잭 휘튼의 영원한 유산

잭 위튼—저명한 추상 화가, 사회 철학자, 문화 지도자가 78세의 나이로 세상을 떠났습니다. 50년이 넘는 전시 경력을 가진 위튼은 그가 살았던 원칙에 기반한 예술적 유산을 창조했습니다. 즉, 우리의 인식을 변화시킴으로써 더 평화로운 문화를 창조할 수 있다는 것입니다. 스튜디오에서 그는 개념적으로 철저하고, 미학적으로 역동적이며, 지칠 줄 모르는 실험가였습니다. 대부분의 예술가들은 경력 동안 단 하나의 독특한 시각적 입장을 발전시키는 것이 행운입니다. 위튼은 여러 가지를 발전시켰습니다. 그의 접근 방식은 매우 혁신적이고 실험적이어서, 종종 그의 지지자들조차 그를 오해하게 만들었습니다. 이러한 현실은 위튼이 생애 대부분 동안 시장에서 저평가되고, 미술 역사적 대화에서 저조하게 인정받는 원인이 되었습니다. 그러나 지난 15년 동안 예술 거래자와 구매자들의 사고방식이 드디어 위튼과 맞춰지기 시작했으며, 그 기간 동안 그의 작품은 40개 이상의 전시회에 출품되었습니다. 사람들은 위튼이 사용한 다양한 스타일에도 불구하고 그의 작품에는 많은 통합적인 측면이 있다는 것을 인식하게 되었습니다. 예를 들어, 층의 개념은 위튼이 제작한 모든 것에 중요합니다. 인식의 개념도 마찬가지입니다. 빛 또한 중요합니다. 그리고 패턴도 그렇습니다. 이 네 가지 요소는 위튼이 느슨하게 설명한 그의 "세계관"과 관련이 있습니다. 그는 "세계관은 존재의 우주적 선언이다."라고 설명했습니다. 그의 세계관은 빛이 우리가 인식하는 데 도움을 주고, 인식이 우리가 패턴을 인식하는 데 도움을 주며, 패턴이 우리가 신념을 형성하는 데 이르게 하고, 우리의 신념이 사회를 구조화하는 방식을 결정한다는 것이었습니다. 위튼은 예술이 변화의 강력한 매개체가 될 수 있다고 주장했습니다. 왜냐하면 예술은 우리의 인식에 다가가고, 따라서 더 윤리적이고 공감하는 세상을 만드는 데 도움을 줄 수 있기 때문입니다.

예술은 우리의 유일한 희망입니다

휘튼은 20대 초반에 예술의 변혁적 잠재력을 처음으로 받아들였다. 그는 그것을 그 시점까지 그에게 끔찍한 경험이었던 세상과 대처하는 방법으로 보았다. 그는 미국 남부에서 자란 경험을 명확하게 설명했다—그와 다른 유색인종을 향한 끊임없는 인종차별과 폭력. 그는 1960년, 21세에 앨라배마 주를 떠났고, 다시는 돌아오지 않았다. 그는 뉴욕시로 이주하여 쿠퍼 유니온에 등록했다. 14년 후, 그의 작품은 휘트니 미국 미술관에서 열린 개인 전시회에서 찬사를 받았다. 그 전시회에 있는 많은 작품은 그의 첫 번째 상징적인 시각적 위치로 여겨지는 것에 속했다—그가 소위 "슬랩" 회화라고 부르는 작품들. 이러한 작품을 만들기 위해 휘튼은 캔버스를 바닥에 놓고 스퀴지를 사용하여 그 위에 페인트를 밀어넣었다. 한 층의 페인트가 마르자마자 그는 또 다른 층을 적용했고, 그렇게 계속했다. 그는 표면이 조밀하고 입체적이 될 때까지 층을 쌓았다. 최종적으로 각 하부 색상이 드러난다.

