IdeelArt가 Richard Caldicott가 큐레이션한 정사각형에 대한 경의를 표하는 전시회를 소개합니다.

다양한 분야의 예술가인 Caldicott는 혁신적인 사진 추상화 시리즈로 잘 알려져 있으며, 오랫동안 정사각형의 다양한 속성에 매료되어 왔습니다. 추상 미술의 가장 오래된 뿌리 중 일부는 이 단순한 형태에서 찾을 수 있지만, 예술가들이 작업에서 사용하는 것은 단순한 기하학적 요소로서의 정사각형만이 아닙니다. 정사각형은 또한 예술가들에게 상징, 형식주의적 제로 포인트, 심지어 철학적 또는 형이상학적 탐구의 촉매제로 다양하게 사용되어 왔습니다.

1915년 마지막 미래파 회화 전시회 0.10에서 그의 그림 "검은 사각형"이 일으킨 분노를 회상하며, 키예프 출신의 예술가 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)는 1927년 저서 "비객관적 세계(The Non-Objective World)"에서 "1913년, 현실 세계의 무거운 짐에서 예술을 절실히 해방시키려 하면서, 나는 사각형의 형태에 피신했다."고 썼다. 말레비치는 비평가들이 그렇게 불쾌해한 것이 사각형 그 자체가 아니라, 사각형이 나타내는 것—즉, 주제의 중요성을 부정하는 것—이라는 것을 알고 있었다. 단순해 보이는 그의 검은 사각형 그림은 하얀 사각형 캔버스 중앙에 위치해 있으며, 말레비치가 쓴 대로 "그림 그리기 행위를 그 자체로 끝내는 혁신적인 시도"였다.

말레비치 이후 한 세대가 지난 후, 독일 태생의 미국 추상 화가 요제프 알버스는 그의 가장 다작이자 상징적인 시리즈인 “정사각형에 대한 경의”의 출발점으로 정사각형을 채택했다. 1950년부터 1976년까지(그의 생애 마지막 26년 동안), 알버스는 1,000점 이상의 “정사각형에 대한 경의” 그림을 제작했다. 이 시리즈를 정의하는 엄격한 규칙은 각 그림이 거의 동일한 구성을 가져야 한다는 것이었다. 즉, 평평한 정사각형 표면에 그려진 동심원 형태의 서로 다른 색상의 정사각형들이었다. 알버스는 순수한 색상을 튜브에서 직접 꺼내어 팔레트 나이프를 사용해 얇은 층으로 칠했으며, 색상이 겹치지 않도록 극도로 주의하고 그의 손의 흔적이 드러나지 않도록 했다. 수십 개의 박물관에 전시되어 있으며, 심지어 미국 우표에도 등장한 “정사각형에 대한 경의”는 지금까지 제작된 가장 유명한 추상화 시리즈 중 하나이지만, 이 작품은 사실 정사각형에 관한 것이 아니라 색상에 관한 것이었다. 알버스가 그의 교육용 작업집인 《색의 상호작용》(1963)에서 쓴 것처럼, “색상은 여러 얼굴을 가지고 있으며, 1색은 2가지 다른 색으로 보이게 할 수 있다. 시각적 인식에서 색상은 거의 항상 실제 모습, 즉 물리적으로 존재하는 모습으로 보이지 않는다. 이 사실은 색상을 예술에서 가장 상대적인 매체로 만든다.”

"정사각형에 대한 경의"(알버스, 말레비치 등)에서, Caldicott은 30명의 현대 추상 예술가들이 만든 다양한 작품을 모아 현대 추상에서 정사각형의 거의 무한한 잠재력을 탐구합니다.

칼디콧의 “Chance/Fall (6), 2010” (2010)에서는 방사형 보라색 필드 안에서 물질화되는 과정에 있는 듯한 유령 같은 파란 정사각형을 볼 수 있습니다. Caldicott은 알버스와 마찬가지로 시리즈로 작업하지만, 이 시리즈의 제목이 암시하듯이, 이러한 구성은 엄격한 시스템에서 태어나는 것이 아니라 주로 즉흥적인 방법에서 발생합니다.

호주 태생의 Brent Hallard는 정사각형과 기타 기하학적 형태를 사용하여 관객의 인식을 도전하는 시각적으로 활동적인 구성물을 만듭니다. “QBE II” (2015)의 배열은 공간으로 뻗어 나가는 정사각형을 사용하여 큐브가 되어 평면성과 깊이를 유쾌하게 표현합니다.

