클로드 비알라와의 인터뷰

20세기 후반 프랑스 미술사를 이야기할 때 프랑스 및 국제 미술계의 주요 인물인 클로드 비알라를 언급하지 않으면 완전하지 않을 것입니다. 이 놀라운 창작자는 지난 몇십 년간 가장 위대한 프랑스 추상 화가 중 한 명입니다. 그는 다양한 스타일과 접근 방식을 실험했던 시기도 있었지만, 클로드 비알라는 자신의 시각 언어에 충실했으며, 종종 전통적인 규칙과 회화 기법을 깨뜨렸습니다. 비알라는 특히 캔버스에 스트레처 없이 부착된 단일 형태를 사용하는 그의 유명한 방법으로 찬사를 받고 있습니다. 파리의 갤러리 다니엘 템플론에서 열릴 클로드 비알라의 다가오는 개인전 전에, IdeelArt는 아트 미디어 에이전시와 협력하여 그가 살고 작업하는 프랑스 니메의 아티스트 스튜디오에서 오후를 보낼 기회를 가졌고, 독점 인터뷰를 진행했습니다.

클로드 비알라 - 본질과 부정

비알라의 경력에서 뛰어난 점은 그가 다른 사람들이 그것을 어떻게 인식하든 자신의 규칙과 기준에 항상 충실했다는 사실이다. 경력 초기에 비알라는 Supports/Surfaces 운동의 일원으로, 다른 예술가들과 함께 재료와 창의적인 제스처에 집중하며 주제를 뒤로 미뤘다. 그의 색상과 질감에 대한 실험은 그가 가장 잘 알려진 여러 작품의 창작으로 이어졌다. 또한 비알라는 재활용 재료, 우산, 다양한 직물, 엮거나 매듭지은 로프 등 다양한 표면에 그림을 그렸다. 현대 추상 미술의 위대한 인물인 클로드 비알라는 여전히 활동 중이며, 그의 경력은 50년에 걸쳐 있다. 파리의 갤러리 템플론은 이 주요 프랑스 예술가의 작품에 대한 새로운 역사적 관점을 제시하는 전시회를 조직하고 있다. 전시는 6월 4일에 개막하며 2016년 7월 23일까지 관람할 수 있다.

당신의 작업은 반복-차이 쌍에 크게 의존합니다. 제스처, 절차의 반복; 재료, 색상의 차이…

"내 작업은 무엇보다도 사물의 일상적인 본질에 관한 것이라고 말하고 싶습니다. 우리는 모두 같은 제스처를 끊임없이 반복하는 사람들이며, 이러한 제스처에서 항상 다른 상황을 얻습니다. 매일은 같은 것을 반복하지만 그 결과는 다릅니다."

이것이 나의 작업 원리입니다: 비슷한 재료에서 같은 제스처를 수행하고, 심지어 다른 재료에서 수행할 경우—매일매일 매우 다른 결과를 얻을 것입니다. 나는 새로운 것을 발명하려고 하지 않습니다: 나는 사물이 스스로 새로운 것을 발명할 수 있도록 그렇게 오도록 합니다.

매일, 나는 살고, 제출하고, 모으고, 반성하고, 인상, 감정, 비전을 구출한다. 나는 이 모든 것이 나를 기 nourish 하도록 한다. 나는 코팅되지도 붙여지지도 않은 캔버스에서 작업할 때, 재료가 중요하다. 색상의 기름기 정도에 따라 재료는 다르게 반응한다: 그것은 색을 흡수할 수도 있고, 저항할 수도 있으며, 흡수하지 않고도 서 있을 수 있게 하거나, 반대로 흡수하고 확산시킬 수도 있다. 나는 벨벳, 방수포, 시트와 같은 재료들이 색상과 관련하여 전혀 다른 효과를 만들어내는 방식을 탐구한다.

너’종종 훌륭한 색채가로 묘사됩니다.

나는 색이 드러나는 방식을 받아들인다, 그게 전부다. 화가는 색조를 맞추기 위해 그렇게 찾는다. 나는 톤을 직물, 재료 위에 놓고 그것을 받아들인다.

이러한 수용, 체념, 제스처의 반복이라는 개념을 통해 우리는 아시아 철학과 몇 가지 유사점을 찾을 수 있습니다. 이것이 당신의 작업에 영향을 미치나요??

