전후 미국을 재활성화한 드로잉 - MoMA에서

COVID 제한이 해제된 뉴욕에서 팬데믹 동안 연장된 여러 박물관 전시가 관람객을 기다리고 있습니다. 추상화 팬들에게 가장 좋은 전시 중 하나는 MoMA에서 열리는 Degree Zero: Drawing at Midcentury로, 1950년과 1961년 사이에 제작된 79개의 주로 추상적인 드로잉을 전시합니다. 이 전시가 특별한 이유는 드로잉이라는 예술 매체의 본질과 가치, 그리고 기관들이 예술 역사에 대한 공식적인 버전을 구성하고 재구성하는 힘에 대해 제기하는 두 가지 질문 때문입니다. 드로잉의 매체로서의 가치 측면에서, 일반적으로 그 쌍둥이인 회화와 조각보다 위험이 낮게 느껴집니다. 종이, 펜, 연필은 좋은 물감, 캔버스, 금속, 점토 또는 돌에 비해 저렴하고 구하기 쉽습니다. 예술가들 스스로 종종 드로잉을 다른 작품을 위한 연습으로 간주합니다. 아이러니하게도, 이러한 낮은 기대는 때때로 드로잉에 더 계획적이고 의도적인 매체가 저항하는 자유의 감각을 부여하여 걸작을 만들어내기도 합니다. Degree Zero는 이 현상을 두 가지 방법으로 살펴봅니다. 첫째, 전시는 명백히 완성된 작품으로 의도된 수십 개의 드로잉을 중심으로 구성되어 있습니다. 예를 들어, 스위스 예술가 손자 세쿨라의 숨막히는 노란색 무제 드로잉이나 이탈리아-브라질 예술가 알프레도 볼피의 완벽한 "Composition with One Flag"가 있습니다. 둘째, 여러 개의 준비 작업으로 여겨지는 작품도 포함되어 있습니다. 특히 엘스워스 켈리의 드로잉 "Study for La Combe II" (1950)와 "Study for Window, Museum of Modern Art, Paris" (1949)는 그들이 앞서 있었던 최종 버전보다 많은 면에서 우수합니다. Degree Zero가 MoMA와 같은 기관들이 예술 역사를 쓰고 다시 쓰는 힘을 다루기 위해 하는 일에 관해서는, 전체 전시는 기본적으로 MoMA가 처음에 기여한 좁은 서사를 수정하려는 시도입니다. 즉, 전후 예술이 주로 미국의 백인 남성의 일로, 추상 표현주의에 의해 지배되었다는 것입니다. MoMA의 영구 소장품에서 완전히 발췌된 Degree Zero는 다섯 대륙의 두 성별의 예술가들을 포함하고, 여러 인종적 배경을 대표하며, 일부 비전문 예술가들도 포함되어 있습니다. 이는 과거의 잘못을 지우는 것은 아니지만, 적어도 MoMA가 오늘날 부서진 과거를 고치고자 하는 욕망을 증명합니다.

그림의 서랍

Degree Zero에 대한 가장 주목할 만한 점은 전시회가 존재한다는 사실일 것입니다. 모든 전문 드로어는 드로잉이 1차 및 2차 시장에서 그림보다 낮은 가격을 받는 이유는 수집가들이 드로잉을 아카이벌로 보지 않기 때문이라고 말할 것입니다. 사실 많은 드로어들은 품질 좋은 종이를 선택하고, 표면을 준비하고, 품질 좋은 매체를 선택하고, 작업이 완료된 후 작품을 보호하는 데 시간을 투자하지 않습니다. 드로잉을 구매할 때, 결국 작품을 액자에 넣는 데 많은 돈을 써야 하고, 올바른 종류의 유리를 선택하고, 대기 조건에 의해 손상되지 않을 장소에 걸어야 합니다. 제대로 제작되고 보호되더라도 드로잉은 그림보다 더 빠르게 열화되는 경향이 있습니다. 이 때문에 많은 박물관 소장품의 드로잉은 수십 년 동안 평면 파일 서랍에 들어가 무시당하고 결국 잊혀지게 됩니다. 재발견될 때, 때때로 그들은 구제할 수 없는 상태가 되기도 합니다.

노먼 루이스 - 더 메신저, 1952. 종이에 목탄과 잉크. 26 x 30 3/8′′ (66.1 x 77.3 cm). 현대 미술관, 뉴욕. 블란셰트 후커 록펠러 기증 © 노먼 루이스 재산; 마이클 로젠펠드 갤러리 LLC, 뉴욕, NY 제공.

