소냐 들라unay의 입체파와 색채 탐구

소냐 들라unay의 전문적인 업적에 대해 많은 글이 쓰여질 수 있었고, 실제로 쓰여졌다. 그녀는 20세기 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명이었다. 20대에 그녀의 비전 있는 추상 접근법은 그녀를 최초의 모더니스트 예술가 중 한 명으로 만들었다. 30대에 그녀는 자신의 스튜디오 작업을 게잠트쿤스트베르크 또는 총체적 예술 작품의 구현으로 변모시켰으며, 바우하우스가 존재하기 2년 전부터 바우하우스 이상을 보여주었다. 그녀는 생애 동안 독특하고 영향력 있는 회화 작품을 창작했으며, 94세에 사망하기 직전까지 계속해서 작업했다. 그리고 회화 외에도 그녀는 패션, 극장, 영화, 출판 등 다양한 디자인 활동에 참여했다. 79세에 그녀는 루브르에서 두 번째로 살아있는 예술가로서 회고전을 열었고, 그 이정표를 달성한 첫 번째 여성 예술가가 되었다. 소냐 들라unay가 현대적 의미에서 자신의 페르소나를 브랜드로 효과적으로 전환한 첫 번째 예술가라고 쉽게 주장할 수도 있다. 그러나 이러한 외부 성취에만 집중하는 것은 그녀가 처음부터 그러한 것을 달성하는 것이 목표였다는 것을 암시할 것이다. 그러나 사실, 들라unay는 그런 의도가 없었다. 그녀의 유일한 목표는 진정으로 색상, 형태 및 구성을 탐구하고, 그녀가 자신 안에서 찾고자 했던 것의 미지의 본질을 그녀의 예술을 통해 세상에 드러내는 것이었다.

소냐 드로네이 되기

소냐 들라unay의 초기 생애 이야기는 모든 부모에게 공감될 수 있습니다. 기회를 창출하거나 잡지 못하는 것이 얼마나 쉬운지, 그리고 상황의 가장 작은 변화가 아이의 성공 가능성에 얼마나 깊은 영향을 미칠 수 있는지를 보여줍니다. 소냐 들라unay는 현재 우크라이나에 해당하는 지역의 노동자 계급 가정에서 사라 일리니치나 스턴으로 태어났습니다. 그녀의 고향에서의 기회는 심각하게 제한되어 있었지만, 그녀는 상트페테르부르크에 있는 부유한 삼촌과 이모인 앙리와 안나 테르크가 있었습니다. 테르크 부부는 자녀를 가질 수 없었고, 그들은 힘든 상황에 있는 사라를 입양해 달라고 요청했습니다. 그녀의 어머니는 처음에 저항했습니다. 그러나 사라가 다섯 살이 되었을 때, 그녀의 어머니는 마침내 마음을 바꾸고 그녀가 삼촌과 이모와 함께 상트페테르부르크로 영구 이주하는 것을 허락했습니다.

상트페테르부르크에 도착하자마자, 사라는 이름을 소니아 터크로 바꾸었다. 새로운 이름과 함께 새로운 경험과 훨씬 더 다양한 가능성이 찾아왔다. 이모와 삼촌과의 생활은 세계 여행, 최고의 교육, 그리고 정기적인 박물관 및 도서관 방문을 포함했다. 그녀는 집에서 예술 서적을 탐독하고 다양한 주제에 대해 지적 토론에 참여할 수 있었다. 16세가 되었을 때 그녀는 예술가가 되고 싶다는 관심을 키웠다. 터크 가족은 그녀의 관심을 격려했고, 18세에 그녀를 독일로 보내 예술을 공부하게 했다. 2년 후인 1905년, 그녀는 다시 이사했는데, 이번에는 유럽의 아방가르드 예술의 중심지인 파리로 갔다.

모더니스트 시인 블레즈 생드라르의 책으로, 1913년에 소냐 들로네이의 제본과 일러스트가 포함되어 있습니다.