철학에서 나를 흥미롭게 하는 것은 무언가가 일어날 때 개입하지 않기로 하는 노력이다. 일어나는 일을 받아들이고, 그것을 기억하고, 나중에 분석하는 것 – 또한 다르게 작업했더라면 생겼을 가능성을 보고, 같은 자료로 표현된 차이들. 나는 이 모든 것을 기억에 새기고, 잊어버린 다음 다시 시작하는 것을 목표로 한다.

클로드 비알라의 작업실

 클로드 비알라 -  제목 없음 n°39, 1985 , 아크릴, 220 x 320 cm , 86 5/8 x 126 in

그림 스타일에 대하여

이것이 당신의 그림에 대한 정의인가요?

이것이 그 안에 있습니다. 나는 회화의 종말에 대해 생각했던 세대에 속합니다. 1950년대에는 "마지막 회화"라는 개념에 대해 자주 들었습니다. 요컨대, 다른 방식의 발명이 필요했습니다.

내 생각에, 다르게 그림을 그리는 것은 내 직업에 대한 질문을 하는 문제입니다. 그것은 무엇으로 구성되어 있습니까? 캔버스를 가져와서 프레임에 올리고, 붙이고, 옷을 입히고, 그런 다음 올바른 색조를 찾기 위해 다양한 색상을 추가하는 것입니다. 나는 원단 캔버스를 프레임에 늘려보고, 보편적인 색소로 만든 뜨거운 젤라틴으로 색상을 작업해 보았습니다. 나는 또한 목재 색상을 사용하고, 물과 알코올로 안료를 희석해 보았으며, 보장이 없는 덧없는 색소나 아크릴을 사용해 보았습니다.

첫 번째 단색화들은 여전히 캔버스를 프레임 위에 펼치고자 하는 욕망을 보여주었다. 그러나 캔버스를 프레임 위에 펼치는 것이 그림을 만든다면, 이 두 요소 간의 긴장이 새로운 유형의 그림을 만들어내는 방식으로 프레임을 한쪽에 두고 캔버스를 다른 쪽에 두어 이 메커니즘을 해체할 필요가 있었다.

우리는 Supports/Surfaces와 함께 이것을 발견했습니다. Dezeuze는 캔버스 없이 프레임 작업을 했고; Saytour는 원시 캔버스에 그리드를 표현했습니다. 즉, 그는 프레임의 이미지를 캔버스에 올렸습니다. 그리고 저는 프레임 없이 캔버스에서 작업했으므로, 그 결과 그림의 해체가 이루어졌습니다.

회고적으로, 이 회화 매체의 해체를 어떻게 보십니까?

그것은 필요했다. 젊은 미국인들은 여전히 회화의 해체에 대해 궁금해하지만 항상 프레임을 전면으로 가져온다. 캔버스를 프레임에서 떼어내는 것이 예술의 역사에 반하는 것처럼 느껴진다. 나에게 그것은 회화를 해방시킨 평행한 역사이며, 적어도 한 방향에서는 그렇다. 국제적인 장면을 살펴보면, 늘어뜨린 캔버스에서 작업하는 예술가는 드물다. 미국인들은 프레임을 벗어나는 데 어려움을 겪고 있다.

당신의 작업은 마티스가 제기한 그림에 대한 관심을 기울이는 아이디어와 연결됩니다.’s 기본 객체.

마티스가 그림을 그릴 때, 때때로 캔버스의 흰색이 그림에 나타났습니다. 이는 전통적으로 이단으로 여겨졌습니다. 제 작업에서는 천 자체가 매개체가 되고, 동시에 평균 색상이 됩니다. 다시 말해, 색상 분포가 조직되는 기준, 즉 그 물질입니다. 모든 것은 이 기준에 따라 반응합니다. 이 매개체의 질에 따라 우리는 그것과 관계를 형성할 것들이 생겨납니다.

추상과 관련하여 자신을 어떻게 위치시키나요?