Brent Hallard -QBE II, 2015. 300 lb 아르쉬스에 아크릴. 35.6 x 35.6 cm.

테네시 웨버의 “박시” (2005)는 말레비치의 “검은 사각형”에 대한 인상적인 현대적 반영을 제공하며, 흰색 사각형이 검은 공허 속에서 16개의 더 작은 사각형으로 분해되는 것처럼 부정적 공간과 긍정적 공간의 정의에 도전합니다. 이 작품은 이 캐나다 사진작가의 과정의 상징으로, 플렉시글라스 판 위에 실과 손으로 자른 종이 모양을 겹쳐 카메라 없는 사진을 만드는 작업을 포함합니다.

미국 아티스트 오드리 스톤의 작업에서 이차적 의미는 중요하다. 그녀의 드로잉 "Nb. 8" (2008)은 세 개의 동심원 사각형이 일련의 선들로 형성되어 알버스를 떠올리게 한다. 스톤은 선을 만들기 위해 실, 잉크, 그래파이트의 혼합물을 사용하여 관객이 선과 형태의 정의, 그리고 이러한 재료에 내재된 의미를 깊이 생각해 보도록 초대한다.

경리의 "Painted empty without" (2018)"의 정사각형 형식은 한국 아티스트의 Color as Adjective 시리즈의 일환으로, 양각된 텍스트가 색조와 협력하여 색상과 단어의 감정적 내용 사이의 숨겨진 연결을 전달하는 형식적 구조를 제공합니다.

Kyong Lee - 비어있게 그려진, 2018. 아크릴화, 캔버스. 60.6 x 60.6 cm.

그녀의 붓 자국의 제스처적 물리성이 관객이 가장 먼저 주목할 수 있는 부분일지라도, 미국 화가 Anne Russinof에게 작품은 색상에서 시작된다. "옐로우 쉰" (2014)에서 대담하고 서정적인 노란색 붓 자국이 깊은 빨간색 바탕 위에 퍼져 있으며, 진동하는 듯한 빛나는 꿈 같은 정사각형의 느낌을 만들어낸다.

알버스처럼, 미국 아티스트 멜 프레스트는 색상 관계에서 나타나는 지각 현상에 관심이 있다. 그녀의 그림 “SOM” (2019)에서는 손으로 그린 선과 동심원 색상 정사각형이 에너지로 진동하는 것처럼 보인다. “행성 시간에 대한 찬사”라는 제목의 시리즈의 일환으로, 이 구성은 그녀가 혈색 달 월식 동안 목격한 점진적인 변화에서 영감을 받았다.

Pierre Muckensturm의 작품은 예술가의 평온과 조화를 찾는 탐구에 의해 영향을 받습니다. 그의 그림 “11p1831” (2011)은 정사각형과 십자가의 사용으로 말레비치의 유산을 불러일으킵니다. 체계적인 선들과 작품의 닳은 표면은 시간의 흐름을 떠올리게 합니다.

미국 아티스트 Jill Moser는 서면 언어의 시각적, 지표적 및 제스처적 특성에 영감을 받습니다. 그녀의 리소그래프 “버가” (2012)는 서정적이고 구체적인 요소들이 겹쳐져 있는 시적인 융합을 포착하며, 오프 화이트 사각형의 공허 속에 떠 있습니다.

Jill Moser - 비르가, 2012. 리토그래프. 76.2 x 76.2 cm.

“정사각형에 대한 경의” (알버스, 말레비치 등)의 초대 아티스트: Tracey Adams, Jeremy Annear, 폴 베인크, Arvid Boecker, Macyn Bolt, Ashlynn Browning, Richard Caldicott, 루크 드 한, Fieroza Doorsen, Tommaso Fattovich, Jean Feinberg, Joanne Freeman, Dana Gordon, Daniel Göttin, Elizabeth Gourlay, Brent Hallard, Matthew Langley, Kyong Lee, 스티븐 메인, Tom McGlynn, Gudrun Mertes-Frady, Holly Miller, Jill Moser, Pierre Muckensturm, 멜 프레스트, Debra Ramsay, Anne Russinof, Peter Soriano, 오드리 스톤, 그리고 Tenesh Webber.

특집 이미지: Richard Caldicott - Chance/Fall (6), 2010, 2010. C 프린트. 127 x 101.6 cm.
필립 Barcio