JMW 터너가 추상 미술에 미친 영향

조셉 말러드 윌리엄 터너 (1775–1851)는 사망 당시 유럽에서 가장 유명한 화가 중 한 명으로 여겨졌습니다. 내성적이고 실험적인 그는 동시대인들보다 훨씬 더 자신을 밀어붙였습니다. 따라서 그의 현대 추상 미술에 대한 영향력을 생각하는 것은 매우 흥미로운 주제입니다. 올해 파리의 자크마르 앙드레 미술관에서 열리는 터너 회고전은 관객들에게 이 대화에 깊이 빠져들 수 있는 독특한 기회를 제공할 것입니다. 테이트 모던 소장품 중 드물게 전시되는 실험적인 터너의 수채화들과 그의 더 잘 알려진 완성된 수채화 및 유화 작품들이 함께 전시됩니다. 이 실험적인 작품들은 터너가 자신의 집과 작업실에 전시했던 개인 소장품의 일부로, 생전에 공개적으로 전시한 적이 없습니다. 대체로 지금 우리가 추상화라고 부르는, 혹은 적어도 그의 개인 의뢰 작품이나 공개 전시 작품보다 더 추상적인 작품들입니다. 그러나 그가 이 작품들을 만들 때 그런 의도가 있었는지는 논쟁의 여지가 있습니다. 이 작품들이 실제로는 언젠가 더 많은 세부를 덧붙이려 했던 미완성 작품이었을까요? 자신의 기술 발전을 위한 형식적 연구였을까요? 아니면 서양 미술에서 순수 추상이 등장하기 훨씬 이전에 터너가 색채와 빛 같은 형식적 미적 요소를 그 자체로 주제로 삼을 가치가 있다고 여겼다는 증거일까요? 터너는 한때 자신의 그림에서 안개 낀 부분에 대해 비판한 평론가에게 “불분명함이 나의 강점이다”라고 응수한 적이 있습니다. 그의 실험적이고 개인적인 수채화들이 가진 모호하고 때로는 신비로운 특성은 이 말의 진실을 분명히 보여줍니다. 또한 이 작품들은 터너를 현대 추상 미술의 선구자로 보는 부담에서 벗어나, 제가 생각하기에 그가 진정으로 속해야 할 독자적인 범주에 놓을 기회를 제공합니다.

암시와 묘사

터너와 현대 추상 미술 발전 사이에 흔히 연결되는 점 중 하나는 그의 작품과 마크 로스코(1903–1970)의 작품 사이의 명백한 유사성입니다. 1966년 MoMA에서 열린 터너 회고전을 본 후 로스코가 “이 터너라는 사람, 그는 나에게서 많은 것을 배웠다”고 말했다고 전해집니다. 터너가 사망한 지 반세기 후에 태어난 로스코가 분명 농담을 한 것이지만, 이 터무니없는 발언 뒤에는 예리한 미술계 비판이 숨어 있었습니다. 로스코는 곧 평론가들 입에서 나올 터너에게 영향을 받았다는 똑같이 어리석은 주장을 미리 차단하려 했던 것입니다. 그는 두 화가의 작품 사이에서 겉보기 유사성을 발견하고 한쪽이 다른 쪽에 영향을 받았다고 가정하는 것이 얼마나 편리하면서도 어리석은 일인지 지적한 것입니다.