내 그림은 추상이나 형상화의 문제가 아니라 같은 형태의 반복으로 구성된 시스템이다. 내가 형태는 바꾸지만 시스템은 바꾸지 않으면, 나는 아무것도 바꾸지 않는 것이다. 나는 같은 형태를 고집하고 같은 형태의 반복이 구현하는 일상의 패러독스를 느끼면서 내가 가진 자유를 인식하게 된다. 매일 나는 무한히 다른 캔버스를 구성하고, 이것이 나에게 매우 넓은 자유를 준다.

일반적으로, 나는 내 원단을 선택하지 않고 사람들이 나에게 가져다 줍니다. 나는 예상치 못한 재료로 작업하려고 합니다. 무엇보다도 재료와 그 품질이 내 작업의 대부분을 차지합니다.

당신은 1970년대에 미국으로 여행을 갔고 아메리카 원주민 예술에 감동받았습니다.

내 작업을 무엇이 자극하는가? 물론 서양 회화의 역사이지만, 모든 회화의 역사, 즉 동양, 극동, 호주, 미국의 역사도 포함된다. 여기서 미국은 "토착"을 의미한다. 텐트나 방패에 그림을 그린 모든 인디언 민족이 나에게 영감을 준다. 방패 그림은 보통 둥근 지지대에 그려지며, 토템 동물과 전투의 결과물—여우나 늑대의 꼬리, 두개골 등으로 가득 차 있다. 요컨대, 전사의 이야기를 전하는 모든 것이다. 인디언 방패는 단순히 방어용이 아니라 전사의 상징적 이미지이기도 하다. 방패는 둥글고, 일반적으로 버드나무 가지를 둥글게 구부려서 만든 후 묶어서 제작된다. 즉, 기본적인 원이다. 이것은 둥근 프레임의 기본 이미지이다; 마치 아치가 프레임에 팽팽하게 늘어진 캔버스의 가장 극단적인 이미지인 것처럼—나무에 팽팽하게 늘어진 줄과 같다. 이 두 개체는 기본적이다.

유사하게, 선사 시대는 최초의 그림 표현의 시대였다. 그리고 최초의 그림 표현은 무엇이었을까? 인간의 손자국; 다시 말해, 누군가 미끄러져 진흙에 넘어졌고, 그 후 동굴의 벽에 손을 대었다. 미끄러지는 행위와 진흙에 손을 담그는 행위는 벽에 남겨진 손자국을 만들어냈다… 진흙이 마르면서 손의 이미지가 형성되었다: 이것이 최초의 초상화였다. 타자는 자신의 일부, 흔적, 자국으로 표현되었다. 이 첫 번째 이미지 이후, 표현은 더 복잡해져서 인간은 자신의 손 위에 입에서 물감을 뱉어내어 손의 대칭형을 만들었다. 오른손은 뒤집힌 왼손이었다. 손 위에 뱉는 행위는 시각을 넓히고 좁히는 역할을 했다. 이미 표현에는 무한한 가능성이 내재해 있었다.

당신의 작업은 본질과 기원에 대한 반성과 관련이 있는 것 같습니다.

그것이 내가 하려고 하는 일이다. 원, 후프, 방패, 아치는 기본 요소들이다. 역사 속에는 기본적이고 원초적인 특정 제스처나 시스템에 대한 지식이 있다. 예를 들어, 물체를 들어 올리거나 막는 쐐기, 무언가가 굴러다니지 않도록 멈추게 하는 것이다. 수직선을 측정하는 방법으로서, 수직을 결정하는 동시에 돌과 줄로 이루어진 수직선이 있다. 이 모든 요소는 이 줄과 이 돌에 포함되어 있다. 또한, 가로테나 스틸리야드 저울도 있다... 이들은 보편적이고 기본적인 시스템이다. 내가 조각에서 관심을 가지는 것은 이러한 간단하고 보편적인 시스템을 재사용하거나 질문하는 것이다.

당신의 조각들은 보편 문법을 구성하나요?

그들은 불안정하고 고정되지 않은 객체들로, 그들의 불안정성 속에 남겨져 있으며 어떤 보안도 제공하지 않습니다. 그러나 예술의 역사는 또한 예술 시장의 역사이며, 이러한 것들은 전통적으로 시장에서 가치 있게 여겨지는 특성이 아닙니다. 그들은 보안을 제공하지 않습니다.

