안토니 타피에스와의 여행

2012년 안토니 타피에스가 세상을 떠났을 때, 그는 스페인 문화에 큰 공백을 남겼습니다. 그는 자신의 세대에서 가장 영향력 있는 스페인 시각 예술가였으며, 많은 면에서 그가 없었다면 제2차 세계 대전 이후 스페인 아방가르드의 모습을 상상하기 어려웠을 것입니다. 사실, 타피에스가 없었다면 20세기 예술은 전 세계적으로 상당히 달라졌을 것이라고 안전하게 말할 수 있습니다. 그의 나라 역사에서 중요한 시기에 타피에스는 편안한 부르주아적 운명을 버리고 대신 예술가로서 불확실한 삶을 개척하기로 결심했습니다. 그는 1948년부터 1956년까지 활동했던 매우 영향력 있는 아방가르드 예술 집단 다우 알 세트의 여섯 명의 창립자 중 한 명이었습니다. 1952년에 그룹을 떠난 후, 타피에스는 초현실주의와 다다의 가장 급진적인 요소들과 형식적 추상주의의 기초, 그리고 비공식주의의 새로운 글로벌 트렌드를 연결하는 시각 언어를 창조했습니다. 신비주의와 형이상학의 뿌리에서 그는 자연 재료에 대한 감상과 지구 및 그 요소들과의 연결을 바탕으로 한 보편적인 미학 철학을 형성했습니다. 그의 작업은 그가 둘러싸여 있던 일상에서 발견한 재료들로 구성되고, 형성되며, 기념하는 "물질화된 회화"로 알려지게 되었습니다. 그는 많은 에세이와 강의를 남기고, 결국 그의 작업만큼이나 예술에 대한 철학적 관점으로도 알려지게 되었습니다. 그는 "완벽함은 단순히 고귀한 아이디어에서 올 수 없으며, 지구와의 관계와 함께 가야 한다"는 진술로 예술과 삶에 대한 근본적인 관점을 요약했습니다.

일곱 번째 면

1939년 스페인 내전이 끝났을 때, 국가는 파시스트, 민족주의 정권의 손에 확고히 넘어갔다. 프란시스코 프랑코 장군이 이끄는 이 정권은 스페인 문화의 모든 요소가 정부의 정치적 권력을 확산하고 유지하는 데 기여해야 한다고 주장했다. 프랑코는 다른 여러 의제 중에서도 모든 예술이 파시스트 리얼리즘 스타일로 이루어져야 한다고 주장했다. 그는 카탈루냐어 사용을 금지하기도 했다. 이는 스페인 아방가르드의 거장들인 파블로 피카소, 후안 미로, 살바도르 달리를 우상으로 삼고 자란 젊은 예술가 세대에게는 고통스러운 일이었다. 현대 스페인 문화가 운명 지어졌다는 두려움이 젊은 예술가들 사이에 빠르게 퍼졌다. 그러나 최소한 여섯 명의 문화 혁명가들은 다른 계획을 가지고 있었다. 카탈루냐 시인 후안 브로사(Joan Brossa)는 1948년에 타피에스, 후안 폰츠, 모데스트 쿠이사르트, 철학자 아르나우 푸익, 그리고 독립 출판사인 후안-호세 타라츠와 함께 민족주의 의제를 전복할 의도를 가진 그룹을 조직했다. 그들은 새로운 반파시스트 아방가르드 문화를 위한 씨앗을 심기를 희망했다. 그들의 영웅인 초현실주의자들과 다다이스트들에게 경의를 표하기 위해, 그들은 자신들을 다우 알 세트(Dau al Set)라고 명명했다. 이는 여섯 면의 주사위에서 존재하지 않는 일곱 면을 의미하는 용어이다.

안토니 타피에스 - 의자들 (Chairs), 1981. 카보룬덤. 구성: 36 1/4 x 54 3/4" (92 x 139 cm); 시트: 36 5/8 x 54 3/4" (93 x 139 cm). 출판사: 갤러리 르롱, 파리. 인쇄자: 조안 바르바라, 바르셀로나. 에디션 30. 모마 컬렉션. © 2019 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리.

단어가 카탈루냐어였기 때문에, Dau al Set라는 이름은 자동으로 논란이 되었고, 그 준신비적인 의미는 엘리트 논리가 세상을 전쟁으로 이끌었던 개념을 수용하는 신호로 해석되었다. Dau al Set는 같은 이름의 잡지를 통해 그 아이디어와 독특한 시각 언어를 퍼뜨렸으며, 이 잡지는 Tharrats의 개인 인쇄소에서 발행되었다. 그 기사들은 금지된 카탈루냐어로 작성되었고, 이미지는 신비주의, 판타지, 순수 추상화의 혼합을 보여주었다. 이는 모두 프랑코의 파시스트 통치에 정면으로 반대하는 것이었다. 그룹의 세 아티스트 중에서, 타피에스는 가장 추상적이었다. 그는 독학으로 배웠고, 그의 이미지는 철학에서 영감을 받았으며, 그의 방법은 매체와 재료의 순수한 즐거움에 뿌리를 두고 있었다. 그는 기름 물감에 비정상적인 첨가제를 혼합하는 실험을 했고, 곧 물감에 발견된 재료와 물체를 추가하기 시작했다. 1952년까지 그는 자신의 예술적 길을 발견하기 위한 탐구에 몰두하여 Dau al Set를 떠났다. 그 시점 이후로, 타피에스는 비공식적 추상화와 혼합 매체의 탐구에 완전히 헌신하게 되었다.

안토니 타피에스 - 페트리피카다 페트리피칸테, 1978. 7개의 아쿠아틴트(포장 포함)와 카보룬덤, 콜라그래프 및/또는 아쿠아틴트, 그리고 1개의 에칭과 카보룬덤; 그리고 보조 세트. 불규칙한 페이지 20 1/2 x 16 1/8" (52 x 41 cm). 프린트: 다양한 크기. 출판사: 메그 É디떼르, 파리. 인쇄소: 아틀리에 모르상, 파리. 에디션 195+. 길버트 W. 채프먼 부인 기금 및 갤러리 메그트의 기부. MoMA 컬렉션. © 2019 아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리.

회화의 문제

자기 주도적으로 배운 예술가인 타피에스는 자기 주도적으로 배운 미술 이론가이기도 했다. 사실 그의 글 속에서 우리는 그의 예술의 본질에 대한 많은 통찰을 발견할 수 있다. 그의 가장 드러나는 두 인용구는 다음과 같다: “내가 세상을 바꿀 수 없다면, 적어도 사람들이 세상을 바라보는 방식을 바꾸고 싶다;” 그리고 “심오함은 어떤 외딴, 접근할 수 없는 곳에 위치하지 않는다. 그것은 일상 생활에 뿌리를 두고 있다.” 우리는 “위대한 회화”(1958)와 같은 작품에서 이러한 두 가지 진술이 작용하는 것을 볼 수 있다. 이 작품은 흙 색깔의 판지 콜라주이다. 작품의 표면은 탄 듯하고, 멍이 들고, 얼룩져 있다. 그것은 가장 단순한 재료로, 가장 원초적인 기법으로, 정식 미적 교육을 받지 않은 예술가의 손에 의해 만들어졌다. 그럼에도 불구하고 구성 속에서 우리는 완벽한 균형, 색조의 조화, 그리고 다양한 질감과 색조를 만난다. 우리는 거리에서 이러한 재료를 지나칠 수 있지만, 여기서 우리의 눈은 끝없는 깊이와 신비로운 낙서의 이국적인 보물 지도로 길을 잃을 수 있다.

안토니 타피에스- 생 갈, 1962. 리토그래프. 폴 F. 월터 기증. 모마 컬렉션. © 2019 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리.

타피에스는 조각의 영역으로 그의 사고를 확장했습니다. 그의 가장 유명한 작품 중 하나인 "짚이 있는 책상"(1970)은 제목이 암시하듯 매우 직관적입니다. 실제 나무 책상 위에 짚이 덮인 조합입니다. 재료의 조합은 처음에는 비논리적으로 보이지만, 그들의 병치의 완벽한 아름다움은 이 작품에 불가피한 아우라를 부여하여 가구가 아닌 예술로서 완벽하게 합리적입니다. 한편, "열린 침대"(1986)는 반대의 접근 방식을 취합니다. 에나멜 페인트로 색칠된 풀사이즈의 내화 점토 침대는 형태의 의미가 재료와 정면으로 대치됩니다. 그러나 관객이 점토 위에서 자는 것의 부조리가 지구를 우리의 침대로 생각하면 사라진다는 것을 깨닫는 데는 오랜 시간이 걸리지 않습니다. 타피에스가 만든 모든 작품과 마찬가지로, 그 심오함은 일상적인 사고의 평범함 속에 바로 있습니다; 그것은 모두 당신이 어떻게 바라보느냐에 달려 있습니다.

특집 이미지: 안토니 타피에스 - 위대한 그림, 1958. 모래가 섞인 유화, 캔버스. 78 1/2 x 103 인치 (199.3 x 261.6 cm). 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 뉴욕. © 2018 안토니 타피에스 재단/예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕/VEGAP, 마드리드.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해