어떻게든, MoMA는 단일 10년 동안 79개의 드로잉을 수집하는 데 성공했을 뿐만 아니라, 이제 이 드로잉들이 60년이 넘었음에도 불구하고, 그 중 상당수가 여전히 extraordinarily 좋은 상태를 유지하고 있습니다. 환상적인 예로는 Otto Piene의 "Untiled (Smoke Drawing)" (1959)가 있습니다. 이 예술가는 불타는 불꽃 위에 금속 스크린에 종이를 매달아 연기가 종이에 원형 패턴을 태우도록 하여 이 작품을 만들었습니다. 어떻게든, 이 그을린 종이는 62년이 지난 지금도 완전히 온전하고, 숭고하게 표현력이 있습니다. 또 다른 주목할 만한 예는 Norman Lewis의 종이에 그린 목탄과 잉크 드로잉인 "The Messenger" (1952)입니다. 이 작품은 그 세부 사항, 섬세함, 뉘앙스가 너무나도 뛰어나서 창작된 지 거의 70년이 지난 지금도 이 비범한 예술가의 우아하고 사려 깊은 살아있는 심장의 메아리를 여전히 담고 있는 것 같습니다. 이러한 작품들의 훌륭한 보존은 매체를 퇴화할 운명에 처한 것이 아니라, 그것을 만든 드로어의 마음과 몸을 독특하게 표현하는 것으로서 보호하고 수집할 가치가 있는 것으로 탈맥락화합니다.

"디그리 제로: 중세기 드로잉" 설치 전시, 2020년 11월 1일 – 2021년 2월 6일, 뉴욕 현대 미술관. 디지털 이미지 © 2020 뉴욕 현대 미술관. 사진 제공: 로버트 거하르트.

역사를 바로잡다

사만다 프리드먼, 모마 드로잉 및 프린트 부관장, 글로벌하고 다성별, 다인종, 다학제적 관점을 전달하는 작품을 얼마나 잘 선택했는지에 대해 추가적인 공로를 인정받아야 마땅하다. 그러나 나는 또한 제로의 학위가 전시된 일부 예술가들의 개별 작품에 대한 나의 이해에 미친 영향에 깊은 인상을 받았다. 루이즈 부르주아의 두 점의 드로잉은 나를 완전히 매료시켰고, 성인들 안에 살아있는 아이를 재확인시켜 주었으며, 이 예술가의 조각들이 내가 무섭고도 깊이 성숙하다고 느끼는 것과는 대조적으로, 그의 젊은 영혼을 엿볼 수 있는 즐거운 기회를 제공했다. 제이 드페오의 “제목 없음 (플로렌스)”(1952)는 내가 본 이 예술가의 유일한 소규모 작품이다. 그 충격적인 선명도와 열정은 내 마음에 이미지를 각인시켰고, 아마도 영구적으로 남을 것이다. 1958년 조르주 마튀의 제목 없는 흑백 드로잉은 이 화가에 대한 존경의 기준을 더욱 높였다. 나는 그의 독특한 우주적 추상화의 팬이었지만, 색상과 질감의 도움 없이 그가 여기서 한 일을 보면서 그의 대가로서의 능력을 확신하게 되었다.

조안 미첼 - 제목 없음, 1957. 종이에 유화. 19 1/2 x 17 1/2′′ (49.5 x 44.5 cm). 현대 미술관, 뉴욕. 드로잉 기금 위원회 © 조안 미첼 재단

Degree Zero가 역사를 "바로잡는" 마지막 방법은 일반적으로 드로잉으로 간주되는 것의 범위를 넘어서는 의지에 있다고 생각합니다. 도로시 데너(Dorothy Dehner)의 수채화 및 잉크 작품인 New City (1953)는 일반적으로 단순한 수채화로 간주되지만, 그 선형적인 외관은 분명히 이 전시회에 속해야 함을 암시합니다. 마찬가지로, 보퍼드 델라니(Beauford Delaney)의 다채로운 제목 없는 파스텔 작품은 일반적으로 그림으로 전시되거나 단순히 종이 위의 작품으로 간주될 것입니다. 1957년의 조안 미첼(Joan Mitchel)의 놀라운 제목 없는 유화, 사부로 무라카미(Saburo Murakami)의 던진 공 아크릴 작품, 사리 디엔스(Sari Dienes)의 잉크 문지르기, 그리고 베라 몰나르(Vera Molnar)의 콜라주 "2Letters Ms" (1961)도 마찬가지입니다. 이러한 작품들을 드로잉으로 분류하는 것은 미묘하고 전복적인 방식으로 정의를 흐리게 하며, 이 전시회가 드로잉과 미술사 경험을 과거보다 더 개방적으로 확장하는 전반적인 효과에 기여합니다.

특집 이미지: 오토 피에네 - 제목 없음 (연기 드로잉), 1959. 종이에 그을음. 20 x 29′′ (51 x 73 cm). 현대 미술관, 뉴욕. 셀던 H. 솔로우가 제공한 기금으로 구입 © 2019 오토 피에네 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / VG. Bild-Kunst, 독일
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필립 Barcio