클로드 비알라의 스튜디오

 

클로드 비알라 스튜디오

예술 시장 및 지원/표면에 대하여

너무 다작을 하다 보니, 당신의 작업은 시장과 반대되는 것 같습니다. 시장과의 관계는 어떤가요?

내 모든 작업은 예술의 신화를 해체하는 것을 목표로 한다. 전통적으로 시장을 특징짓는 몇 가지 요소가 있다. 예를 들어, 예술가의 서명이나 희소성이 그것이다. 나는 그것들에 반대한다. 내 작업은 다산적이며, 나는 그려진 실과 그려진 캔버스에 똑같은 중요성을 부여한다. 모든 회화 요소는 회화를 구성한다. 회화에서의 실은 그 회화와 같은 이유로 회화이다. 나는 캔버스에 서명할 수 있지만 실에는 서명할 수 없다. 그렇다면 실에 서명할 수 없는 내가 왜 캔버스에 서명해야 하는가?

그 다음으로 아름다운 재료의 상태, 아름다운 직업, 재료의 안전성 및 캔버스의 성스러움이 있습니다. 제 모든 작업은 이것에 반대합니다. 저는 작업하는 것을 즐기고, 왜 제가 이 즐거움을 포기해야 하는지 이해할 수 없습니다 — 그리고 무엇을 위해서인지. 아마도 제 캔버스는 그로 인해 고통받을지 모르지만, 저는 그렇지 않습니다. 나머지는 딜러의 문제이며, 저와는 관계가 없습니다.

아마도 나는 잘난 척하는 사람일지도 모른다. 나는 아무것도 추구하지 않기 때문에 실수를 하지 않는다. 나는 창조하고, 내가 창조한 것을 받아들인다. 나에게 모든 캔버스는 같은 중요성을 지닌다.

모든 통제 의도를 포기하셨습니까?

가장 어려운 것은 우리가 매일 하는 일을 완벽하게 다루지 못하는 것을 받아들이는 것입니다. 우리가 하는 일을 마스터하지 못하는 것을 받아들이는 것은 일종의 자기 통제입니다. 내 작업을 변화시키는 가장 좋은 방법은 내가 무엇을 할지 모르는 것이고, 스스로 발견하도록 강요하며, 내가 방금 한 일을 분석하고 내가 할 수 있는 일을 예측하는 것입니다. 나에게 이것은 내가 상상한 모든 가능성을 인식하고, 그 가능성을 필요로 하지 않는 것을 의미합니다. 왜냐하면 작업은 스스로 결과를 내기 때문입니다.

'Supports/Surfaces'가 미국에서 발굴되었습니다. 이에 대해 어떻게 생각하십니까?

"Supports/Surfaces의 작업이 미국에 도착했고, 미국 화가들이 그 당시 우리가 했던 것과 같은 질문을 하고 있지만, 그들만의 방식으로 하고 있다는 것은 저에게 전혀 이상하지 않습니다."

이것이 사물이 작동하는 방식입니다. 1970년대 초, 저는 파리 비엔날레에서 그물을 선보였습니다. 그때 미국 화가와 일본 화가가 같은 시기에 같은 일을 했는데, 우리는 서로를 알지 못했습니다. 그들 각자의 문화에 따라, 그들은 서로 다른 논리를 바탕으로 이 이미지를 도출해냈습니다. 저는 이것이 매력적이라고 생각합니다.

그러나 만약 회화가 변한다면, 이는 주로 이미지에 영향을 미치지 않는다 - 예술가들은 오직 이미지만을 본다, 이것이 우리 시대의 맹점이다. 이미지의 수정은 회화와 관련이 없다, 왜냐하면 흥미로운 것은 바로 회화 자체이기 때문이다. 기본적인 질문은: "회화란 무엇인가?"

특집 이미지: 클로드 비알라의 스튜디오에서

아트 미디어 에이전시(AMA)는 이 인터뷰를 진행하는 데 참여했습니다. AMA는 예술 시장에 초점을 맞춘 국제 뉴스 에이전시입니다. AMA는 매주 300개 이상의 기사를 제작하며, 갤러리, 경매 하우스, 박람회, 재단, 박물관, 예술가, 보험, 배송 및 문화 정책을 포함한 예술 세계의 모든 측면을 다룹니다.

클로드 비알라 스튜디오의 이미지 ©IdeelArt