JMW 터너가 추상 미술에 미친 영향

조셉 말로드 윌리엄 터너 (1775–1851)은 그가 사망했을 때 유럽에서 가장 유명한 화가 중 한 명으로 여겨졌습니다. 내성적이고 실험적인 그는 동시대 화가들보다 훨씬 더 나아갔습니다. 현대 추상 미술에 대한 그의 영향력을 고민하는 것은 매혹적인 주제입니다. 올해 파리의 뮤제 자크마르-앙드레에서 열리는 대규모 터너 회고전은 관객들에게 이 대화에 깊이 들어갈 수 있는 독특한 기회를 제공할 것입니다. 테이트 모던 소장품에서 드물게 전시되는 실험적인 터너 수채화들이 그의 더 잘 알려진 완성된 수채화 및 유화와 함께 전시될 예정입니다. 이러한 실험적인 작품들은 터너가 자신의 집과 스튜디오에서 전시했던 개인 소장품의 일부로, 그는 생전에는 이를 공개적으로 전시하지 않았습니다. 이들은 대체로 우리가 지금 '추상화된' 또는 적어도 그의 개인 의뢰 작품이나 공개 전시된 작품보다 더 추상적이라고 부를 수 있는 것들입니다. 그러나 그가 이러한 작품을 만들 때 그것이 그의 의도였는지는 논란의 여지가 있습니다. 이들은 실제로 터너가 언젠가 더 많은 세부 사항을 추가할 의도로 만든 미완성 작품이었을까요? 아니면 그의 기술적 발전을 안내하기 위해 사용된 형식적 연구였을까요? 아니면 사실상 서양 미술에서 순수 추상의 출현 이전에 터너가 색상과 빛과 같은 형식적 미적 요소를 주제로 삼을 가치가 있다고 여겼다는 증거일까요? 터너는 자신의 그림 중 하나의 흐릿한 측면에 대해 경솔하게 언급한 비평가에게 "모호함이 나의 강점이다"라는 농담으로 반박한 적이 있습니다. 그의 실험적이고 개인적인 수채화의 비정형적이고 때로는 신비로운 특성은 그 인용문의 진실을 확실히 보여줍니다. 이들은 또한 터너를 현대 추상의 선구자로 여기는 부담에서 해방시킬 기회를 제공하며, 그를 제가 믿는 바에 따라 그가 속해야 할 고유한 범주에 두게 합니다.

제안 대 설명

터너와 현대 추상화의 발전 사이에 자주 언급되는 연결 중 하나는 그의 작품과 마크 로스코(1903 – 1970)의 작품 사이의 명백한 유사성이다. 전해지는 바에 따르면, 1966년 MoMA에서 열린 터너 회고전을 본 후 로스코는 "이 사람 터너, 그는 나에게서 많은 것을 배웠다."고 말했다. 터너가 죽은 지 반세기가 지난 후 태어난 로스코가 분명 농담을 한 것이다. 그러나 이 터무니없는 발언 뒤에는 예리한 미술계 비판이 숨겨져 있었다. 로스코는 비평가들의 입에서 곧 나올 것이라는 똑같이 어리석은 제안, 즉 그가 터너에게 영향을 받았다는 주장을 미리 차단하고 있었다. 로스코는 두 화가의 작품 사이에서 명백한 유사성을 발견하고 한 화가가 다른 화가에게 영향을 받았다고 가정하는 것이 얼마나 편리하면서도 얼마나 터무니없는 일인지 지적하고 있었다.

