지금 소유할 수 있는 수채화
수채화 그림은 종종 시적인 연상을 불러일으키는 독특한 물리적 특성을 지니고 있습니다. 이 매체는 반투명하여 과거의 층이 항상 표면 바로 아래에 보입니다. 수채화는 결코 고정된 것이 아닙니다. 물을 조금만 더 묻히면 모든 것이 변할 수 있습니다. 수채화가 이루어낸 성과는 쉽게 씻겨 내려갈 수 있기 때문에 반드시 보호되어야 합니다. 그리고 수채화가 다공성 표면 위에서 자유롭고 다루기 힘들게 퍼져 나가는 모습은 살아있는 자연의 힘과 같습니다. 이탈리아 화가 프란체스코 클레멘테가 한때 말했듯이, “수채화를 볼 때… 살아있는 것처럼 느껴진다...” 특히 추상 화가들에게 수채화가 특별한 매력을 지니는 이유 중 하나는 이 매체가 명암과 색조 같은 미적 특성만으로 자유, 생기, 투명함, 섬세함, 그리고 천상의 느낌 같은 개념을 표현할 수 있기 때문입니다. 즉, 수채화를 감상하는 다른 이유들 외에도, 집에 수채화 작품을 들여놓으면 모든 것이 끊임없이 변하고 있음을 상기시키며 소중한 것을 즐겨야 한다는 기분 좋은 알림을 지속적으로 제공할 수 있습니다. 여기 수채화 작업을 하는 다섯 명의 현대 추상 화가들과 지금 바로 소유할 수 있는 그들의 수채화 작품 몇 점을 소개합니다.
Melissa Meyer
뉴욕 여행 중에 Melissa Meyer의 작품을 보셨을 수도 있습니다. 그녀의 그림과 판화는 MoMA, 메트로폴리탄 미술관, 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 유대인 박물관, 브루클린 미술관 등 많은 박물관의 영구 소장품에 포함되어 있습니다. 그녀의 활기차고 직관적인 구성은 자신감 있는 색채와 형태의 언어, 그리고 현실의 일시적인 본질을 불러일으키는 방식으로 잘 알려져 있습니다.
2007년에 그려진 Ambassade 44는 Meyer가 암스테르담에서 가장 좋아하는 호텔인 앰배서드를 이름으로 붙인 수채화 시리즈의 일부입니다. 직접 보셨다면, 이 작품의 불완전한 수직 기둥 모양들이 17세기 호텔의 건축적 존재감을 떠올리게 할지도 모릅니다. 또는 생생한 색채의 상호작용이 도시의 에너지와 빛의 깜박이는 춤을 말해줄 수도 있습니다. 이 그림의 반투명한 층들은 현재와 과거에 대한 생각을 밝히며 기억, 감정, 그리고 무한한 가능성의 세계를 떠올리게 합니다.
추상 수채화 작품을 만드는 것 외에도 Melissa Meyer는 독특한 수채화 모노타입을 자주 제작합니다. 그녀의 작업 과정은 아세테이트 시트에 수채화 이미지를 그린 후 프레스를 통과시켜 각 판화에 여러 층을 만드는 방식입니다. 각 수채화 모노타입은 독특한 예술 작품입니다. 이 작품은 Beatles의 노래 Love Me Do에서 이름을 따온 Meyer의 시리즈 중 하나입니다. 이 작품의 기발하고 서정적인 특성은 Meyer가 음악에서 받는 영감을 반영합니다.
Melissa Meyer - Ambassade 44, 2007. 뜨거운 프레스 용지에 수채화. 19.7 x 31.9 인치
Jessica Snow
샌프란시스코를 기반으로 활동하는 화가 Jessica Snow의 그림은 가벼움, 색채, 그리고 구조와 놀이 사이를 오가는 구성 세계로 정의됩니다. Snow는 자신의 그림에 대해 “내 작품의 색과 형태가 그 사람으로 하여금 이 세상에서 더 편안함을 느끼게 하길 바란다.”고 말했습니다. 즉흥성이 그녀 작업에 매우 중요하며, 그녀는 자신의 그림이 “막 일어난 것처럼” 보이길 원합니다. 활발한 작업 외에도 Snow는 샌프란시스코 대학교에서 스튜디오와 미술사 수업을 가르치고 있습니다. 그녀는 미국 전역뿐 아니라 호주, 네덜란드, 프랑스, 독일에서도 전시를 했습니다.
그녀의 Fling 시리즈 수채화는 매체의 독특한 특성을 활용해 활기차고 생동감 있는 에너지를 표현합니다. 명암의 변화에서 오는 밀고 당기는 느낌이 구성에 깊이를 더합니다. 일부 붓질과 형태는 생성되거나 사라지는 중인 듯 보이고, 다른 것들은 존재감을 확신하며 주장합니다. 이 작품들은 Snow가 혼돈과 질서, 선과 형태, 그리고 기하학과 자연 사이의 상호작용에 관심을 갖고 있음을 반영합니다. 이 시리즈는 또한 그녀가 계속해서 탐구하는 구성과 형태에 제스처적 요소를 더한 것입니다.
