전후 미국을 재활성화한 드로잉 - MoMA에서

뉴욕에서 코로나 제한 조치가 해제되면서 팬데믹 기간 동안 전시 기간이 연장된 여러 박물관 전시회가 관람객을 기다리고 있습니다. 추상미술 애호가들에게 가장 좋은 전시 중 하나는 MoMA에서 열리는 Degree Zero: Drawing at Midcentury로, 1950년부터 1961년 사이에 제작된 주로 추상적인 79점의 드로잉을 선보입니다. 이 전시가 특별한 이유는 두 가지 질문을 제기하기 때문인데, 하나는 예술 매체로서 드로잉의 본질과 가치에 관한 것이고, 다른 하나는 기관들이 예술사를 공식적으로 구성하고 재구성하는 권력에 관한 것입니다. 드로잉의 매체로서의 가치를 놓고 보면, 일반적으로 회화나 조각에 비해 중요도가 낮게 느껴집니다. 종이, 펜, 연필은 좋은 물감, 캔버스, 금속, 점토, 돌에 비해 저렴하고 구하기 쉽기 때문입니다. 예술가들 스스로도 드로잉을 다른 작품을 위한 연습으로 여기는 경우가 많습니다. 아이러니하게도, 이러한 낮은 기대감이 때로는 드로잉에 더 계획적이고 신중한 매체들이 거부하는 자유로움을 부여하여 걸작을 탄생시키기도 합니다. Degree Zero는 이 현상을 두 가지 방식으로 살펴봅니다. 첫째, 스위스 예술가 손야 세쿨라의 숨막히는 노란색 무제 드로잉이나 이탈리아-브라질 예술가 알프레도 볼피의 완벽한 “Composition with One Flag”처럼 명백히 완성된 작품으로 의도된 수십 점의 드로잉을 중심으로 전시를 구성했습니다. 둘째, 엘스워스 켈리의 “Study for La Combe II”(1950)와 “Study for Window, Museum of Modern Art, Paris”(1949) 같은 준비 작업으로 여겨지는 드로잉들을 포함했는데, 이들은 여러 면에서 최종 버전보다 우수합니다. MoMA 같은 기관이 예술사를 쓰고 다시 쓰는 권력에 대해 Degree Zero가 하는 일은, 전시 전체가 원래 MoMA가 기여한 좁은 서술, 즉 전후 미술이 주로 미국의 백인 남성 중심의 추상 표현주의라는 관점을 바로잡으려는 시도라는 점입니다. MoMA의 영구 소장품에서 전적으로 가져온 이 전시는 두 성별의 예술가들을 다섯 대륙에서 포함하고, 다양한 인종적 배경을 대표하며, 일부 비전문 예술가도 포함합니다. 이는 과거의 잘못을 지우지는 못하지만, 적어도 MoMA가 오늘날 깨진 과거를 바로잡으려는 의지를 보여줍니다.

드로잉의 창작자들

Degree Zero에 대해 가장 주목할 만한 점은 이 전시가 존재한다는 사실 자체일 것입니다. 전문 드로잉 작가는 드로잉이 1차 및 2차 시장에서 회화보다 가격이 낮은 이유가 수집가들이 드로잉을 보존 가치가 있는 작품으로 보지 않기 때문이라고 말할 것입니다. 많은 드로잉 작가들은 사실 좋은 종이를 고르고 표면을 준비하며, 좋은 재료를 선택하고 완성된 작품을 보호하는 데 시간을 투자하지 않습니다. 드로잉을 구매할 때는 작품을 액자에 넣는 데 많은 비용을 들여야 하며, 적절한 유리 종류를 선택하고 대기 조건에 의해 손상되지 않는 곳에 걸어야 합니다. 제대로 제작되고 보호되더라도 드로잉은 회화보다 더 빨리 훼손되는 경향이 있습니다. 그래서 박물관 소장품에 있는 많은 드로잉은 수십 년 동안 평평한 서랍에 보관되어 무시되고 결국 잊혀집니다. 재발견될 때는 때로는 복구가 불가능한 상태인 경우도 있습니다.