“무지개가 있는 에렌브라이트슈타인” (1840)을 고려해 보십시오. 이는 뤼미에르 자크마르-앙드레 전시회에 포함된 터너의 그림 중 하나입니다. 이 그림은 바다 옆의 산 꼭대기에 있는 요새의 경관을 가로지르는 이중 무지개의 흐릿한 인상을 보여줍니다. 이 그림의 색상, 형태 및 구성적 특성은 유명한 헬렌 프랭켄탈러의 그림 “산과 바다” (1952)와 부인할 수 없이 유사합니다. 그렇다면 프랭켄탈러(1928 – 2011)가 터너의 영향을 받았다는 뜻일까요? 가능성은 낮습니다. 그러나 두 그림 모두 비슷한 장소에서 색상과 빛에 대한 유사한 인상에서 영감을 받았습니다. 프랭켄탈러는 이 터너의 그림을 본 적이 없을 수도 있으며, 로스코도 그의 작품을 MoMA에서 보기 전까지 터너에 대해 생각해 본 적이 없을지도 모릅니다. 그렇다고 해서 이 세 화가가 공통점이 전혀 없다는 것은 아닙니다. 터너, 로스코, 프랭켄탈러는 각각 묘사보다 제안을 우선시했습니다. 그들은 또한 자립적인 개인과 자연 사이에서 발생할 수 있는 영적 연결에 대한 세속적 감상을 포함한 초월주의의 근본적인 아이디어에 관심이 있었습니다. 세 명 모두 내성적이고 실험적이며 개인주의적인 화가로서 같은 철학적 배경을 가지고 있기 때문에 그들이 같은 시각적 아이디어에 도달한 것은 놀라운 일이 아닙니다.

이웃에 오신 것을 환영합니다

예술 운동은 동네와 같다: 비슷하게 생긴 것들의 집합체로, 구매자에게 쉽게 설명할 수 있으며, 표면 아래에서 일어나는 일을 깊이 들여다보지 않는 한 충분히 쾌적하다. 터너를 모더니즘 동네나 추상 동네로 옮기는 것은 더 많은 관객들이 소속감을 느끼게 할 수 있지만, 그가 정말로 그곳에 속하는 것일까? 아니면 터너와 진정한 모더니스트 추상 개척자들이 단순히 같은 것들에 관심이 있었던 것일까? 터너가 물 위에 배를 그리거나, 해변에서 개와 놀고 있는 사람들을 그리거나, 무지개를 가로지르는 새들을 그릴 때, 그는 자신이 그린 특정 물체에 덜 관심이 있었고, 오히려 관객들이 이 그림을 보며 자신이 그러한 경험을 했던 시간을 기억할 때 느끼는 감정적 연결에 더 관심이 있었던 것 같다. 그의 흐릿한 작품들, 예를 들어 개인 수채화들은 내러티브보다는 시각적 효과와 그에 따른 감정적 요소에 훨씬 더 집중한다. 그들은 단순한 풍경의 그림이 아니라, 기분의 그림이기도 하다. 그렇다면 터너는 프로토 인상파, 프로토 모더니스트, 아니면 프로토 추상주의자인가?

나는 터너에서 인상주의, 현대주의 또는 순수 추상화를 찾는 것이 기존 약물의 새로운 용도를 찾는 것과 비슷하다고 생각한다. 예를 들어, 아스피린이 두통을 치료하고 심장마비를 예방할 수 있다면, 왜 두 가지 용도로 사용하지 않겠는가? 터너는 분명히 모네, 칸딘스키, 로스코, 프랭켄탈러와 같은 몇 가지 아이디어에 대해 생각하고 있었지만, 그 예술가들과는 달리 터너는 서양 미술을 혁신하겠다는 의도를 정확히 발표하지 않았으므로 우리는 그의 작업에 그 의도를 부여해서는 안 된다. 그러나 그의 작업이 자신의 시대에 대해 뭔가를 말하면서 동시에 다른 예술가들의 시대와 우리의 시대에 대해서도 뭔가를 말할 수 있다면, 왜 그것을 모두 위해 사용하지 않겠는가? 올해 뮤제 자크마르-앙드레에서 전시되는 개인적이고 실험적인 그림들은 시대를 초월한다. 그들은 자신의 능력을 마스터하여 자신이 더 나은 자신이 되기 위해 가장 신경 썼던 예술가의 유산을 확장한다. 현대 추상 예술가들이 이러한 기본 원칙에서 영감을 찾을 수 있다면, 터너에 대한 가장 흥미로운 점은 그가 과거의 추상화에 미친 영향에 대해 추측하는 것이 아니라, 그의 작업이 미래에 미치는 영향을 목격하는 것이 될 것이다.

특집 이미지: J. M. W. 터너 - 베니스: 산 조르지오 마조레 – 이른 아침, 1819, 종이에 수채화, 22.3 x 28.7 cm. 테이트, 1856년 터너 유산의 일환으로 국가에 의해 수용됨, 사진 © 테이트
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio