잭 휘튼의 영원한 유산
잭 휘튼—저명한 추상화가이자 사회 철학자, 문화 지도자가 78세의 나이로 세상을 떠났습니다. 50년이 넘는 전시 경력 동안 휘튼은 자신이 살아온 원칙과 같은 예술적 유산을 남겼습니다—즉, 우리의 인식을 바꿈으로써 더 평화로운 문화를 만들 수 있다는 것입니다. 작업실에서 그는 개념적으로 엄격했고, 미학적으로 역동적이며, 끊임없는 실험가였습니다. 대부분의 예술가들은 경력 동안 단 하나의 독특한 시각적 입장을 발전시키는 데 그치지만, 휘튼은 여러 가지를 발전시켰습니다. 그의 접근법은 매우 혁신적이고 실험적이어서 지지자들조차도 종종 그를 오해하곤 했습니다. 이러한 현실 때문에 휘튼은 평생 대부분 시장에서 저평가되었고, 미술사적 대화에서도 충분히 인정받지 못했습니다. 그러나 지난 15년 동안 미술상과 구매자들의 사고방식이 마침내 휘튼을 따라잡기 시작했고, 그 기간 동안 그의 작품은 40회 이상의 전시에 등장했습니다. 사람들은 휘튼이 사용한 다양한 스타일에도 불구하고 그의 작품 세계에는 많은 통일된 요소가 있음을 점점 더 인식하고 있습니다. 예를 들어, 층(layer)의 개념은 휘튼이 만든 모든 작품에 중요합니다. 인식의 개념도 마찬가지입니다. 빛도 중요하며, 패턴 역시 그렇습니다. 이 네 가지 요소는 휘튼이 느슨하게 ‘세계관’이라고 표현한 것과 관련이 있습니다. 그가 설명하길, “세계관은 존재에 대한 우주적 선언이다.” 그의 세계관은 빛이 우리가 인식하는 데 도움을 주고, 인식이 패턴을 알아차리게 하며, 패턴이 우리의 신념을 형성하게 하고, 그 신념이 사회를 구성하는 방식을 결정한다는 것이었습니다. 휘튼은 예술이 인식을 다루기 때문에 강력한 변화의 매개체가 될 수 있으며, 이를 통해 더 윤리적이고 공감하는 세상을 만드는 데 도움을 줄 수 있다고 주장했습니다.
예술은 우리의 유일한 희망
휘튼은 20대 초반에 예술의 변혁적 잠재력을 처음 받아들였습니다. 그는 그것을 그때까지 자신에게 끔찍했던 세상 경험을 극복하는 방법으로 보았습니다. 그는 미국 남부에서 자란 경험을 명확하게 묘사했습니다—자신과 모든 유색인종을 향한 끊임없는 인종차별과 폭력. 그는 1960년, 21세에 고향인 앨라배마를 떠나 다시는 돌아오지 않았습니다. 뉴욕시로 이주해 쿠퍼 유니언에 입학했습니다. 14년 후, 그의 작품은 휘트니 미국 미술관에서 개인전으로 찬사를 받았습니다. 그 전시의 많은 작품은 그의 첫 상징적인 시각적 입장으로 여겨지는 이른바 ‘슬랩’ 회화에 속했습니다. 이 작품들을 만들기 위해 휘튼은 캔버스를 바닥에 놓고 스퀴지를 사용해 페인트를 밀었습니다. 한 겹의 페인트가 마르자마자 또 다른 층을 덧바르는 식이었습니다. 그는 표면이 조밀하고 입체적으로 될 때까지 층을 쌓았습니다. 각 밑색은 최종적으로 드러났습니다.
