조안 미첼의 폴리프틱 회화가 데이비드 즈워너에 도착하다

뉴욕 현대미술관(MoMA)에서 열린 더 롱 런 전시회(2019년 5월 5일 종료)를 방문한 관람객들은 추상 표현주의 화가 조안 미첼의 대형 이중 패널 작품들을 처음 마주했을 때 분명 매료되었을 것입니다. “노 레인”(1976)의 두 인접한 패널은 제스처와 구도에 대한 두 가지 독특한 해석을 보여주면서도, 공통된 녹색 빛깔의 팔레트를 통해 연결감을 구현합니다. 마찬가지로 “타이야드”(1990)의 쌍둥이 패널은 파랑, 빨강, 황토색, 흰색의 공통 언어를 담으면서도 균형과 시점에서 미묘한 차이를 표현합니다. 한편, “우드, 윈드, 노 튜바”(1980)의 나란히 놓인 패널들은 눈부신 노랑과 파랑으로 감각을 가득 채우며, 한쪽은 차분하고 탁 트인 구조를, 다른 한쪽은 팽팽하고 거의 지친 듯한 구조를 보여줍니다. 이 작품들은 미첼이 다중 패널로 이루어진 단일 회화인 다중패널화(polyptych)를 통해 공통점과 차이점을 모두 보여주는 뛰어난 재능을 지녔음을 증명합니다. 이제 처음으로 그녀의 다중패널화 작품에 전적으로 초점을 맞춘 전시를 감상할 기회가 생겼습니다. Joan Mitchell: I carry my landscapes around with me 전시는 올여름 뉴욕 537 West 20th Street에 위치한 데이비드 즈위너 갤러리에서 열립니다. 이 전시에는 조안 미첼 재단과 주요 기증자들, 그리고 개인 수집가들로부터 모은 4개 시대에 걸친 다중패널 작품들이 선보일 예정입니다. 이는 그녀 세대의 몇 안 되는 화가들이 시도했지만 미첼이 진정으로 완성한 이 독특한 형식으로 이룬 성과를 감상할 수 있는 특별한 기회입니다.

규모의 힘과 문제점

대부분의 추상 표현주의 화가들처럼 미첼도 자신의 세대가 규모에 부여한 중요성을 잘 알고 있었습니다. 1943년 잭슨 폴록이 완성한 유명한 “뮤럴” 작품은 크기가 무려 2.43미터 x 6.04미터에 달했으며, 관람객을 회화의 시각 세계 안에 문자 그대로 감싸는 효과를 확립했습니다. 아돌프 고틀리브, 프란츠 클라인, 헬렌 프랭켄탈러, 로버트 마더웰 같은 화가들도 그의 뒤를 이어 대형 추상화를 바닥에 펼친 캔버스 위에 그리며, ‘더 크면 더 좋다’는 생각을 바탕으로 경력을 쌓았습니다. 하지만 대형 작품을 작업할 때는 항상 몇 가지 어려움이 따릅니다. 한 가지 문제는 대형 작품을 전시할 공간을 찾는 일인데, 보통 박물관만이 그런 벽면 공간을 확보할 수 있습니다. 또 다른 문제는 작업할 공간을 확보하는 현실적인 어려움입니다.

조안 미첼 - 노 레인, 1976년. 캔버스에 유화, 두 패널. 9피트 2인치 x 13피트 1 5/8인치 (279.5 x 400.4 cm). 조안 미첼 유산 기증. MoMA 소장. © 조안 미첼 유산.

두 번째 문제는 미첼이 여러 작업실을 옮겨 다니면서 흥미로운 방식으로 영향을 미쳤습니다. 1959년 파리 10 rue Frémicourt 작업실에 입주했을 때, 그녀는 대형 캔버스를 작업실 밖으로 옮길 때 말아야 하는 문제에 직면했고, 이로 인해 두꺼운 물감층을 쌓는 데 제약이 있었습니다. 다중패널화 개념은 이 문제에 대한 한 가지 해결책을 제시했는데, 여러 개의 작은 캔버스에 두껍게 칠할 수 있게 해주었습니다. 이 전략은 곧 열릴 즈위너 전시에서 선보일 대형 4패널 작품 “세느”(1967)에서 확인할 수 있습니다. 다채롭고 활기찬 구도는 파란색의 생명체 같은 영역과 서예적인 붓질로 가득 차 있어, 눈물 젖은 눈으로 강가에서 반짝이는 파리의 불빛을 바라보는 듯한 감정과 기억의 세계를 불러일으킵니다. 전체 4패널의 크기는 거의 2 x 4미터에 달하지만, 각 캔버스는 훨씬 다루기 쉬운 2 x 1미터 크기입니다.

