브리짓 라일리와 줄무늬의 철학

우리의 감각적 경험은 우리를 감정의 세계와 연결시킵니다. 우리가 무언가를 볼 때, 그 감각 자체가 일종의 느낌입니다. 하지만 우리는 또한 우리가 보는 것에 따라 느낌을 갖습니다. 이러한 감정은 영국의 예술가 브리짓 라일리가 지난 60년 동안 탐구해온 것입니다. 1960년대에 라일리는 옵 아트(Op Art)라는 예술 운동에 기여하여 유명해졌습니다. 이 이름은 관객들이 작품에서 종종 인식하는 시각적 착시에서 유래되었습니다. 옵 아트는 1965년 뉴욕 현대 미술관에서 열린 반응하는 눈이라는 전시회의 성공 이후 전 세계적으로 주목받게 되었습니다. 그 전시회에는 브리짓 라일리의 여러 작품이 포함되었습니다. 이 작품들은 희박한 흑백 팔레트와 반복적인 패턴을 특징으로 하여 관객들이 불안정하거나 균형을 잃은 느낌을 주는 역동성을 만들어냈습니다. 그녀의 그림 속 패턴은 움직이는 것처럼 보였습니다. 그러나 브리짓 라일리의 작업은 단순히 시각적 착시로 눈을 속이는 것 이상의 의미를 가지고 있습니다. 그것은 인식에 관한 것입니다. 그것은 우리가 얼마나 주의 깊게 바라보는지, 우리의 시각이라는 선물이 얼마나 소중하다고 믿는지, 그리고 우리가 세상을 바라보는 방식이 우리의 감정에 어떻게 영향을 미칠 수 있는지에 관한 것입니다.

젊은 브리짓 라일리

젊은 예술가였던 브리짓 라일리는 종종 좌절감을 느꼈다. 그녀는 런던, 링컨셔, 그리고 콘월에 있는 여러 어린 시절 집 주변의 환경을 자유롭게 탐험할 수 있는 것을 소중히 여겼다. 그녀는 타고난 호기심과 실험하고자 하는 열망을 가지고 있었다. 그러나 20대에 로열 아카데미 오브 아트에서 공부하면서 그녀는 교수들에 의해 호기심과 실험 정신이 억제되는 것을 발견했다. 그녀는 자신에 대한 확신 없이 졸업했다. 그리고 그녀의 방향 감각 부족은 아버지가 자동차 사고로 입원하게 되면서 더욱 악화되었고, 그녀는 그의 돌봄에 책임을 지게 되었다. 이러한 스트레스가 겹치면서 그녀는 완전한 정신적 붕괴를 겪게 되었다.

회복의 전환점은 라일리가 1956년 런던의 테이트에서 열린 추상 표현주의자들의 전시회를 방문했을 때 찾아왔다. 그들의 작품은 그녀의 실험하고 진정한 비전을 탐구하고자 하는 열망을 확인시켜 주었고, 그녀는 곧 다시 그림을 그리기 시작했다. 그녀는 어린 소녀들에게 미술을 가르치는 일을 찾았고 상업 일러스트레이터로 일자리를 얻었다. 그리고 그녀는 공간 관계, 형태 및 패턴과 같은 요소의 힘을 주장하는 해리 서브론과 여름 수업에 등록했다.

브리짓 라일리 - 사각형의 움직임, 1961. 템페라, 하드보드 위. 123.2 x 121.2cm. 아트 카운슬 컬렉션, 사우스뱅크 센터, 런던. © 2019 브리짓 라일리 (왼쪽) / 브리짓 라일리 - 인테이크, 1964. 아크릴, 캔버스 위. 178.5 x 178.5 cm. © 2019 브리짓 라일리 (오른쪽)

광학적 현실

해리 서브론과 함께 미학의 형식적 요소에 대한 연구에서, 특히 눈이 공간에서 형태를 인식하는 방식에 대해, 라일리는 자신의 진정한 목소리를 찾는 데 다시 헌신하게 되었다. 그녀는 1960년에 이탈리아로 이주하여 미래주의자들의 작품을 연구했다. 그들의 움직임 탐구에 영감을 받아, 그녀는 특히 조르주 쇠라의 분할주의자들의 아이디어를 연구하게 되었다. 이러한 연구의 총합은 그녀가 회화에 대한 독특한 접근 방식을 개발하도록 이끌었다: 즉, 시각적 인식에 영향을 미치기 위해 2차원 표면을 변형하는 방법을 탐구하는 방식이다.

그녀는 관객들이 그림을 바라보는 방식을 도전하기 위해서는 모든 재현적 내용을 제거해야 한다는 것을 알았다. 재현적 이미지는 그녀의 주요 아이디어에서 주의를 분산시킬 뿐이었다. 그래서 그녀는 시각 언어를 단순화하여 오직 흑백과 선, 형태, 형상의 요소만을 사용하기로 했다. The Responsive Eye의 카탈로그에서 큐레이터 윌리엄 C. 세이츠는 라일리가 만들고 있는 작업을 "새로운 지각 예술"이라고 불렀다. 세이츠는 이 예술이 순수 미적 영역을 넘어 무엇을 성취할 수 있는지에 대한 기대의 기준을 높였다. 그는 물었다. "자신을 제외한 어떤 것도 언급하지 않는 이러한 작품들이 버려진 내용을 심리적 효과로 대체할 수 있을까? 기능적 이미지에 대한 고급 이해와 적용이 망막 자극에서 감정과 아이디어로 가는 새로운 길을 열 수 있을까?" 이것이 바로 라일리가 자신에게 던지고 있던 질문들이었다.

브리짓 라일리 - 체포 1, 1965. 에멀젼 캔버스, 70 x 68 1/4 인치. © 2019 브리짓 라일리 (왼쪽) / 브리짓 라일리 - 체포 2, 1965. 아크릴 리넨. 액자 없음: 6피트 4 3/4 인치 x 6피트 3 인치 (194.95 x 190.5 cm). 액자 있음: 6피트 7 3/8 인치 x 6피트 5 3/4 인치 x 2 3/4 인치 (201.61 x 197.49 x 6.99 cm). 넬슨 아트킨스 미술관 소장. 윌리엄 T. 켐퍼 재단 - 상업은행, 수탁자의 관대함을 통해 획득. © 브리짓 라일리. 모든 권리 보유, 카스텐 슈베르트, 런던 제공 (오른쪽)

반응하는 공공

반응하는 눈에 대한 대중의 반응은 열광적이었다. 전시의 이미지에서 나타나는 매혹적이고 환상적인 효과는 관객들을 열광하게 만들었다. 디자이너들은 빠르게 흑백 패턴을 차용하여 드레스, 안경, 도시락, 자동차 등 모든 가능한 제품에 사용했다. 그러나 그 놀라운 요소는 라이리에게 별로 매력적이지 않았다. 그녀는 자신의 작업의 더 깊은 의미에 더 관심이 있었다. 맞다, 멋져 보였다. 하지만 그녀는 표면적인 외관 아래에서 작용하는 정신적 과정을 발견하고 싶어 했다.

1966년, 그녀의 흑백 스타일이 국제적인 인기를 얻자, 라일리는 자신의 비전을 더 깊이 탐구하기 위해 작업에 색상을 추가하는 노력을 시작했습니다. 그녀는 두 해 동안 조르주 쇠라의 점묘법 그림 쿠르부아즈의 다리를 연구하고 반복적으로 복사했습니다. 그 안에서 그녀는 선형 구조와 패턴의 숙련도를 보았습니다. 또한 그녀는 색상 조합의 숙련도를 보았고, 서로 다른 색상이 사려 깊은 방식으로 나란히 배치될 때 인간의 눈에 의해 인식될 때 움직임의 감각을 만들어내는 방법을 보여주었습니다.

브리짓 라일리 - 오리엔트 IV, 1970. 아크릴화. 223.5 x 323 cm. © 브리짓 라일리

줄무늬는 영원하다

색상 팔레트를 복잡하게 만드는 동시에, 라일리는 형태의 언어를 단순화했다. 그녀는 거의 사각형, 삼각형, 원을 제거하고 1970년대와 1980년대 동안 주로 줄무늬에 집중했다. 줄무늬는 반복 연구에 쉽게 적용될 수 있으며, 라일리는 이것이 사람들이 의도적으로 이미지를 진정으로 바라보도록 하는 데 필수적이라고 인식했다. 줄무늬의 형태는 본질적으로 안정적이다. 그녀가 발견한 그 안정성은 색상 연구에 필수적이다. 왜냐하면 색상은 본질적으로 불안정하기 때문에, 그것의 인식은 빛과 주변 색상과 같은 다른 요인에 의존하기 때문이다.

