클로드 비알라와의 인터뷰

20세기 후반 프랑스 미술사는 프랑스 및 국제 미술계의 주요 인물인 Claude Viallat를 언급하지 않고는 완전하지 않습니다. 이 뛰어난 창작자는 지난 수십 년간 가장 위대한 프랑스 추상 미술가 중 한 명입니다. 다양한 스타일과 접근법을 실험한 시기도 있었지만, Claude Viallat는 종종 전통적인 규칙과 회화 기법을 깨면서도 자신의 시각 언어에 충실했습니다. 특히 Viallat는 캔버스에 스트레처 없이 단일 형태를 부착하는 유명한 방법으로 찬사를 받습니다. 파리의 Galerie Daniel Templon에서 열리는 Claude Viallat의 다가오는 개인전 전에, IdeelArt는 Art Media Agency와 협력하여 그가 거주하고 작업하는 프랑스 님의 작업실에서 오후를 보내고 독점 인터뷰를 할 기회를 가졌습니다.

Claude Viallat - 본질과 부정

Viallat의 경력에서 뛰어난 점은 그가 다른 사람들이 어떻게 인식하든 상관없이 항상 자신의 규칙과 기준에 충실했다는 사실입니다. 경력 초기에 Viallat는 Supports/Surfaces 운동의 일원이었으며, 다른 예술가들과 함께 재료와 창조적 동작에 집중하여 주제 자체를 뒤로 미뤘습니다. 색상과 질감에 대한 그의 실험은 그가 가장 잘 알려진 여러 작품의 창작으로 이어졌습니다. 또한 Viallat는 재활용 재료, 우산, 다양한 직물, 짜거나 매듭 지은 밧줄 등 다양한 표면에 그림을 그렸습니다. 현대 추상 미술의 위대한 인물인 Claude Viallat는 여전히 활동 중이며, 50년에 걸친 경력을 가지고 있습니다. 파리의 Galerie Templon은 이 주요 프랑스 예술가의 작품에 대한 새로운 역사적 관점을 제시하는 전시회를 조직하고 있습니다. 전시는 6월 4일에 개막하여 2016년 7월 23일까지 열립니다.

당신의 작업은 반복-차이 쌍에 크게 의존합니다. 동작과 절차의 반복; 재료와 색상의 차이…

제 작업은 무엇보다도 사물의 일상적인 본질에 관한 것이라고 말하고 싶습니다. 우리는 모두 끊임없이 같은 동작을 반복하는 사람들이며, 이 동작들로부터 항상 다른 상황을 얻습니다. 매일은 같은 것의 반복이지만 다른 결과를 낳습니다.

이것이 제 작업의 원칙입니다: 비슷한 재료 위에서, 그리고 더 나아가 다른 재료 위에서 같은 동작을 수행하면 매일 매우 다른 결과를 얻게 됩니다. 저는 새로운 것을 발명하려 하지 않습니다: 새로운 것은 스스로 발명되도록 내버려 둡니다.

매일 저는 살고, 순응하며, 모으고, 반성하고, 인상, 감정, 비전을 구합니다. 이 모든 것이 저를 풍요롭게 합니다. 코팅도 붙임도 없는 캔버스 위에서 작업하면서 재료가 중요해집니다. 색의 점성에 따라 재료는 다르게 반응합니다: 흡수하거나, 저항하거나, 흡수하지 않고 견디거나, 반대로 흡수하고 확산시키기도 합니다. 저는 벨벳, 방수포, 시트 같은 재료와 천이 색과 만나 완전히 다른 효과를 만드는 방식을 탐구합니다.

당신’종종 위대한 색채가로 묘사됩니다.

저는 색이 스스로 드러나는 방식을 받아들입니다, 그게 전부입니다. 화가는 톤을 맞추기 위해 톤을 찾습니다. 저는 톤을 천, 재료 위에 놓고 그것을 받아들입니다.

수용, 체념, 동작의 반복이라는 개념을 통해 아시아 철학과 몇 가지 유사점을 만들 수 있습니다. 이것이 당신 작업에 영향을 미쳤나요??