조안 미첼 - 우드, 윈드, 노 튜바, 1980년. 캔버스에 유화, 두 패널. 9피트 2 1/4인치 x 13피트 1 1/8인치 (280 x 399.8 cm). 조안 미첼 유산 기증. MoMA 소장. © 조안 미첼 유산.

기억의 감각

미첼이 베튀유 시골의 더 큰 작업실로 옮긴 후에는, 더 이상 그림을 말아 옮겨야 하는 문제에 직면하지 않았습니다. 그녀는 원하는 만큼 두껍게 칠한 대형 캔버스를 만들 수 있었습니다. 그럼에도 불구하고 그녀는 다중패널화 형식에 더욱 헌신했습니다. 대형 작업과 여러 캔버스에 걸친 그림을 결합함으로써 그녀는 독특한 성과를 이루었는데, 거대한 구성을 만들면서도 관람객이 작품의 여러 부분을 나누어 인식할 수 있게 했습니다. 이 전략은 다중 패널 작품에서 더욱 주관적인 경험이 나타나도록 기회를 열어주었습니다. 예를 들어, 즈위너에서 전시될 4패널 “미네소타”(1980)는 2.6 x 6.1미터 크기로, 멀리서 보면 밝고 평탄한 시골 풍경을 연상시키지만, 가까이서 보면 각 패널이 독특한 태도를 지니고 있음을 알 수 있습니다. 양쪽 끝의 두 패널은 야생적이고 활기찬 붓질의 정글을, 왼쪽에서 세 번째 패널은 광활하고 빛나는 노란 우주가 흐르는 평온함을 보여줍니다.

조안 미첼 - 에드리타 프리드, 1981년. 캔버스에 유화, 네 패널. 116 1/4 x 299 5/8 인치 (295.3 x 761.1 cm). 조안 미첼 재단 소장, 뉴욕. © 조안 미첼 유산.

관람객들이 그녀의 다중패널 작품에서 다양한 감정적 반응을 얻을 수 있다는 생각은 미첼이 이 작품들로 이루고자 한 핵심이었습니다. 그녀는 한때 “나는 내가 지니고 다니는 기억 속 풍경과 그에 대한 기억된 감정을 그립니다. 물론 그것들은 변형됩니다. 나는 결코 자연을 그대로 비추지 못할 것입니다. 나는 오히려 자연이 내게 남긴 것을 그리고 싶습니다.”라고 말했습니다. 즈위너 전시에서 볼 수 있는 가장 큰 다중패널 작품 중 하나는 이 말을 되새길 수 있는 깊은 기회를 제공합니다. “에드리타 프리드”(1981)는 3 x 7.5미터 크기로, 그녀의 친한 친구이자 전 정신분석가였던 에드리타 프리드의 이름을 따서 지어졌으며, 그림이 완성된 해에 그녀가 세상을 떠났습니다. 이 작품은 상실의 아픔과 희망의 약속을 이야기하며, 짙은 파란 붓질의 숲에서 빛나는 황토색 물결로 우아하게 전환됩니다. 부드럽고 흐르는 붓놀림의 에너지가 네 패널을 가로질러 시각적, 감정적 여정을 어둠에서 빛으로 이끕니다. Joan Mitchell: I carry my landscapes around with me 전시는 5월 3일부터 6월 22일까지 뉴욕 데이비드 즈위너 갤러리에서 열립니다.

대표 이미지: 조안 미첼 - 타이야드, 1990년. 캔버스에 유화, 두 패널. 8피트 6 1/4인치 x 13피트 1 1/2인치 (259.8 x 400 cm). 갤러리 장 푸르니에, 에니드 A. 하우프트 기금, 헬렌 애치슨 유증(교환 기증). MoMA 소장. © 조안 미첼 유산
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
글쓴이 Phillip Barcio