Jack Whitten - Untitled, 1968, Pastel on paper, 11 3/8 × 19 3/4 in, 28.9 × 50.2 cm, photo credits Allan Stone Projects, New York

휘튼에게 이 그림들은 그의 폭력적인 과거를 넘어서는 대안에 도달하려는 철학적 시도였다. 그것들은 보편적인 것을 발견하려는 시도라기보다는, 오히려 자아를 넘어 존재하는 것을 발견하려는 시도였다. 그는 문화가 고정관념으로 가득 차 있다고 믿었고, 다양한 색상과 층이 최종적인 추상적 구성으로 드러나도록 하는 이 작업 과정이 그러한 고정관념이 기반하고 있는 기대를 파괴하는 방법이라고 생각했다. 그의 "슬랩" 그림들은 무슨 일이 일어나고 있는지 궁금해 하도록 초대하는 것이며; 어떻게 무언가가 창조되는지를 질문하고; 기존의 가정을 분석하며; 알려진 것 외의 것에 대해 생각하도록 하는 것이다. 그는 그것들을 경직된 사고를 혼란스럽게 하려는 직접적인 시도로 보았다. 그가 한 번 말했듯이, “예술은 권력을 유지하려는 단순한 사고의 근본주의자들이 세운 장벽을 허물 수 있는 힘이 있다. 만약 근본주의자들이 빨강, 노랑, 파랑을 두려워한다면, 빨강, 검정, 초록, 또는 분홍과 라벤더는 그들에게 악몽을 안겨줄 것이다!”

Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York

목적지 없음, 오직 구조만

휘튼이 그의 "슬랩" 회화로 알려지자마자, 그는 그 기법을 포기하고 마른 아크릴 페인트 조각을 타일처럼 사용하여 콜라주 스타일로 작업하기 시작했다. 그는 이 타일을 사용하여 모자이크처럼 보이는 작품을 만들었다. 그는 이러한 페인트 조각을 평평하게 놓지 않음으로써 빛을 다르게 반사시켜 작품에 차원과 생명을 더할 수 있다는 것을 깨달았다. 이것이 그의 다음 상징적인 시각적 위치가 되었다. 그는 수년 동안 이 기법을 계속 발전시켜 마침내 페인트 타일을 위한 몰드를 만드는 기술에 도달했으며, 페인트 조각에 의존하지 않게 되었다. 그는 이러한 몰드로 만든 페인트 타일을 "레디 나우"라고 부르며, 벽돌 벽을 닮은 건축적 구성을 만드는 데 사용했다. 그는 이 기법을 사용하여 다음과 같은 "기념" 회화를 만들었다. 9-11-01, 세계 무역 센터에 대한 공격을 기념한 것으로, 그는 트리베카에 있는 자신의 아파트에서 이를 목격했다. 그러나 수집가와 기관들 사이에서 가장 인기가 있었던 이 기법조차도 그의 최종 미적 목적지는 아니었다. 그는 평생 동안 계속해서 실험하고 발전해 나갔다.

Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York

여행과 목적지 중 어느 것이 인생에서 더 중요한지를 다루기 위해 여러 가지 진부한 표현이 존재한다. 휘튼은 그의 이전 거래처인 앨런 스톤에게서 배운 좋아하는 말이 있었다. 그것은 "목적지는 없다"는 것이었다. 휘튼에게 인생은 연속체에 존재했다—어디로도 가지 않는 길. 그에게 중요한 것은 과정이었다—보는 과정; 생각하는 과정; 실험하는 과정; 만드는 과정. 그의 경력 전반에 걸쳐 그는 항상 새로운 것이 코너에 기다리고 있다는 개념에 충실했다. 특정한 키에서 연주하는 재즈 뮤지션처럼, 그는 기본 철학에 기반한 지적 출발점을 제공하는 기초 구조를 스스로에게 주었다. 그리고 그곳에서 그는 즉흥적으로 연주했다. 그가 우리에게 감상할 수 있도록 남긴 패턴, 층, 그리고 빛은 새로운 인식 체계로 나아가는 길을 제시한다. 그것들은 우리에게 더 깊고 더 중요한 무언가로 나아가는 길을 보여준다.

Jack Whitten - Black Monolith, II: Homage To Ralph Ellison The Invisible Man, 1994, Acrylic, molasses, copper, salt, coal, ash, chocolate, onion, herbs, rust, eggshell, razor blade on canvas, 58 × 52 in, 147.3 × 132.1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York

특집 이미지: 잭 위튼 - 다섯 개의 세대의 회화, 타겟 및 프리드먼 갤러리, 2015년 9월 13일 - 2016년 1월 24일, 샌디에이고 현대 미술관 주최

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.

필립 Barcio