색깔을 발견하다

파리에서 소냐 들라네이는 학교에서 예술을 계속 공부했지만, 그녀의 성향에는 선생님들과의 경험이 너무 학문적이고 형식적이었다. 그녀는 실험적인 유럽 예술가들, 특히 후기 인상파의 작품을 전시하는 갤러리에서 훨씬 더 많은 영감을 받았다는 것을 알게 되었다. 그녀는 완벽한 시기에 파리에 도착했다. 그녀는 입체파의 새벽에 아방가르드 커뮤니티의 중심에 있었고, 기하학적 평면이 4차원 현실을 전달하기 위해 처음 채택되었을 때였다. 그리고 그녀는 미래주의 선언서가 프랑스 신문에 처음 인쇄되었을 때 그곳에 있었고, 이는 예술적 대화의 최전선에 움직임의 개념을 가져왔다. 그리고 그녀가 도시로 도착했을 때 그들의 영향력이 절정에 달했던 포비스트들은 그녀에게 깊은 영감을 주었다. 그녀는 그들의 찬란하고 빛나는 색상 사이의 관계를 그녀의 눈이 인식하고 그녀의 감정이 경험하는 방식에 의해 본능적으로 감동을 받았다.

소니아 들라unay가 파리에 도착한 후 제작한 초기 그림들은 이러한 다른 운동의 많은 아이디어를 형상적으로 탐구했습니다. 그러나 그녀는 다른 무언가를 찾고 있었습니다. 구체적으로, 그녀는 색상의 요소를 그 자체의 가치로 탐구할 방법을 원했습니다. 하지만 그녀는 또한 직관적이고 자유롭고 싶어 했습니다. 그녀는 동시대 사람들 사이에서 교환되는 학문적 이론에 별로 관심이 없었고, 그것이 "너무 정교해. 나는 자연과 삶에 더 가깝다"고 한 번 설명했습니다, 그녀의 생애 말기에. "나는 내 안에서 무언가를 찾고 있었고 조금씩 그것이 추상화가 되었다"고 말했습니다.

소니아 들라unay - 노란 누드, 1908. 낭트 미술관, 낭트. © 프라쿠사 2014083

추상화 찾기

소냐 드로네이가 비객관적 회화를 완전히 수용하게 된 획기적인 전환점은 가장 예상치 못한 방식으로 찾아왔다. 그녀의 고향을 떠나 상트페테르부르크로 간 것처럼, 이는 그녀가 자신의 운명을 만들기 위해 내린 대담한 선택에서 비롯되었다. 파리에 처음 도착했을 때, 그녀는 주요 아방가르드 예술가들을 전시하는 갤러리 소유자이자 작가인 빌헬름 우데와 친구가 되었다. 그녀와 그는 "둘 다 추상적인 무언가를 찾고 있다."고 말했듯이, 같은 영혼을 가진 사람들이었다. 그들은 로맨틱한 매력 때문이 아니라 서로에게 실질적인 이점을 제공하는 arrangement 때문에 결혼했다. 소냐에게는, 이것이 그녀의 출생 어머니로부터 예술가로서의 경력을 포기하라는 압박에서 벗어나는 길이 되었다.

그로부터 1년이 채 되지 않은 어느 날 밤, 갤러리에서 소냐는 로베르 드로네이라는 의견이 뚜렷하고 열정적인 젊은 예술가를 만났다. 두 사람은 즉각적인 연결을 느꼈고 사랑에 빠졌다. 소냐는 우데에게 이혼을 요청했고, 그는 우호적으로 이를 허락했으며, 다음 해 로베르와 결혼했다. 두 사람이 첫 아이를 가졌을 때, 소냐는 고향의 러시아 민속 예술 전통을 바탕으로 한 기법으로 아기를 위해 수제 퀼트를 만들었다. 퀼트가 완성되었을 때, 그녀는 그 안에서 자신이 찾고 있던 영감을 보았다. 그 형태들은 그녀에게 입체파의 평면을 떠올리게 했지만, 형태들 사이의 색상 관계는 전체 구성을 생동감 있게 만들었다. 소냐 드로네이가 본능적으로 아이를 위해 만든 그 퀼트는 그녀의 모든 미래 추상 작업의 기초가 되었다.