라일리는 직선과 물결 모양의 수평 및 수직 줄무늬를 조합하여 사용했습니다. 그녀는 각 작품을 작은 종이 조각에서 시작하여 색상 조합과 패턴을 테스트했습니다. 움직이는 것처럼 보이는 색상 조합과 줄무늬 패턴에 도달하면, 그녀는 그것을 큰 캔버스에 옮겨 손으로 그렸습니다. 그녀의 다채로운 줄무늬 그림의 각 줄무늬는 서로 정밀하게 융합되는 다양한 색상의 진화를 포함하고 있어, 각 줄무늬를 바라볼 때 눈은 다음 색상의 힌트를 인식합니다. 이러한 진화는 눈이 표면을 가로질러 이동할 때 움직임의 감각을 만들어냅니다.

음악의 광경

줄무늬의 안정성이 그녀의 색상 발견에 필수적이었지만, 궁극적으로 색상이 그녀의 미적 비전을 달성하는 데 도움을 주었다. 그녀는 "색상의 음악, 그것이 내가 원하는 것이다"라고 말했다. 세라트에서 지아코모 발라, 소냐 드로네이, 요제프 알버스에 이르기까지 많은 다른 예술가들이 깨달았듯이, 모든 색상은 감정적 반응을 불러일으킬 수 있다. 그리고 함께 사용될 때, 다양한 색상은 진동하는 것처럼 보이며, 관객에게 예측할 수 없는 감정적 반응을 생성한다. 그 예측 불가능성은 라일리가 그녀의 그림에 대한 이상적인 목표를 달성하는 데 도움을 주었으며, 그녀는 그것이 "경험을 제공해야 한다; 가능성을 제공해야 한다."고 말했다.

라일리가 그녀의 색깔이 있는 줄무늬 그림을 통해 발견한 미적 발견은 그녀가 정밀한 실험가이기 때문에 이루어졌다. 그녀는 시도하는 각 색상 조합과 패턴에 대한 엄격한 노트를 유지하여 필요할 경우 반복할 수 있도록 한다. 그러나 그녀의 색상과 줄무늬에 대한 실험은 과학적으로 보이지만, 가설을 증명하려고 하는 의미에서 과학적이지는 않다. 오히려 그것들은 미적인데, 알려지지 않은 것을 발견하고 그것을 드러내고자 하는 의미에서 그렇다.

브리짓 라일리 - 카니발, 2000. 색상 스크린프린트, 와베지 종이에, 전체 여백 포함. 28 3/5 × 35 9/10 인치. 72.7 × 91.1 cm. 에디션 55/75 + 10AP. © 2019 브리짓 라일리

주요 목표

오늘, 80대 중반의 나이에, 라일리는 계속해서 그림을 그리고 있다. 그녀는 이제 기하학적 형태, 곡선 형태, 대각선의 혼합을 탐구하고 있다. 그녀의 최신 그림의 패턴은 훨씬 넓어져, 매우 다른 인상을 주고, 매우 다른 감정을 불러일으킨다. 수십 년 전의 그녀의 줄무늬 그림들은 그녀의 지각에 대한 평생의 탐구를 강력하게 나타내는 작품으로 남아 있다. 그것들은 단순히 눈을 속여 깊고 주관적인 지각의 영역으로 이끄는 것을 넘어선다.

이 작품들에서 중요한 것은 그것들이 단지 우리가 그것들을 보는 방식뿐만 아니라 모든 것을 보는 방식에 도전한다는 점이다. 라일리가 사용하는 줄무늬는 형태가 가질 수 있는 것처럼 간단할 수 있다. 그러나 그것들을 살펴보는 동안 드러나는 변형들은 무한해 보인다. 라일리는 한때 이렇게 말했다. “반복은 단독으로 보면 거의 보이지 않을 시각적 사건의 일종의 증폭기로 작용한다.” 그녀의 줄무늬는 그 철학을 보여준다: 우리의 시각적 세계의 겉보기 단순함 아래에는 복잡성이 숨어 있으며, 우리가 정말로 주의를 기울일 시간을 가진다면 그것을 발견할 수 있다. 그것들은 우리가 주의 깊고 가까이 바라보며, 보는 것의 소중한 선물을 온전히 감상할 것을 간청한다.

특집 이미지: 브리짓 라일리 - 대화 (세부), 1992. 리넨에 유채. 92 x 126cm. 애봇 홀 미술 컬렉션. 1996년에 구입. © 브리짓 라일리
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio