리짓 라일리
영원한 줄무늬
색상 팔레트를 복잡하게 하는 동시에 라일리는 형태의 언어를 단순화했습니다. 그녀는 거의 정사각형, 삼각형, 원을 제거하고 1970년대와 1980년대 내내 주로 줄무늬에 집중했습니다. 줄무늬는 반복 연구에 쉽게 적합하며, 라일리는 반복이 사람들이 의도적으로 이미지를 바라보게 하는 데 필수적이라고 보았습니다. 줄무늬 형태는 근본적으로 안정적입니다. 그녀는 이 안정성이 색 연구에 매우 중요하다는 것을 발견했는데, 색은 빛과 주변 색과 같은 다른 요소에 따라 인식이 달라지기 때문에 근본적으로 불안정하기 때문입니다.
라일리는 직선과 물결 모양의 가로 및 세로 줄무늬를 조합해 사용했습니다. 그녀는 작은 종이 조각에 각 작품을 시작하며 색 조합과 패턴을 시험했습니다. 움직이는 듯한 색 조합과 줄무늬 패턴을 찾으면 큰 캔버스로 옮겨 손으로 그렸습니다. 그녀의 다채로운 줄무늬 그림 속 각 줄무늬는 서로 정밀하게 어우러지는 다양한 색의 변화를 포함하고 있어, 눈이 각 줄무늬를 볼 때 다음 색의 기미를 인지하게 합니다. 이러한 변화는 눈이 표면을 가로질러 움직일 때 움직임의 느낌을 만듭니다.
음악의 시각
줄무늬의 안정성은 색 발견에 필수적이었지만, 궁극적으로 색이 그녀의 미적 비전을 이루는 데 도움을 주었습니다. 그녀는 “색의 음악, 그것이 내가 원하는 것이다”라고 말했습니다. 쇠라에서부터 자코모 발라, 소냐 들로네, 요제프 알버스에 이르기까지 많은 예술가들이 깨달았듯이, 모든 색은 감정적 반응을 불러일으킬 수 있습니다. 그리고 여러 색이 함께 사용될 때, 다양한 색들이 진동하는 듯한 효과를 내어 관람자에게 예측할 수 없는 감정적 반응을 일으킵니다. 그 예측 불가능성이 라일리가 그림에서 이루고자 한 이상적인 목표, 즉 “경험을 제공하고 가능성을 제시하는” 작품을 만드는 데 도움을 주었습니다.
라일리가 색과 줄무늬를 통해 이룬 미적 발견은 그녀가 정밀한 실험가이기 때문에 가능했습니다. 그녀는 시도한 각 색 조합과 패턴을 엄격히 기록하여 필요할 때 반복할 수 있도록 했습니다. 그러나 그녀의 색과 줄무늬 실험은 과학적이라기보다는, 가설을 증명하려는 것이 아니라 미지의 것을 발견하고 그것을 드러내려는 예술적 시도였습니다.
브리짓 라일리 - Carnival, 2000. 색상 실크스크린, 평판지에, 전체 여백 포함. 28 3/5 × 35 9/10 인치. 72.7 × 91.1 cm. 에디션 55/75 + 10AP. © 2019 브리짓 라일리
주요 목표
오늘날 80대 중반에 접어든 라일리는 계속해서 그림을 그리고 있습니다. 그녀는 이제 기하학적 형태, 물결 모양, 대각선의 혼합을 탐구합니다. 그녀의 최신 작품의 패턴은 훨씬 넓어져 매우 다른 인상을 주며, 매우 다른 감정을 불러일으킵니다. 수십 년 전의 줄무늬 그림들은 그녀가 평생 동안 지각에 대해 탐구해온 강력한 표현물로 남아 있습니다. 그것들은 단순히 눈을 속이는 것을 넘어 깊고 주관적인 지각의 영역으로 나아갑니다.
이 작품들이 중요한 이유는 그것들이 단지 작품을 보는 우리의 방식을 도전하는 것뿐만 아니라 모든 것을 보는 우리의 방식을 도전하기 때문입니다. 라일리가 사용하는 줄무늬는 아마도 형태가 가질 수 있는 가장 단순한 것일지 모릅니다. 그러나 그것들을 자세히 살펴보면 나타나는 변형은 무한해 보입니다. 라일리는 한때 “반복은 단독으로 보면 거의 보이지 않을 시각적 사건들의 일종의 증폭기 역할을 한다”고 말했습니다. 그녀의 줄무늬는 그 철학을 보여줍니다. 즉, 우리가 시간을 들여 진정으로 주목하기만 한다면, 시각 세계의 겉보기 단순함 아래에는 복잡함이 숨어 있다는 것입니다. 그것들은 우리에게 신중하고 면밀히 바라보고, 소중한 시각의 선물을 온전히 감사하라고 촉구합니다.
대표 이미지: 브리짓 라일리 - 대화 (부분), 1992. 리넨에 유화. 92 x 126cm. 애보트 홀 미술관 소장. 1996년 구입. © 브리짓 라일리
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공