소니아 들라unay가 1911년에 그녀의 아기를 위해 만든 퀼트는 현재 프랑스 파리의 국립 현대 미술관 소장품의 일부입니다.

오르페우스 입체주의

파리의 저녁에 소냐 들라unay와 그녀의 남편 로베르 들라unay는 함께 도시를 걸으며 예술에 대해 이야기하곤 했다. 그들의 산책 중에 그들은 막 설치되기 시작한 전기 조명에 감탄했다. 그들은 도시의 색상이 합성 조명에 의해 어떻게 영향을 받는지에 대해 논의하고, 빛이 만들어내는 형태와 패턴에 기뻐했다. 산책에서 집으로 돌아오면, 각자는 소냐가 만든 퀼트에서 영감을 받아 추상적인 색과 형태의 언어를 사용하여 그들의 경험을 캔버스에 담으려 노력했다.

그들은 그들의 독특한 시각적 접근 방식을 simultanéisme.이라고 불렀다. 이 단어는 색상과 형태 간의 관계, 그리고 그들의 구성에서 여러 현실이 동시에 존재하는 것을 나타내는 것이었다. 소냐와 로베르가 이러한 그림을 전시했을 때, 그들의 친구이자 미술 비평가인 기욤 아폴리네르는 그들의 새로운 스타일을 오르픽 큐비즘, 또는 오르피즘이라고 명명했다. 그 언급은 결코 완벽하게 명확하게 이루어지지 않았지만, 이 용어는 전설적인 음악으로 모든 생물과 사물을 매료시킬 수 있었던 신화적인 그리스 음악가이자 시인 오르페우스와 관련이 있다.

소니아 들라unay - 리듬, 1938. 유화. 182 x 149 cm. 파리, 프랑스 현대미술관.

색의 시

오르페우스에 대한 언급이 소냐 들라unay의 작업에 적절해 보이지만, 입체파와의 비교는 잘못된 것입니다. 입체파는 미학적일 뿐만 아니라 학문적이기도 했습니다. 로베르트 들라unay는 열렬한 이론가이자 분석가였지만, 소냐는 직관적으로 작업하고 탐구와 실험에 중점을 두는 것을 선호했습니다. 그녀는 그 이분법에 대해 한 번 이렇게 말했습니다. “그는 이야기했지만, 나는 깨달았다.” 비록 소냐가 입체파와 유사한 형태의 언어를 사용했지만, 그녀는 그들과 공통된 지적 목표가 없었습니다. 그녀의 형태는 색상의 그릇일 뿐이었습니다. “기하학적 형태가 있다면,” 그녀는 한 번 소르본에서 말하며 설명했습니다. “그것은 이러한 단순하고 관리 가능한 요소들이 색상의 분포에 적합하다고 나타났기 때문입니다. 그 관계가 우리의 탐구의 진정한 대상입니다.”

소니아는 종종 회화를 시와 비교했습니다. 소니아 들라unay는 자신이 다양한 해석을 불러일으킬 수 있는 색상의 조합을 찾고 있으며, 동시에 여러 의미를 창출하는 것을 추구한다고 보았습니다. 그녀에게 예술 활동을 디자인 세계로 확장하는 것은 자연스러운 일이었습니다. 그녀가 경험한 바에 따르면, 예술과 삶 사이에는 분리가 없었습니다. 그녀의 작품이 자동차의 측면에 있든, 모피 코트에 있든, 연극의 의상에 있든, 캔버스의 표면에 있든 그녀는 차이를 보지 않았습니다. 그녀는 "색상은 단어이고, 그 관계는 리듬이다"라고 믿었으며, 그녀가 그것들을 결합하기로 선택한 어떤 방식이든 그녀의 노력으로 인해 그것들은 "완성된 시"가 되었다고 믿었습니다.

소니아 들라unay - 그란드 엘리세 루즈, 약 1970. 리토그래프. 72.5 x 88.5 cm. (28.5 x 34.8 인치)

특집 이미지: 소냐 들라unay - 싱코페이티드 리듬, 이른바 검은 뱀 (세부), 1967
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio