에이미 실먼의 내러티브 대 추상화
현재 에이미 실먼의 전시가 뉴욕의 글래드스톤 64 갤러리에서 열리고 있어 머리가 어지럽습니다. 에이미 실먼: 주로 드로잉이라는 제목의 이 전시는 제목이 암시하듯 자신의 정체성을 가지고 장난치는 새로운 종이 작품 시리즈를 선보입니다. 아크릴 페인트가 포함되어 있으니, 이것들은 그림이죠? 하지만 캔버스가 아닌 종이에 그려졌으니, 드로잉이죠? 또 한편으로는 부분적으로 실크스크린 처리되었습니다. 그렇다면 이것들은 프린트라는 뜻인가요? 실먼을 잘 아는 분이라면 그녀가 이 제목을 진지함과 조롱이 섞인 방식으로 보이게 하려는 의도를 가지고 있다는 것을 아실 겁니다. 진지한 측면에서 그녀는 단순히 솔직하게 말하고 있습니다—이 이미지들은 정말로, 주로, 드로잉입니다. 조롱의 측면에서는, 그녀는 그것들이 무엇이라고 불리는지에 대해 신경 쓰는 것의 부조리를 강조하고 있습니다. 그녀의 최근 에세이 색에 대하여에서 실먼은 팝 아트의 선구자 Peter 솔을 언급하며, "[주된] 내가 생각하는 것은 아이디어, 또는 문학적 내용, 또는 그것이 무엇이든 간에, 예술 재료 앞에 내놓는 것입니다."라고 말했습니다. 다시 말해, 우리가 예술 작품을 바라볼 때 그것이 무엇으로 만들어졌는지, 또는 그림인지 드로잉인지에 대해 이야기해야 한다면, 우리는 도대체 왜 그것에 대해 이야기하고 있는 걸까요? 그런 정신으로, 저는 이 전시의 작품들을 이미지 자체의 힘만으로 고려했습니다. 그것이 저를 어지럽게 하고 있습니다. 저는 그들의 힘, 존재감, 그리고 추상과 내러티브의 가치에 대한 논쟁에 주입하는 에너지에 감동받았습니다.
한쪽 눈이 보는 것
Sillman의 이 새로운 작품들에서 제가 처음으로 눈여겨본 것은 그 즉각성입니다. 각 이미지는 마치 얼굴에 한 대 맞는 것처럼—대담하고, 인상적이며, 명료합니다. 이 사진들 중 어떤 것도 1979년의 한 인디 밴드의 수제 카세트 커버를 장식할 수 있었을 것입니다. 하지만 동시에, 이들은 미래에서 돌아온 것처럼 보입니다—파괴된 도시 풍경의 문양처럼, 우리가 피해야 할 전투의 상처를 기록하고 있습니다. 다음으로 저는 이 사진들이 전달하는 질감에 대해 본능적인 반응을 느꼈습니다. 많은 골목과 도시 벽을 연상시키는 질감입니다. 그들의 표시는 저에게 빠르게 생각하고 요점을 파악하라고 말합니다. 그들의 층은 시간에 대해 이야기하며, 아무것도 새롭지 않다고 속삭입니다—그리고 때로는 무엇이 먼저 일어났는지 알 수 없다는 것입니다. 마지막으로, 저는 팔레트를 주목했습니다. 저는 색상이라고 하지 않고 팔레트라고 말하는데, 이는 Sillman이 색상에 대해 한 말에 동의하기 때문입니다: “색상의 부정할 수 없는 최종 사실은 당신이 다른 눈이 무엇을 보고 있는지 결코 알 수 없다는 것입니다.”
Amy Sillman - Mostly Drawing, solo show at Gladstone 64, installation view, Jan 26 - Mar 3, 2018, photo courtesy Gladstone 64
이 작품 집합에서, 실먼은 밝음과 어둠을 기반으로 한 색상 범위를 사용했습니다. 이 팔레트는 쇼에 태도를 부여하며, 그 태도는 부인할 수 없는 자신감입니다. 저는 처음에 전체 쇼를 멀리서 바라보았고; 그 다음에는 작품들을 가까이에서 보았고; 마지막으로 중간 거리에서 이미지 그룹을 보았습니다. 각 관점은 음영과 톤 간의 대화에 의해 안내되었습니다—검정과 흰색. 다른 색상들은 어둠과 밝음의 맥락에서만 그 개성을 주장합니다. 그들은 색상 이상의 존재가 되며; 형태 이상의 존재가 되고, 선 이상의 존재가 됩니다. 그들은 이미지의 이야기의 일부가 됩니다. 이것이 이 이미지들이 구상적이라는 것을 의미하지는 않습니다. 그것이 그들이 마지막으로 가진 특성입니다. 그들은 의심할 여지 없이 추상적입니다. 그러나 각 이미지는 이야기처럼 느껴지거나—때때로 소리처럼 들리기도 합니다—숨이 막힐 듯한 이야기를 전하는 사람에 의해 전해지는 이야기입니다: 누군가가 흥분하거나, 곤경에 처하거나, 미친 듯이 또는 크게 웃고 있는 이야기입니다. SK20 은 저에게 "여기 오기 위해 달렸어요—뒤에서 쫓기고 있었어요."처럼 들립니다. SK28은 화가 나 보이지만, 다시 보니 두려워 보입니다. SK30은 제 주의를 요구합니다, 마치 소리치고 있는 것처럼, "그건 잊어버려! 신경 쓰지 마! 여기 봐! 나를 들어봐!"
Amy Sillman - Mostly Drawing, solo show at Gladstone 64, installation view, Jan 26 - Mar 3, 2018, photo courtesy Gladstone 64
전쟁과 평화를 이루다
이 이미지들의 전반적인 시각 언어는 나를 끌어당기고, 그 일부를 나 자신을 위해 소유하고 싶게 만듭니다. 내가 꼭 소유하고 싶다는 의미는 아닙니다. 작품 중 하나를 구매하는 것처럼 말이죠. 물론 가능하다면 그렇게 하고 싶습니다. 하지만 내가 의미하는 바는 그들의 정신과 친밀감을 주장하고 싶다는 것입니다. 그 욕망은 부분적으로는 사진 자체와 관련이 있습니다. 네, 그들은 Sillman이 만든 이미지 중 내가 가장 좋아하는 것들입니다. 하지만 그것은 매우 개인적인 진술입니다. 이 욕망은 보편성과 더 관련이 있습니다. 이 작업의 본체가 이야기하는 더 큰 이야기와 관련이 있습니다. 이 이미지 각각은 이상하게도 서사적이지만, 가장 해독할 수 없는 방식으로 그렇습니다. 그들의 서사는 직관적으로 파악해야 하며, 일단 인식되면 잊혀질 수 없습니다.
Amy Sillman - Mostly Drawing, solo show at Gladstone 64, installation view, Jan 26 - Mar 3, 2018, photo courtesy Gladstone 64
이 작품들은 집단적으로 더 큰 주제를 이야기합니다. 즉, 상상력의 황야와 문화의 강철 감옥 사이의 교감입니다. 이 대중문화 참조를 용서해 주시기 바랍니다만, 시계태엽 오렌지에서 주인공 알렉스와 그의 드룩스가 고급 주택에 침입해 현대적인 공간을 망가뜨리고 예술을 마음대로 다루는 장면을 기억하십니까? 그 순간은 현대인들 안에 동시에 존재하는 악마와 속물 사이의 간극을 매우 생생하게 드러냅니다. 그리고 Sillman의 이 새로운 작품들에도 똑같이 펑크적인 무언가가 있습니다. 이 작품들이 전시된 타운하우스는 현대주의 아이콘인 에드워드 듀렐 스톤이 설계했으며, 그는 현대 미술관과 라디오 시티 뮤직 홀도 설계했습니다. 이 작품들은 이 문화적이고 이질적인 세계에 삽입된 새로운 드룩스와 같습니다. 그러나 그들은 그곳을 부수는 대신, 어떻게든 공존합니다. 그들은 오늘날의 현실이 우리의 집단적 과거에서 예고된 디스토피아적 미래보다 더 이상하다는 것을 그림으로 인정하는 일종의 표현입니다. 그러나 그들은 또한 질서에 대한 창의성의 승리—세상의 권위에 대한 예술가의 의지의 승리를 나타내는 힘을 주는 진술이기도 합니다.
Amy Sillman - Mostly Drawing, solo show at Gladstone 64, installation view, Jan 26 - Mar 3, 2018, photo courtesy Gladstone 64
특집 이미지: 에이미 실먼 - 주로 드로잉, 글래드스톤 64에서의 개인전, 설치 전경, 2018년 1월 26일 - 3월 3일, 사진 제공: 글래드스톤 64
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