제가 철학에서 흥미를 느끼는 것은 무언가가 일어날 때 개입하지 않는 것을 받아들이려는 노력입니다. 일어나는 것을 받아들이고, 기억하고, 나중에 분석하며 — 다르게 작업했다면 가능했을 것들, 같은 재료가 표현하는 차이점도 보는 것. 저는 이 모든 것을 기억하고, 잊고, 다시 시작하려고 합니다.

스튜디오에서의 Claude Viallat

 Claude Viallat - Sans titre n°39, 1985, 아크릴릭 on cover, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 in

그림 스타일에 대하여

이것이 당신의 그림에 대한 정의인가요?

그 안에는 그런 면이 있습니다. 저는 그림의 종말에 대해 생각한 세대에 속합니다. 1950년대에는 종종 '마지막 그림'이라는 개념에 대해 들었습니다. 요컨대, 다른 방식을 발명하는 것이 필요했습니다.

제 생각에 다르게 그림을 그린다는 것은 제 직업에 대해 질문하는 문제입니다. 그것은 무엇으로 구성되어 있나요? 캔버스를 가져와 프레임에 올리고, 붙이고, 옷을 입히고, 적절한 톤을 찾기 위해 다양한 색을 더하는 것. 저는 원시 캔버스를 프레임에 팽팽히 당기고, 뜨거운 젤라틴과 범용 착색제로 만든 색으로 작업해 보았습니다. 나무 착색도 사용했고, 안료를 물이나 알코올로 희석해 보았으며, 안전성을 제공하지 않는 일시적인 착색제나 아크릴도 사용했습니다.

최초의 단색화들은 여전히 캔버스를 프레임에 팽팽히 당기려는 욕구를 보여주었습니다. 하지만 캔버스를 프레임에 팽팽히 당기는 것이 그림을 만든다면, 이 메커니즘을 해체하여 프레임은 한쪽에, 캔버스는 다른 쪽에 두고 이 두 요소 사이의 긴장이 새로운 유형의 그림을 만드는 것이 필요했습니다.

우리는 Supports/Surfaces와 함께 이것을 발견했습니다. Dezeuze는 캔버스 없이 프레임 작업을 했고; Saytour는 원시 캔버스 위에 격자를 표현했으며, 즉 프레임의 이미지를 캔버스에 넣었고; 저는 프레임 없는 캔버스 작업을 했기에 그림의 해체가 이루어졌습니다.

회화 매체의 해체를 되돌아볼 때, 어떻게 보시나요?

필요한 일이었습니다. 젊은 미국인들은 여전히 회화의 해체에 대해 궁금해하지만 항상 틀을 전면에 다시 가져옵니다. 마치 캔버스를 틀에서 떼어내는 것이 미술사의 흐름에 반하는 것처럼 말입니다. 저에게는, 적어도 한 방향으로 회화를 해방시킨 평행 역사가 있습니다. 국제 무대를 보면, 팽팽히 당기지 않은 캔버스 위에서 작업하는 예술가는 드뭅니다. 미국인들은 틀을 벗어버리기 어려워합니다.

당신의 작업은 마티스가 제기한, 그림에 관심을 기울이는 아이디어와 연결됩니다.’기본 객체입니다.

마티스가 그림을 그릴 때, 때때로 캔버스의 흰색이 그림에 드러났는데, 이는 전통적으로 이단으로 여겨졌습니다. 제 작업에서는 원단 자체가 중간 Supports/Surfaces가 되고, 동시에 평균 색상, 즉 색 분포가 조직되는 기준, 그 재료가 됩니다. 모든 것이 이 기준에 반응합니다. 이 중간 Supports/Surfaces의 품질에 따라, 그것과 관계를 형성할 것들이 나옵니다.

추상에 대해 당신은 자신을 어떻게 위치시키나요?

제 그림은 추상이나 구상에 관한 문제라기보다는 같은 형태의 반복으로 이루어진 시스템입니다. 형태를 바꾸지만 시스템을 바꾸지 않으면 아무것도 바꾸지 않는 것입니다. 저는 같은 형태를 고집함으로써 가진 자유를 인식하고, 같은 형태의 반복이 구현하는 일상의 역설을 느낍니다. 매일 저는 무한히 다른 캔버스를 구성하며, 이것이 저에게 매우 넓은 자유를 줍니다.