Jessica Snow - Fling 1, 2015. 종이에 수채화. 12.2 x 12.2 인치 (왼쪽) 및 Fling 3, 2015. 종이에 수채화. 14.2 x 9.8 인치 (오른쪽)
Peter Soriano
2011년, 프랑스계 미국인 화가 Peter Soriano의 작품은 런던에서 열린 임시 회화 전시에 포함되었으며, 리처드 터틀과 줄리안 슈나벨 등의 작품과 함께 전시되었습니다. 이 전시는 라파엘 루빈스타인이 Art in America에 2009년에 쓴 동명의 기사에서 이름을 따왔습니다. 기사와 전시 모두 의도적으로 미완성이고 연약한 특성을 지닌 작품을 식별하는 데 목적이 있었으며, 마치 중간 상태에 있어 나중에 수정될 수 있는 것처럼 보이는 작품들을 의미합니다.
Peter Soriano - Porch Drawing 6, 2010. 스프레이 페인트, 연필, 잉크, 종이에 수채화. 18.9 x 39.4 인치
Soriano는 수채화 외에도 다른 매체를 함께 사용하여 그의 그림에서 일부 요소는 안정적이고 다른 요소는 변화하는 듯한 느낌을 줍니다. 같은 작품 안에서 매체를 병치함으로써 각각의 특성을 표현할 기회를 얻어, 수채화만으로는 불가능한 질감과 입체감을 구성에 부여합니다. 그의 작품 L.I.C (Blue)에서 L.I.C.는 현재 작업실이 있는 롱아일랜드 시티를 가리킵니다. 수채화는 Soriano가 공간을 개조하면서 제거한 다양한 건축 요소들의 덧없음을 불러일으킵니다.
Peter Soriano - L.I.C. (Blue), 2015. 스프레이 페인트, 연필, 잉크, 종이에 수채화. 37.8 x 38.6 인치
Laura Newman
뉴욕을 기반으로 활동하는 화가 Laura Newman의 작품에는 저 너머에 대한 느낌이 내재되어 있습니다. 자신감 있는 형태들이 그녀의 그림을 채우지만, 그녀가 창조하는 이미지는 여전히 열린 결말을 지닙니다. 요소들은 항상 변화하고 변형되는 듯하며, 이는 그녀 작업실을 둘러싼 도시 환경과 닮아 있습니다. Newman은 수채화, 잉크, 아크릴 같은 매체를 결합하여 대기감 있는 효과를 내며, 복잡하고 층이 진 구성을 통해 안정적이면서도 역동적인 느낌을 줍니다.
Laura Newman - Drybrush With Building, 2014. 잉크, 아크릴, 종이에 수채화. 29.9 x 21.7 인치
그녀의 수채화 작품 Swoop과 Frames, Swerve는 인도 여행 중 발견한 수제 종이인 와슬리 위에 그려졌습니다. 그녀의 작품 Drybrush with Building은 메인 주 디어 아일의 환경적 주변을 다루기 위해 만든 시리즈의 일부입니다.
Laura Newman - Swoop, 2015. 아크릴과 수채화, 수제 와슬리 종이 위에. 29.9 x 22 인치
Jose Heerkens
네덜란드 화가 Jose Heerkens는 서로 다른 색채의 상호작용으로 만들어지는 움직임의 감각에 관심이 있습니다. 그녀의 선형 구성은 수평과 수직 격자 및 색의 명암 차이를 활용하여 입체감을 만듭니다. Heerkens에게 격자는 그녀 작품의 지지대 역할을 하며, 건축적인 존재감을 부여합니다.
그녀의 작품에서 색채는 구조 내에서 자연의 힘으로 작용합니다. 형태와 선의 요소들이 만든 정해진 경계 안에서 역동적인 존재감을 만들어냅니다. Heerkens는 “그림 그리는 과정의 복잡함 속에서 나는 단순함과 명료함을 추구한다.”고 말했습니다. 그녀의 수채화 작품에서 매체의 투명성은 구성에 더욱 강한 움직임과 리듬감을 더해, 그녀가 말하듯 “걷는 발걸음 같은” 느낌을 발전시킵니다.
Jose Heerkens - P18, Travelin' Light, 2013. 하네뮬레 300g 종이에 수채화. 25.6 x 19.7 인치
대표 이미지: Melissa Meyer - Love Me De (X), 2010. 수채화 모노타입. 20.9 x 28.7 인치
필립 Barcio 제공