노먼 루이스 - The Messenger, 1952년. 종이에 목탄과 잉크. 26 x 30 3/8인치 (66.1 x 77.3 cm). 뉴욕 현대미술관 소장. 블랑셰트 후커 록펠러 기증 © 노먼 루이스 유산; 마이클 로젠펠드 갤러리 LLC, 뉴욕, NY 제공

어떻게든 MoMA는 단일 10년 동안 제작된 79점의 드로잉을 수집했을 뿐 아니라, 이 작품들이 60년이 넘었음에도 불구하고 상당수가 매우 좋은 상태를 유지하고 있습니다. 훌륭한 예로 오토 피에네의 “무제 (연기 드로잉)”(1959)이 있습니다. 이 작품은 금속 망 위에 종이를 걸고 불꽃 위에 연기를 태워 종이에 원형 무늬를 새긴 것입니다. 이 그을린 종이 한 장이 62년이 지난 지금도 완전한 상태로 남아 있으며, 매우 표현력이 뛰어납니다. 또 다른 놀라운 예는 노먼 루이스의 1952년작 “The Messenger”로, 종이에 목탄과 잉크로 그려졌습니다. 이 작품은 거의 70년이 지난 지금도 세밀함과 섬세함, 미묘함을 유지하여 이 뛰어난 예술가의 사려 깊고 온화한 생명력을 담고 있는 듯합니다. 이 작품들의 훌륭한 보존 상태는 드로잉 매체가 반드시 훼손될 운명인 것이 아니라, 창작자의 정신과 육체를 독특하게 표현하는 가치 있는 것임을 보여줍니다.

Degree Zero: Drawing at Midcentury 전시 설치 전경, 2020년 11월 1일~2021년 2월 6일, 뉴욕 현대미술관. 디지털 이미지 © 2020 뉴욕 현대미술관. 사진: 로버트 거하트

역사 바로잡기

MoMA 드로잉 및 판화 부문 부관장 사만다 프리드먼은 전 세계적이고 다성별, 다인종, 다학문적 관점을 전달하는 작품을 훌륭하게 선정한 점에서 추가로 칭찬받아야 합니다. 하지만 저는 Degree Zero가 전시된 몇몇 예술가들의 개별 작품 세계를 이해하는 데 미친 영향에도 깊은 인상을 받았습니다. 루이즈 부르주아의 두 점의 드로잉은 어른 안에 살아 있는 아이를 다시금 일깨워 주었고, 제가 무섭고 깊이 있는 어른의 세계로 느끼는 이 예술가의 조각과는 달리 젊은 영혼을 엿볼 수 있게 해주었습니다. 제이 드페오의 “무제 (플로렌스)”(1952)는 제가 본 이 작가의 유일한 소형 작품으로, 그 충격적인 명료함과 열정이 제 마음에 영구히 각인된 듯합니다. 조르주 마티외의 1958년 무제 흑백 드로잉은 이 화가에 대한 존경심을 한층 높였습니다. 저는 그의 독특한 우주적 추상화를 항상 좋아했지만, 색채와 질감 없이 이 작품을 보면서 그의 뛰어난 기량을 확신하게 되었습니다.

조안 미첼 - 무제, 1957년. 종이에 유화. 19 1/2 x 17 1/2인치 (49.5 x 44.5 cm). 뉴욕 현대미술관 소장. 드로잉 기금 위원회 제공 © 조안 미첼 유산

Degree Zero가 역사를 바로잡는 마지막 방식은 일반적으로 드로잉으로 간주되지 않는 작품까지 포함하려는 의지에 있습니다. 도로시 데너의 “New City”(1953)는 수채화와 잉크로 된 작품으로 보통은 단순한 수채화로 분류되지만, 그 선적인 모습은 이 전시에 속한다고 확신하게 만듭니다. 마찬가지로, 보포드 딜래니의 다채로운 무제 파스텔 작품은 보통 회화나 종이 위 작업으로 전시되지만 이 전시에서는 드로잉으로 분류됩니다. 1957년 조안 미첼의 놀라운 무제 종이 위 유화, 사부로 무라카미의 던진 공 아크릴 작품, 사리 디엔스의 잉크 문지르기, 베라 몰나르의 콜라주 “2Letters Ms”(1961)도 마찬가지입니다. 이러한 작품들을 드로잉으로 분류하는 것은 정의를 미묘하고 은밀하게 흐리게 하며, 이 전시가 달성한 드로잉과 예술사를 과거보다 더 개방적으로 확장하는 효과에 기여합니다.

대표 이미지: 오토 피에네 - 무제 (연기 드로잉), 1959년. 종이에 그을음. 20 x 29인치 (51 x 73 cm). 뉴욕 현대미술관 소장. 셸던 H. 솔로우 기금으로 구입 © 2019 오토 피에네 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / VG. Bild-Kunst, 독일
모든 이미지는 설명용으로만 사용됨
필립 Barcio 제공