일반적으로 저는 제 원단을 선택하지 않고, 사람들이 저에게 가져다줍니다. 저는 예상치 못한 재료로 작업하려고 합니다. 무엇보다도 재료와 그 품질이 제 작업의 대부분을 구성합니다.

당신은 1970년대에 미국을 여행했고, 아메리카 원주민 예술에 감동받았습니다.

내 작업에 영감을 주는 것은 무엇일까요? 물론 서양 회화의 역사이지만, 모든 회화의 역사도 포함됩니다: 동양, 극동, 호주, 미국 — 여기서 미국은 “원주민”을 의미합니다. 텐트나 방패에 그림을 그린 모든 인디언 민족들이 저에게 영감을 줍니다. 방패 그림은 보통 둥근 Supports/Surfaces 위에 그려졌으며, 토템 동물과 전투의 열매—여우나 늑대 꼬리, 두상(스칼프) 등으로 가득 차 있었습니다. 요컨대, 전사의 이야기를 전하는 모든 것입니다. 인디언 방패는 단순히 방어용이 아니라 전사의 상징적 이미지이기도 합니다. 방패는 둥글고, 일반적으로 버드나무 가지를 고리 모양으로 구부려 묶어 만듭니다. 다시 말해, 기본 원형입니다. 이것이 둥근 틀의 기본 이미지입니다; 아치가 캔버스를 틀에 팽팽히 당긴 가장 극단적인 이미지인 것처럼 — 나무에 팽팽히 당긴 끈입니다. 이 두 개체는 근본적입니다.

마찬가지로, 선사 시대는 최초의 회화적 표현의 시대였습니다. 그리고 최초의 회화적 표현은 무엇이었나요? 인간의 손자국입니다; 다시 말해, 누군가가 미끄러져 진흙에 넘어졌고, 그 후 동굴 벽에 손을 댔습니다. 미끄러지고 진흙에 손을 담근 행위는 진흙이 묻은 손을 만들었고, 그 손은 벽에 그 흔적을 남겼습니다… 진흙이 마르면서 손의 이미지가 만들어졌습니다: 이것이 최초의 초상화였습니다. 타자는 자신의 일부, 흔적, 자국으로 표현되었습니다. 이 최초의 이미지 이후, 표현은 더 복잡해졌는데, 인간은 입에서 페인트를 뱉어 손 위에 뿌림으로써 손의 대조형을 만들었습니다. 오른손은 뒤집힌 왼손이었습니다. 손 위에 뱉는 행위는 시야를 넓히기도 하고 좁히기도 했습니다. 이미 무한한 가능성이 표현의 밑바탕에 깔려 있었습니다.

당신의 작업은 본질과 기원에 대한 성찰과 관련이 있는 것 같습니다.

그것이 제가 시도하는 바입니다. 원, 고리, 방패, 아치는 기본적인 요소들입니다. 역사에는 기본적이고 원초적인 여러 제스처나 체계에 대한 지식이 있습니다. 예를 들어, 물건을 들어 올리거나 막는 쐐기, 무언가가 굴러다니지 않도록 멈추게 하는 것. 수직을 정하는 데 쓰이는 줄과 돌인 수직선은 동시에 불로러(음악 악기)이자 무게를 재는 도구입니다. 이 모든 요소들이 이 줄과 돌에 포함되어 있습니다. 또한 가로테나 추저울도 있습니다... 이들은 보편적이고 기본적인 체계입니다. 제가 조각에서 관심 있는 것은 이러한 단순하고 보편적인 체계들의 재사용이나 질문입니다.

당신의 조각품들은 보편적인 문법을 이루나요?

그것들은 불안정하고 고정되지 않은 물건들로, 그 불안정성 속에 남아 있으며 안전을 제공하지 않습니다. 하지만 예술의 역사는 예술 시장의 역사이기도 하며, 이러한 특징들은 전통적으로 시장에서 가치 있게 여겨지지 않습니다. 그것들은 안전을 제공하지 않습니다.

Claude Viallat의 스튜디오

 

Claude Viallat 스튜디오

예술 시장과 Supports/Surfaces에 대하여

이렇게 다작을 하시니, 당신의 작업은 시장에 반하는 것 같습니다. 시장과의 관계는 어떠신가요?