잭 휘튼 - 제목 없음, 1968년, 종이에 파스텔, 11 3/8 × 19 3/4 인치, 28.9 × 50.2 센티미터, 사진 제공 Allan Stone Projects, 뉴욕
휘튼에게 이 회화들은 폭력적인 과거를 넘어선 대안을 찾기 위한 철학적 시도였습니다. 그것들은 보편적인 것을 발견하려는 시도라기보다 자아 너머에 존재하는 것을 발견하려는 시도였습니다. 그는 문화가 고정관념으로 가득 차 있다고 믿었고, 다양한 색과 층이 최종 추상 구성에 드러나도록 하는 이 작업 과정이 그 고정관념의 기반이 되는 기대를 파괴하는 방법이라고 생각했습니다. 그의 ‘슬랩’ 회화는 무슨 일이 일어나고 있는지 궁금해 하도록 초대하며, 어떻게 만들어졌는지 질문하게 하고, 기존의 가정을 분석하게 하며, 알려진 것 이외의 것을 생각하게 합니다. 그는 이것들을 경직된 사고를 혼란시키려는 직접적인 시도로 보았습니다. 그가 한때 말했듯이, “예술은 권력을 유지하려는 단순한 근본주의자들이 세운 장벽을 허물 수 있는 힘이 있다. 만약 근본주의자들이 빨강, 노랑, 파랑을 두려워한다면, 빨강, 검정, 초록이나 분홍과 라벤더는 그들에게 악몽을 줄 것이다!”
잭 휘튼 - 하우저 & 워스, 뉴욕 개인전, 2017년 1월 26일 – 4월 8일, 설치 전경, 사진 제공 하우저 & 워스, 뉴욕
목적지 없이, 오직 구조만
휘튼이 ‘슬랩’ 회화로 알려지자마자 그 기법을 버리고 건조된 아크릴 페인트 조각을 타일처럼 사용한 콜라주 스타일로 작업하기 시작했습니다. 그는 이 타일들을 사용해 모자이크처럼 보이는 작품을 만들었습니다. 이 페인트 조각들을 평평하게 놓지 않음으로써 빛을 다르게 반사해 작품에 입체감과 생명을 더한다는 것을 깨달았습니다. 이것이 그의 다음 상징적인 시각적 입장이 되었습니다. 그는 수년간 이를 발전시켜 결국 페인트 조각에 의존하지 않고 페인트 타일을 만들기 위한 틀을 제작하는 기법에 도달했습니다. 그는 이 틀로 만든 페인트 타일을 ‘레디 나우(ready nows)’라고 불렀고, 이를 사용해 벽돌 벽을 닮은 건축적 구성을 만들었습니다. 그는 이 기법을 사용해 9-11-01과 같은 ‘기념’ 회화를 제작했는데, 이는 트라이베카에 있는 자신의 아파트에서 목격한 세계무역센터 공격을 기념한 작품입니다. 그러나 이 기법조차도 수집가와 기관에서 가장 인기가 있었지만 그의 최종 미학적 목적지는 아니었습니다. 그는 평생 실험과 진화를 계속했습니다.
잭 휘튼 - 하우저 & 워스, 뉴욕 개인전, 2017년 1월 26일 – 4월 8일, 설치 전경, 사진 제공 하우저 & 워스, 뉴욕
인생에서 무엇이 더 중요한가 하는 형이상학적 질문에 대해 여러 진부한 표현이 있습니다: 여정인가, 목적지인가. 휘튼은 전 딜러 앨런 스톤에게서 배운 좋아하는 말이 있었습니다. 그것은 “목적지는 없다”는 말이었습니다. 휘튼에게 인생은 연속체였고, 아무 데도 닿지 않는 길이었습니다. 그에게 중요한 것은 오직 과정이었습니다—보기의 과정, 생각의 과정, 실험의 과정, 만들기의 과정. 그는 경력 내내 항상 새로운 무언가가 기다리고 있다는 생각에 충실했습니다. 특정 음계로 연주하는 재즈 음악가처럼, 그는 자신에게 기본 철학에 기반한 지적 출발점을 주고 그 위에서 즉흥 연주를 했습니다. 그가 남긴 패턴, 층, 빛은 우리에게 새로운 인식 체계로 나아가는 길을 보여줍니다. 그것들은 자아보다 더 깊고 중요한 무언가를 향한 길을 안내합니다.
잭 휘튼 - 블랙 모놀리스, II: 랄프 엘리슨의 보이지 않는 남자에 대한 경의, 1994년, 아크릴, 당밀, 구리, 소금, 석탄, 재, 초콜릿, 양파, 허브, 녹, 달걀 껍데기, 면도날, 캔버스, 58 × 52 인치, 147.3 × 132.1 센티미터, © 잭 휘튼/예술가 권리 협회(ARS), 뉴욕
대표 이미지: 잭 휘튼 - 다섯 십년의 회화, 타겟 및 프리드먼 갤러리, 2015년 9월 13일 - 2016년 1월 24일, 샌디에이고 현대미술관 주최
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용되었습니다
필립 Barcio 작성