자크마르 앙드레 미술관 전시에 포함된 터너의 작품 중 하나인 “에렌브라이트슈타인과 무지개” (1840)를 생각해 보십시오. 이 작품은 바다 옆 산 위 요새를 가로지르는 이중 무지개의 안개 낀 인상을 보여줍니다. 이 그림의 색채, 형태, 구도는 헬렌 프랭켄탈러의 유명한 작품 “산과 바다” (1952)와 부인할 수 없이 유사합니다. 그렇다면 프랭켄탈러(1928–2011)가 터너에게 영향을 받았을까요? 가능성은 낮습니다. 두 작품 모두 비슷한 장소에서 색채와 빛에 대한 유사한 인식에서 영감을 받았습니다. 프랭켄탈러는 이 터너 작품을 본 적이 없을 수도 있고, 로스코 역시 MoMA에서 터너 작품을 보기 전까지 터너에 대해 생각해 본 적이 없을 수도 있습니다. 그렇다고 해서 이 세 화가가 공통점이 전혀 없다는 뜻은 아닙니다. 터너, 로스코, 프랭켄탈러는 모두 묘사보다 암시를 우선시했습니다. 또한 이들 모두는 초월주의의 근본 사상, 즉 자립적인 개인과 자연 사이에 생길 수 있는 영적 연결에 대한 세속적 감상을 중요하게 여겼습니다. 내성적이고 실험적이며 개성 강한 화가들이 같은 철학적 바탕에서 출발했기에, 이들이 비슷한 시각적 아이디어에 도달한 것은 놀라운 일이 아닙니다.

이웃에 오신 것을 환영합니다

예술 운동은 마치 동네와 같습니다. 비슷한 모습의 것들이 모여 있어 구매자에게 쉽게 설명할 수 있고, 표면 아래에서 무슨 일이 일어나는지 너무 깊이 들여다보지 않는 한 충분히 쾌적합니다. 터너를 현대주의 동네나 추상주의 동네에 넣으면 더 많은 관객이 자신이 그곳에 속한다고 느낄 수 있지만, 정말 그가 속해야 할 곳일까요? 아니면 터너와 진정한 현대 추상 미술 선구자들이 단지 몇 가지 같은 것에 관심을 가졌던 것일까요? 터너가 물 위의 배, 해변에서 개와 노는 사람들, 무지개를 가로지르는 새들을 그릴 때, 그는 구체적인 대상보다는 관람자가 이 그림을 보고 자신이 그런 경험을 했던 때를 떠올리며 느끼는 감정적 연결에 더 관심이 있었던 것 같습니다. 그의 더 흐릿한 작품들, 예를 들어 개인 수채화들은 이야기보다는 시각적 효과와 그에 따른 감정에 훨씬 더 집중합니다. 이들은 단순한 풍경화가 아니라 기분을 그린 그림입니다. 그렇다면 터너는 전(前) 인상파, 전(前) 현대주의자, 아니면 전(前) 추상주의자일까요?

저는 터너에게서 인상주의, 현대주의, 순수 추상을 찾는 것은 기존 약의 새로운 용도를 발견하는 것과 비슷하다고 생각합니다. 예를 들어 아스피린이 두통을 치료하고 심장마비도 예방할 수 있다면, 왜 두 가지 모두에 사용하지 않겠습니까? 터너는 분명 모네, 칸딘스키, 로스코, 프랭켄탈러와 비슷한 생각을 했지만, 그들처럼 서양 미술 혁명을 선언하지는 않았으므로 그런 의도를 그의 작품에 부여해서는 안 됩니다. 그러나 그의 작품이 자신의 시대에 대해, 그리고 다른 화가들의 시대와 우리 시대에 대해 무언가를 말해 줄 수 있다면, 왜 그 모든 용도로 사용하지 않겠습니까? 올해 자크마르 앙드레 미술관에서 전시되는 개인적이고 실험적인 그림들은 시대를 초월합니다. 이들은 자신의 능력을 완벽히 익혀 자신다워지려 했던 화가의 유산을 확장합니다. 현대 추상 미술가들이 이러한 근본 원리에서 영감을 얻을 수 있다면, 터너에 대해 가장 흥미로운 점은 과거 추상 미술에 끼친 영향에 대한 추측이 아니라 그의 작품이 미래에 끼칠 영향일 것입니다.

대표 이미지: J. M. W. 터너 - 베니스: 산 조르조 마조레 – 이른 아침, 1819년, 종이에 수채화, 22.3 x 28.7 cm. 테이트, 터너 유산의 일부로 국가에 기증 1856년, 사진 © 테이트
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 제공