조안 미첼의 폴리프틱 회화가 데이비드 즈워너에 도착하다

뉴욕 현대 미술관(MoMA)에서 열리는 조안 미첼의 대형 이중화 선택작을 처음 본 관람객들은 2019년 5월 5일에 종료되는 더 롱 런 전시회에서 분명 매료되었을 것입니다. “비가 내리지 않음” (1976)의 두 개의 인접한 패널은 제스처와 구성에 대한 두 가지 독특한 해석을 제공하며, 공통의 녹색 팔레트를 통해 연결감을 구현합니다. 마찬가지로, “타이야드” (1990)의 쌍둥이 패널은 파랑, 빨강, 황토, 흰색의 상호 언어를 포용하며, 균형과 관점에서 미세한 차이를 표현합니다. 한편, “나무, 바람, 튜바 없음” (1980)의 나란히 배치된 패널은 눈부신 노란색과 파란색으로 감각을 압도하며, 하나는 차분하고 개방적이고, 다른 하나는 단단히 감겨 거의 초조한 두 가지 독특한 구조를 제공합니다. 이러한 작품들은 미첼이 다중 패널로 구성된 단일 회화인 폴립틱을 통해 공통점과 차이점을 보여주는 뛰어난 재능을 가지고 있음을 보여줍니다. 이제 처음으로, 우리는 그녀의 폴립틱 회화에 전적으로 초점을 맞춘 전시회를 즐길 기회를 갖게 됩니다. 조안 미첼: 나는 내 풍경을 항상 가지고 다닌다는 여름에 뉴욕의 데이비드 즈워너 갤러리 537 West 20th Street에서 열릴 예정입니다. 이 전시회는 조안 미첼 재단과 다른 주요 기부자들로부터의 작품과 개인 수집가들로부터 모은 작품을 포함하여 40년을 아우르는 폴립틱 작품들을 선보일 것입니다. 이는 미첼이 이 독특한 형식으로 성취한 것을 감상할 수 있는 특별한 기회입니다. 그녀의 세대의 몇몇 화가들이 수용하지 않았던 형식이지만, 그녀는 진정으로 마스터했습니다.

규모의 힘과 문제

대부분의 다른 추상 표현주의 화가들처럼, 미첼은 그녀의 세대가 규모에 부여한 중요성을 잘 알고 있었다. 1943년, 잭슨 폴록이 그의 유명한 "벽화"를 완성했을 때—그 크기는 무려 2.43 x 6.04 미터였다—그는 관람자를 그림의 시각적 세계로 문자 그대로 감싸는 효과를 확실히 확립했다. 아돌프 고틀리브, 프란츠 클라인, 헬렌 프랑켄탈러, 로버트 마더웰과 같은 화가들은 그의 발자취를 따르며, 종종 대형 비늘의 캔버스 위에 직접 그려진 영향력 있는 대형 추상화를 제작하여, 더 크면 항상 더 좋을 수 있다는 생각을 바탕으로 경력을 쌓았다. 그러나 화가가 대형 작업을 시도할 때 항상 발생하는 특정한 도전 과제가 있다. 한 가지 문제는 대형 그림을 전시할 장소를 찾는 것이다—보통 박물관만이 그런 벽 공간을 여유롭게 가지고 있다. 또 다른 문제는 그것들을 그릴 공간을 찾는 단순한 실용성이다.

조안 미첼 - 비가 내리지 않음, 1976. 캔버스에 유화, 두 개의 패널. 9' 2" x 13' 1 /58" (279.5 x 400.4 cm). 조안 미첼 재단 기증. 모마 컬렉션. © 조안 미첼 재단.

그 두 번째 문제는 미첼이 스튜디오에서 스튜디오로 이동할 때 흥미로운 방식으로 영향을 미쳤습니다. 그녀가 1959년에 이사한 파리의 10 rue Frémicourt에 있는 스튜디오에서는 대형 캔버스를 스튜디오에서 꺼낼 때 말아야 하는 문제에 직면하게 되었고, 이는 두꺼운 페인트 층으로 과부하를 걸 수 없다는 것을 의미했습니다. 폴리프티크 개념은 이 문제에 대한 하나의 가능한 해결책을 제공하여 그녀가 여러 개의 작은 캔버스에 두껍게 그림을 그릴 수 있게 해주었습니다. 이 전략은 다가오는 즈비르너 전시회에서 "세느"(1967)라는 제목의 대형 쿼드리프티크에서 분명히 드러납니다. 다채롭고 에너제틱한 구성은 푸른 생물형 필드와 서예적인 붓놀림으로 가득 차 있으며, 눈물로 젖은 눈으로 강둑에서 파리의 반짝이는 불빛이 떠가는 모습을 바라보는 것처럼 감정과 기억의 세계를 불러일으킵니다. 전체적으로 쿼드리프티크의 크기는 거의 2 x 4 미터입니다. 그러나 네 개의 캔버스 각각은 훨씬 더 관리하기 쉬운 2 x 1m입니다.

조안 미첼 - 나무, 바람, 튜바 없음, 1980. 캔버스에 유화, 두 개의 패널. 9' 2 1/4" x 13 1 1/8" (280 x 399.8 cm). 조안 미첼 재단 기증. 모마 컬렉션. © 조안 미첼 재단

기억의 감정

미첼이 나중에 베퇴유의 시골에 있는 더 큰 스튜디오로 이사했을 때, 그녀는 더 이상 그림을 옮기기 위해 캔버스를 말아야 하는 문제에 직면하지 않았다. 그녀는 원하는 만큼 두껍게 칠해진 대형 캔버스를 만들 수 있었다. 그럼에도 불구하고 그녀는 여전히 폴리프티크 형식에 더 헌신하고 있었다. 대규모 작업과 여러 개의 캔버스에 걸쳐 그림을 만드는 조합은 그녀가 독특한 것을 성취할 수 있게 해주었다: 그녀는 기념비적인 구성을 구성할 수 있었고, 동시에 관객이 작품의 다양한 측면을 구분할 수 있도록 했다. 이 전략은 그녀의 다중 패널 그림에서 점점 더 주관적인 경험이 나타날 수 있는 기회를 창출했다. 예를 들어, 1980년의 쿼드리프티크 "미네소타"를 고려해 보라. 이 작품은 네 개의 패널에 걸쳐 2.6 x 6.1 미터의 크기를 자랑하며, 즈위르너에서 전시될 예정이다. 멀리서 보면 전체 구성은 꽤 직관적이고, 빛이 가득한 시골 풍경을 연상시킨다. 그러나 가까이에서 보면, 눈은 개별 패널을 분리하지 않을 수 없으며, 두 개의 양쪽 끝에서의 야생적이고 에너제틱한 붓 자국의 정글에서부터 왼쪽에서 세 번째 패널의 광활하고 넓게 열린 빛나는 노란 우주에서 흐르는 평온함까지 다양한 독특한 태도를 인식하게 된다.

조안 미첼 - 에드리타 프리드, 1981. 캔버스에 유화, 네 개의 패널. 116 1/4 x 299 5/8 인치 (295.3 x 761.1 cm). 뉴욕 조안 미첼 재단 소장. © 조안 미첼 유산.

관객들이 그녀의 폴리프틱스에서 다양한 감정적 반응을 이끌어낼 수 있다는 개념은 미첼이 이 작품들로 이루고자 했던 것에 필수적이었다. 그녀는 한 번 이렇게 말했다. “나는 내가 가지고 있는 기억 속의 풍경과 그에 대한 기억된 감정에서 그림을 그린다. 물론 그것들은 변형된다. 나는 결코 자연을 반영할 수는 없다. 나는 그것이 나에게 남기는 것을 그리기를 원한다.” Zwirner 전시회에서 전시될 가장 큰 폴리프틱스 중 하나는 이 진술을 반영할 수 있는 매우 감동적인 기회를 제공한다. 제목은 “Edrita Fried”(1981)로, 크기는 3 x 7.5m이다. 이 작품은 그녀의 친한 친구이자 전 정신분석가인 에드리타 프리드의 이름을 따서 지어졌으며, 그림이 완성된 해에 그녀는 세상을 떠났다. 이 구성은 깊은 파란색 붓 자국의 덤불에서 빛나는 황토색의 상승하는 파도로 우아하게 전환되면서 상실의 고통과 희망의 약속을 이야기한다. 화가의 제스처가 부드럽고 흐르는 에너지를 발산하며 네 개의 패널을 가로질러 어둠에서 빛으로의 시각적이고 감정적인 여정을 이끌어간다. Joan Mitchell: I carry my landscapes around with me는 5월 3일부터 6월 22일까지 뉴욕의 David Zwirner 갤러리에서 전시된다.

특집 이미지: 조안 미첼 - 타이야드, 1990. 캔버스에 유화, 두 개의 패널. 8' 6 1/4" x 13' 1 1/2" (259.8 x 400 cm). 장르 장 포르니에, 에니드 A. 하우프트 기금, 헬렌 아체슨 유산 (교환에 의해) 기증. MoMA 컬렉션. © 조안 미첼 재산
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필립 Barcio에 의해