내 모든 작업은 예술의 신화를 해체하는 것을 목표로 합니다. 전통적으로 시장을 특징짓는 몇 가지 요소들이 있는데, 예를 들어 작가의 서명이나 희귀성 같은 것들입니다. 저는 그것들에 반대합니다. 제 작업은 다작이며, 저는 캔버스에 그려진 실 한 가닥에도 캔버스에 그려진 것만큼 중요성을 둡니다. 모든 회화 요소가 회화를 구성합니다. 회화에서 나온 실 한 가닥도 회화와 같은 가치로 회화입니다. 저는 캔버스에는 서명할 수 있지만 실에는 서명할 수 없으니, 실에 서명할 수 없다면 왜 캔버스에 서명해야 할까요?

그 다음에는 아름다운 재료, 아름다운 직업의 지위, 재료의 안전성, 캔버스의 신성화가 있습니다. 제 모든 작업은 이것에 반합니다. 저는 작업하는 것을 즐기며, 왜 이 즐거움을 스스로 박탈해야 하는지 이해하지 못합니다 — 그리고 무엇보다도 어떤 명목으로요. 아마도 제 캔버스는 그것 때문에 고통받을지 모르지만, 저는 그렇지 않습니다. 나머지는 딜러의 문제이며, 저와는 관련이 없습니다.

아마도 제가 거만할지도 모릅니다. 저는 아무것도 추구하지 않기 때문에 실수를 하지 않습니다. 저는 창조하고, 제가 창조한 것을 받아들입니다. 저에게 모든 캔버스는 같은 중요성을 지닙니다.

모든 통제 의도를 포기하셨나요?

가장 어려운 것은 우리가 매일 하는 일을 완전히 통제하지 못한다는 것을 받아들이는 것입니다. 우리가 하는 일을 통제하지 못하는 것을 받아들이는 것은 일종의 자기 통제입니다. 제 작업을 변화시키는 가장 좋은 방법은 내가 무엇을 할지 모르는 것이며, 스스로 발견하도록 강요하고, 방금 한 일을 분석하며 앞으로 할 일을 예측하는 것입니다. 저에게 이것은 제가 상상한 모든 가능성을 인지하고, 그 후에는 작업이 스스로 결과를 내기 때문에 그것들을 필요로 하지 않는다는 것을 의미합니다.

Supports/Surfaces가 미국에서 재조명되고 있습니다. 이에 대해 어떻게 생각하십니까?

Supports/Surfaces의 작업이 미국에 도달했고, 미국 화가들이 당시 우리가 했던 것과 같은 질문을 자신들만의 방식으로 묻고 있다는 것은 저에게 전혀 이상하지 않습니다.

이것이 사물이 작동하는 방식입니다. 1970년대 초, 저는 파리 비엔날레에서 그물을 전시했습니다. 우연히도 미국 화가와 일본 화가가 같은 시기에 같은 일을 했는데, 우리는 서로를 몰랐습니다. 그들은 각자의 문화와 다른 논리에 기반해 이 이미지를 만들어냈습니다. 저는 이것이 매우 흥미롭다고 생각합니다.

하지만 회화가 변한다 해도, 이것이 주로 이미지에 영향을 미치지는 않습니다 — 예술가들은 오직 이미지만 봅니다, 이것이 우리 시대의 맹점입니다. 이미지의 수정은 회화와 관련이 없습니다. 왜냐하면 흥미로운 것은 바로 회화 자체이기 때문입니다. 기본적인 질문은: "회화란 무엇인가?"입니다.

특집 이미지: Claude Viallat 그의 스튜디오에서

Art Media Agency (AMA)는 이 인터뷰 진행에 참여했습니다. AMA는 미술 시장에 중점을 둔 국제 뉴스 에이전시입니다. AMA는 매주 300개 이상의 기사를 제작하며, 갤러리, 경매장, 박람회, 재단, 박물관, 예술가, 보험, 배송, 문화 정책 등 미술계의 모든 측면을 다룹니다.

Claude Viallat 스튜디오의 이미지 ©IdeelArt