IdeelArt가 Richard Caldicott가 큐레이션한 정사각형에 대한 경의를 표하는 전시회를 소개합니다.
혁신적인 사진 추상 시리즈로 잘 알려진 다학제 예술가 Caldicott는 오랫동안 정사각형의 다양한 특성에 매료되어 왔습니다. 추상 미술의 가장 오래된 뿌리 중 일부는 이 단순한 형태에서 찾을 수 있지만, 예술가들이 작품에 사용하는 것은 단순한 기하학적 요소로서의 정사각형만이 아닙니다. 정사각형은 예술가들에게 상징, 형식주의의 출발점, 심지어 철학적 또는 형이상학적 탐구의 촉매제로도 다양하게 활용되어 왔습니다.
1915년 미래파 회화 마지막 전시회 0.10에서 그의 작품 “Black Square”가 일으킨 충격을 회상하며, 키예프 출신 예술가 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)는 1927년 저서 《비객관적 세계》에서 “1913년, 현실 세계의 무거운 짐에서 예술을 해방시키기 위해 필사적으로 노력하던 나는 정사각형 형태에 피신했다.”고 썼습니다. 말레비치는 비평가들을 가장 불편하게 만든 것이 정사각형 자체가 아니라, 정사각형이 상징하는 것—즉, 주제의 중요성을 부정하는 것임을 알고 있었습니다. 흰색 정사각형 캔버스 중앙에 단 하나의 검은 정사각형을 그린 그의 소박한 그림은, 말레비치가 쓴 대로 “그 자체로 목적이 되는” 회화 행위를 시도한 혁명적인 작품이었습니다.
말레비치 세대 이후, 독일 출신 미국 추상 미술가 Josef Albers는 정사각형을 출발점으로 삼아 가장 다작이자 상징적인 시리즈인 “Homage to the Square”를 만들었습니다. 1950년부터 1976년까지(그의 생애 마지막 26년 동안) Albers는 1,000점이 넘는 “Homage to the Square” 작품을 제작했습니다. 이 시리즈를 규정하는 엄격한 규칙은 각 작품이 거의 동일한 구성을 갖는다는 것이었습니다—평평한 정사각형 표면 위에 동심원 형태로 서로 다른 색의 정사각형들이 그려지는 것입니다. Albers는 순수한 색을 종종 튜브에서 바로 꺼내 얇게 팔레트 나이프로 칠하며, 색이 겹치지 않도록 하고 붓 자국이 드러나지 않도록 극도로 신경 썼습니다. 수십 개 박물관에 소장되고 미국 우표에도 등장한 “Homage to the Square”는 가장 유명한 추상화 시리즈 중 하나지만, 이 작품은 사실 정사각형 자체에 관한 것이 아니라 색에 관한 것이었습니다. Albers는 그의 교육용 교재 《Interaction of Color》(1963)에서 “색은 여러 얼굴을 가지고 있으며, 한 색이 두 가지 다른 색으로 보일 수 있다. 시각적 인식에서 색은 거의 실제 모습 그대로 보이지 않는다. 이 사실이 색을 예술에서 가장 상대적인 매체로 만든다.”고 썼습니다.
“Homage to the Square”(Albers, Malevich 등)에서 Caldicott는 30명의 현대 추상 미술가들의 다양한 작품을 모아 현대 추상에서 정사각형이 지닌 거의 무한한 가능성을 탐구합니다.
Caldicott의 “Chance/Fall (6), 2010”(2010)에서는 방사형 보라색 배경 안에서 형체를 이루어 가는 듯한 유령 같은 파란 정사각형을 볼 수 있습니다. Albers처럼 Caldicott도 시리즈 작업을 하지만, 이 시리즈 제목이 암시하듯 이 구성들은 엄격한 체계에서 태어난 것이 아니라 주로 즉흥적인 방법에서 비롯됩니다.
호주 출신 Brent Hallard는 정사각형과 다른 기하학적 형태를 사용해 관람자의 인식을 도전하는 시각적으로 활동적인 구성을 만듭니다. “QBE II”(2015)는 공간으로 뻗어 나가 입체가 된 정사각형을 배치해 평면성과 깊이를 장난스럽게 표현합니다.
Brent Hallard -QBE II, 2015. 300파운드 아르쉬 종이에 아크릴. 35.6 x 35.6 cm.
Tenesh Webber의 “Boxy”(2005)는 말레비치의 “Black Square”를 현대적으로 반영하며, 흰 정사각형이 검은 공허 속에서 16개의 작은 정사각형으로 분해되는 듯한 모습으로 음영과 양공간의 정의에 도전합니다. 이 작품은 캐나다 사진작가의 작업 방식을 상징하는데, 이는 실과 손으로 자른 종이 조각을 플렉시글라스 판 위에 겹쳐 카메라 없이 사진을 만드는 과정입니다.
미국 예술가 Audrey Stone의 작품에서는 이차적 의미가 중요합니다. 그녀의 드로잉 “Nb. 8”(2008)은 Albers를 연상시키는데, 세 개의 동심 정사각형이 일련의 선들로 형성됩니다. Stone은 실, 잉크, 흑연을 혼합해 선을 만들며, 관람자가 선과 형태의 정의뿐 아니라 이 재료들에 내재된 의미를 숙고하도록 초대합니다.
한국 예술가 Kyong Lee의 “Painted empty without”(2018)—그의 ‘형용사로서의 색’ 시리즈 일부—는 정사각형 형식을 통해 양각 텍스트와 색조가 협력하여 색과 단어의 감정적 내용 사이 숨겨진 연결을 전달합니다.
Kyong Lee - Painted empty without, 2018. 캔버스에 아크릴. 60.6 x 60.6 cm.
미국 화가 Anne Russinof의 작품에서 붓 자국의 몸짓적 물리성은 관람자가 가장 먼저 눈치채는 부분일 수 있지만, 그녀에게 작품은 색에서 시작됩니다. “Yellow Sheen”(2014)에서는 대담하고 서정적인 노란 붓 자국이 짙은 붉은 바탕 위에 퍼져 진동하는 빛나는 꿈결 같은 정사각형의 느낌을 만듭니다.
Albers처럼 미국 예술가 Mel Prest도 색 관계에서 나타나는 지각 현상에 관심이 많습니다. 그녀의 작품 “SOM”(2019)에서는 손으로 그린 선과 동심의 색 정사각형들이 에너지로 진동하는 듯 보입니다. ‘행성 시간 찬양’ 시리즈의 일부인 이 작품은 혈월 월식 동안 점진적으로 일어난 변화를 보고 영감을 받았습니다.
Pierre Muckensturm의 작품은 평온과 조화를 찾는 그의 탐구에서 비롯됩니다. 그의 그림 “11p1831”(2011)은 정사각형과 십자가를 사용해 말레비치의 유산을 떠올리게 합니다. 치밀한 선과 닳은 표면은 시간의 흐름을 상기시킵니다.
미국 예술가 Jill Moser는 문자 언어의 시각적, 지시적, 몸짓적 특성에서 영감을 받습니다. 그녀의 석판화 “Virga”(2012)는 서정적이고 구체적인 요소들이 겹쳐져 흰색 틀 안에 놓인 연한 흰색 정사각형의 공허 속에 떠 있는 시적 융합을 포착합니다.
Jill Moser - Virga, 2012. 석판화. 76.2 x 76.2 cm.
“Homage to the square”(Albers, Malevich 등)에 참여한 작가들: Tracey Adams, Jeremy Annear, Paul Behnke, Arvid Boecker, Macyn Bolt, Ashlynn Browning, Richard Caldicott, Luuk de Haan, Fieroza Doorsen, Tommaso Fattovich, Jean Feinberg, Joanne Freeman, Dana Gordon, Daniel Göttin, Elizabeth Gourlay, Brent Hallard, Matthew Langley, Kyong Lee, Stephen Maine, Tom McGlynn, Gudrun Mertes-Frady, Holly Miller, Jill Moser, Pierre Muckensturm, Mel Prest, Debra Ramsay, Anne Russinof, Peter Soriano, Audrey Stone, 그리고 Tenesh Webber.
대표 이미지: Richard Caldicott - Chance/Fall (6), 2010, 2010. C 프린트. 127 x 101.6 cm.
사진: Phillip Barcio
