Lee 크래스너, 바비컨에서 - 그녀만의 예술가를 살펴보다

올 여름, 런던의 바비칸 미술관에서는 Lee 크래스너: 살아있는 색(Living Colour) 전시가 열리며, 이는 50년 이상 만에 열리는 Lee 크래스너의 첫 유럽 회고전이다. 이 전시에서는 1930년대의 구상 화가에서 시작하여, 1세대 추상 표현주의의 주요 인물로서의 영향력이 커지는 과정을 거쳐, 20세기 미국 추상 미술에서 가장 뛰어나고 사랑받는 목소리 중 하나로 자리 잡기까지의 5개 십년을 아우르는 거의 100점의 작품이 전시된다. 그녀의 경력 동안 크래스너는 600점 이상의 예술 작품을 완성하였고, 그녀의 작품집에 대한 카탈로그 레이즈네가 만들어진 몇 안 되는 여성 예술가 중 한 명이 되었다. 그러나 그녀의 업적에도 불구하고, 크래스너는 종종 남편인 전설적인 화가 잭슨 폴록과의 관계에 대해서만 논의된다. 일부 역사학자들은 심지어 1956년 폴록이 사망한 이후에야 크래스너가 완전히 성숙한 예술가로 성장했다고 추정하기도 했다. 그러나 이 회고전에서 전시되는 다양한 작품들을 보면 분명히 알 수 있듯이, 크래스너는 항상 그녀만의 비전을 가진 혁신적이고 실험적인 화가였다. 사실, 폴록의 죽음이 그녀의 작업에 미친 유일한 심각한 차이는 규모와 관련이 있었다. 이 부부는 이스트 햄프턴에 있는 '더 스프링스'라는 농가에서 함께 살았다. 크래스너는 집의 두 개의 작은 내부 방을 작업실로 사용해야 했는데, 처음에는 어두운 거실을 사용하고, 그 후 폴록이 자신의 작업실을 그곳에서 미완성 헛간으로 옮긴 후에는 2층 침실을 사용하게 되었다. 폴록이 사망한 후, 크래스너는 헛간으로 옮겨가면서 마침내 자신의 거대한 캔버스 작업을 할 수 있게 되었고, 그 중 일부는 이 회고전에서 전시될 예정이다. 그러나 이 전시를 관람하는 사람이라면 누구나 알 수 있듯이, 규모는 그녀의 작업의 한 측면일 뿐이며, 크래스너가 처음부터 선구자였고 끝까지 거장이었던 통찰력과는 거의 관련이 없다.

그녀의 길을 찾다

레나 크라스너는 1908년 10월 27일에 태어났다. 그녀의 예술 경향에 대한 첫 번째 선호는 13세에 신비롭게도 나타났는데, 중학교에 지원할 때 선호하는 학습 분야를 묻는 질문에 "예술"이라는 단어를 휘갈겨 썼다. 나중에 그녀는 그 방향을 선택할 때 무엇을 생각하고 있었는지 전혀 알지 못했다고 회상했지만, 그럼에도 불구하고 그녀를 가장 만족스러운 운명으로 이끌었다. 그녀가 완벽하게 적합했던 운명이다. 그러나 그녀가 적합하지 않았던 한 가지는 그녀가 무의미하다고 생각하는 명령을 따르는 것이었다. 중학교, 쿠퍼 유니온, 국립 디자인 아카데미, 아트 스튜던트 리그에서의 학업을 통해, 그리고 한스 호프만과 함께 공부하는 동안에도, 그녀는 반복적으로 징계를 받았고, 한 번은 "항상 성가신 존재"라고 묘사한 교사 때문에 퇴학당하기도 했다. 그녀는 "학교 규칙에도 불구하고 자신의 방식대로 하기를 고집하는 사람"이었다.

Lee 크래스너 - 임페라티브, 1976. 내셔널 갤러리 오브 아트, 워싱턴 D.C. © 더 폴록-크래스너 재단. 내셔널 갤러리 오브 아트, 워싱턴 D.C. 제공.

그녀의 끈기는 선생님들을 불편하게 했을지도 모르지만, 그녀를 두려움 없이 자신의 독특한 목소리를 발견하는 방향으로 이끌었습니다. 1929년 현대 미술관이 개관했을 때, 그녀는 그것을 "나에게는 격변이었다"고 묘사했습니다. 그녀는 유럽 미술에서 추상화와 형식주의로의 경향을 처음으로 인식하게 되었고, 미국의 지역주의는 자신에게 맞지 않다는 것을 즉시 알게 되었습니다. 그녀는 입체파와 바우하우스 교사들의 교훈을 받아들이고, 자신이 흡수할 수 있는 모든 아방가르드 입장으로 끌려갔지만, 항상 자신의 목소리를 찾고 있었습니다. 그녀가 폴록을 만났을 때, 그녀는 그의 이론을 흡수하기 위해 열심히 노력하며, 자신의 머릿속에 있는 혼란스러운 아이디어의 혼합에 그것들을 추가했습니다. 그러나 1943년의 "이고르"라는 제목의 그림이 보여주듯이, 폴록이 그의 혁신적인 작업으로 주목받기 시작할 때, 크라스너는 강렬하게 자신의 길을 찾아가고 있었습니다. "이고르"의 소용돌이치는 생물형 형태와 제스처 선들은 자연에서 영감을 받은 구성을 만들어내지만, 에너제틱하게 추상적입니다. 그녀의 세대의 다른 예술가들이 그 당시 하고 있던 것과는 전혀 다르며, 수십 년 후 크라스너가 만들게 될 훌륭하고 성숙한 작업을 예고합니다.

Lee 크래스너 - 팔린제네시스, 1971. 폴록-크래스너 재단 소장. © 폴록-크래스너 재단. 카스민 갤러리, 뉴욕 제공.

다시 자신을 찾다

어떤 면에서는 크래스너가 폴록과 결혼한 동안 가장 덜 흥미로운 작품을 만들었다고 주장할 수 있다. 그녀는 그의 전면 스타일을 모방함으로써 자신이 "이고르"와 같은 그림을 통해 발견하기 시작한 본능에서 멀어졌다. 그들의 재정적으로 가장 어려운 시기에 크래스너는 폴록이 더 많은 표면에 그림을 그릴 수 있도록 자신의 캔버스에서 페인트를 긁어내기까지 했다. 이는 그녀의 친구들을 분노하게 했지만 크래스너에게는 전혀 문제가 되지 않았다. 그녀가 긁어내지 않은 캔버스는 나중에 스스로 찢어 새로운 콜라주를 위한 원자재로 사용했다. 폴록의 죽음 이후, 크래스너는 자신의 초기 비전으로 돌아갔다. 적절하게 제목이 붙은 "리-에코"(1957)는 폴록이 죽은 다음 해에 그려졌으며, "이고르"의 미학적 언어로 직접 돌아간다. 그 해의 다른 작품들인 "리스닝"과 기념비적인 "계절들"은 이 독특한 특이한 비전을 완전히 생동감 있게 만든다.

Lee 크래스너 - 이카루스, 1964. 톰슨 가족 컬렉션, 뉴욕. © 폴록-크래스너 재단. 카스민 갤러리, 뉴욕 제공. 사진: 디에고 플로레스.

앞으로 30년 동안, 크래스너는 그녀의 개인 스타일의 모든 각도를 세심하고 열정적으로 탐구했습니다. 그녀는 1970년대에 놀라운 일련의 실크스크린으로 그것을 단순화했으며; "Imperative"(1976)와 같은 작품에서 미래주의와 같은 초기 모더니스트 입장과 결합했습니다; 그녀는 1969년의 "Water" 시리즈에서 새로운 매체의 영향을 열어주었으며; 그리고 마침내 1984년에 제작된 제목 없는 네오 큐비스트 걸작으로 인생의 마지막에 그것을 완성했습니다. 이 작품은 회화, 목탄 드로잉, 콜라주를 합성하여 그녀의 삶의 거의 모든 스타일적 진화를 하나의 깊고 우아한 진술로 표현합니다. 이 작품 앞에서 찍힌 크래스너의 사진—그녀가 만든 마지막 알려진 작품—은 그녀가 자랑스럽게 미소 짓고 있는 모습을 보여주며, 그녀의 아름답게 성숙한 얼굴의 기쁜 선들이 뒤에 걸린 그림의 역동적인 선들과 메아리치고 있습니다. 진정한 개척자이자 자신의 독특한 성취에 만족한 미소 짓는 거장의 이 이미지는 Lee 크래스너: 리빙 컬러가 희망적으로, 마침내 생명을 불어넣을 것입니다. Lee 크래스너: 리빙 컬러는 2019년 5월 30일부터 9월 1일까지 런던, 영국의 바비칸 아트 갤러리에서 전시됩니다.

특집 이미지: Lee 크래스너 - 또 다른 폭풍, 1963. 개인 소장. © 폴록-크래스너 재단. 카스민 갤러리, 뉴욕 제공.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해