존 몬티스와의 인터뷰
존 몬티스는 1973년 캐나다 온타리오주 뉴마켓에서 태어났으며, 2008년에 파슨스 뉴스쿨 디자인 대학원의 석사 과정을 졸업했습니다. 그는 전 세계를 광범위하게 여행하고 거주하며, 그 경험들이 그의 작품 활동에 큰 영향을 미치고 변화를 가져왔습니다. 층층이 쌓인 제도 필름 위에 왁스와 안료로 정교하고 다채롭게 표현한 작품들과 세심하게 겹겹이 쌓은 사진 기록들은 그를 주목받는 유명한 추상 미술가로 만들었습니다.
존 몬티스는 국제적으로 대표되었으며, 다음과 같은 여러 개인전과 단체전의 중심 인물이었습니다: “밤에는 모든 고양이가 회색이다”, 오본 컨템포러리, 토론토, 온타리오; “아직 제목 없음”, 갤러리 벵거, 취리히, 스위스; 그리고 “벡터 이슈 5”, 샤우 펜스터, 라움 퓌어 쿤스트, 베를린, 독일. 그의 작품들은 뉴욕 맨해튼의 뉴스쿨, 뉴욕의 BNY 멜론, 그리고 영국 런던의 모리스 앤 어소시에이츠의 영구 소장품에 포함되어 있습니다. IdeelArt는 작가와 인터뷰를 진행하여 그의 작업 과정과 다가오는 프로젝트에 대해 이야기 나누는 기쁨을 누렸습니다.
작업 과정에서 어떤 재료와 기법을 사용하시나요? 시간이 지나면서 작업 방식이 어떻게 변했나요?
초기 회화 작업에서는 캔버스에 유화를 사용하며 구상적으로 대형 인물화를 그렸습니다. 2005년부터는 매체와 주제 면에서 큰 변화를 겪었습니다. 제 작업의 방향은 도시 공간뿐 아니라 개인적 관계와 여러 층위의 관계에 대한 생각과 함께 자연스럽게 발전했습니다. 저는 보여지는 것과 숨겨진 것을 특징짓는 것에 항상 매료되어 왔습니다.
2006년부터는 제도 필름을 사용하기 시작했으며, 그 반투명한 특성을 이용해 이미지를 겹쳐 표현했습니다. 여전히 구상적으로 작업하면서, 투명성을 살리기 위해 희석한 유성 물감을 사용했습니다. 건축물과 도시 중심지, 역사적 의미가 있는 방문지, 그리고 일본 교토의 숲에서 약 15년 전쯤 가파른 도로에서 여러 대의 차가 추락한 사고 현장의 잔해까지 그렸습니다. 이 모든 장면은 한때 또는 현재 단절의 장소였습니다. 이 시리즈의 그림을 만들 때는 두 장의 제도 필름에 각각 같은 이미지를 두 번 그린 후, 한 장을 다른 한 장 위에 올려놓고 위치를 약간 어긋나게 하여 한 이미지로 겹쳐 표현했습니다. 이 두 ‘부분’을 하나의 그림으로 결합함으로써, 시간 속에 포착된 움직임 같은 신비로운 변화의 영역에 머무르는 작품이 탄생했습니다. 이 그림들을 텍스트 기반 작품들과 함께 전시한 후, 저는 점점 더 간결한 방식으로 작업하게 되었고, 콘크리트적인 접근법으로 드로잉과 회화를 제작하며 도시 공간 내 시간성과 안드레아스 후이센 같은 작가들이 제시한 기억과 역사 담론을 유지했습니다.
2011년부터는 (해체)와 (재구성) 시리즈를 시작했는데, 쇼핑몰, 공항 터미널 등 공공장소의 문과 복도 같은 틈새 공간을 사진으로 기록한 자료를 바탕으로 제작했습니다. 이 작품들은 렘 쿨하스가 만든 용어인 ‘쓰레기 공간’ 내 빛과 그림자의 형태를 사용해 그렸습니다. 이곳들은 우리가 이동 중에 많은 시간을 보내는 ‘무장소’입니다. 이전 작품들과 마찬가지로 두 겹의 동일한 층을 그리는 방식을 사용했지만, 이번에는 층을 겹치기 전에 원하는 위치로 옮겨 특정 요소를 끌어내거나 밀어 넣는 방식으로 완성했습니다.
이 그림들을 완성한 후, 각 작품 크기에 맞게 손으로 자른 불투명한 흰색 플렉시글라스에 부착했습니다. 이를 통해 전통적인 그림처럼 벽에 걸 수 있었고, 각 작품을 독립된 받침대에 걸어 조각품처럼 생각할 수도 있었습니다. 이렇게 설치함으로써 작품들 간에 새로운 물리적 관계가 형성되고, 갤러리 건축을 참조하며 ‘일대일’ 시선선을 변화시켜 관람 경험의 성격을 바꾸었습니다. 제 작품들은 이런 방식으로 다양한 연상을 불러일으킵니다. 저는 항상 층 쌓기에 관심이 있었지만, 한 재료를 사용해 다른 재료를 참조하는 데에도 관심이 있습니다. 이번 경우에는 조각품처럼 설치된 회화입니다. 어떤 그림은 드로잉처럼 보이고, 사진과 드로잉은 회화처럼 보일 수 있습니다. 창작 과정의 각 단계가 최종 작품에 시각적으로 드러나며, 그 흔적들은 항상 읽을 수 있습니다. 저에게 이것이 바로 내용이 담긴 부분입니다. 우리 도시에서는 현재의 겉모습 속에 숨겨진 과거의 증거와 흔적을 찾는 일이 이런 방식으로 전개됩니다.
지난 2년간 베를린에서 사진 자료 대신 유기적으로 성장하는 드로잉을 제작했습니다. 특히 도시 재건과 지형, 그리고 과거의 흔적을 간직한 도시의 ‘빈 공간’에 주목했습니다. 이 연구를 바탕으로 서로 연관된 드로잉 그룹을 만들었으며, 함께 감상할 때 서로를 보완하는 작품과 도심 내 건축 재건을 고려한 작업도 제작했습니다.
작품 하나를 완성하는 데 보통 얼마나 걸리나요?
정확히 말하기 어렵습니다. 베를린에 있을 때는 보통 일주일에 여섯 날을 작업실에서 보냈습니다. 여러 작품을 동시에 작업하는 편이라 한 작품에 걸리는 시간을 특정하기 어렵습니다. 제 작업 과정은 매우 묽은 물감으로 시작해 천천히 쌓아 올리거나, 드로잉의 경우 몇 주간 테스트를 거쳐 최종 방식을 결정하는 느리고 노동 집약적인 과정입니다.
작업에서 가장 중요한 요소는 무엇인가요?
제 작업은 여러 도시에서의 거주와 연구를 통해 이루어졌습니다. 이사할 때마다 작업에 영향을 주고 변화를 일으킵니다. 이런 장소들은 제가 예술을 만드는 방식과 실행하는 과정에 대한 사고의 촉매 역할을 합니다. 과거의 습관이 깨지고 흔들리면서 새로운 사고와 제작 방식이 나타납니다.
작품이 완성되었다고 어떻게 알 수 있나요?
저는 그렇게 모호하게 작업하지 않습니다; 제게는 더 명확합니다. 작품을 해결하기 위해 다음에 무엇을 해야 할지에 대한 의문은 없었습니다. 가장 큰 질문은 각 작품을 전시에서 다른 작품들과 어떻게 맥락적으로 배치할지, 그리고 작품을 어떻게 설치할지입니다. 이는 작품이 어떻게 읽히고 전시 공간이 그 해석에 어떤 영향을 미칠지 고려할 때 가장 어려운 문제입니다. 선택한 재료로 작업하는 동안 액자도 중요한 고려 사항입니다. 액자는 작품을 살리거나 망칠 수 있습니다. 저는 신뢰하는 액자 제작자와 함께 작업하며 그들의 통찰과 아이디어를 듣는 것을 좋아합니다.
작업 공간이 작업 과정에 어떤 의미가 있으며, 작업실 공간을 어떻게 활용하나요?
제 작업실은 고요하고 혼자 있을 수 있는 공간이어야 합니다. 위치는 유연하지만, 작업실 공간은 특히 작업 규모와 작업 가능 크기에 관한 특정 조건을 정합니다. 작은 공간에서는 작품이 작업실에서 훨씬 크게 보이지만, 큰 갤러리 벽에 걸리면 그렇지 않을 수 있습니다.
현재 작업 중이거나 시작할 예정인 흥미로운 프로젝트가 있나요?
현재 캐나다 핼리팩스에 있으며, 새로운 베틀 짜기 작품을 위한 섬유 기반 예술 연구를 진행 중입니다. 베를린에 있을 때는 전통적인 작업 방식을 확장하고 새로운 매체를 도입하는 데 점점 관심이 커졌습니다—여전히 회화를 하겠지만, 다른 방식으로 작업할 예정입니다.
예술계에서 어떻게 활동하고 있나요?
압박감을 다루는 가장 좋은 방법은 가능한 한 작업실에서 많은 시간을 보내고 계속 작업하는 것이라고 생각합니다. 자신에게 도전이 되는 방식으로 앞으로 나아가는 과정에서 위안을 찾을 수 있습니다. 저는 전시 리뷰나 미술 시장에 관한 기사보다는 문화 이론과 탐구에 초점을 맞춘 다양한 글과 미술 출판물을 읽습니다. 또한 베를린, 뉴욕, 토론토에 있는 예술가, 기획자, 작가, 디자이너, 음악가, DJ로 구성된 커뮤니티가 있어 서로의 작업을 지지하며 함께 대화하고 존재하는 것이 예술가로서의 압박을 견디는 데 큰 도움이 됩니다.
예술계에 진출할 때 받은 가장 좋은 조언은 무엇이며, 신진 예술가들에게 해주고 싶은 조언은 무엇인가요?
가장 좋은 조언은 마사 로슬러에게서 들은 말로, “자신의 경력을 누구에게도 전적으로 맡기지 마라. 자신이 어떻게 대표되고 있는지, 그리고 대표하는 이들이 당신의 작업에 대해 어떤 이야기를 만들어내는지 항상 주시해야 한다”는 것입니다.
다가오는 전시나 행사에 참여하나요? 어디서 언제인가요?
2015년 10월 24일부터 1월 9일까지 스위스 취리히의 갤러리 벵거에서 열리는 단체전에 참여할 예정입니다. 또한 초기 단계에 있는 몇 가지 다른 프로젝트도 진행 중입니다.
대표 이미지: 메모리얼 데이 설치, 오본 컨템포러리, 토론토 2012 - 작가 제공
