안토니 타피에스와의 여행
안토니 타피에스가 2012년에 세상을 떠났을 때, 그는 스페인 문화에 거대한 공백을 남겼습니다. 그는 그의 세대에서 가장 영향력 있는 스페인 시각 예술가였으며, 여러 면에서 제2차 세계대전 이후 스페인 아방가르드를 그 없이 상상하기 어렵습니다. 사실, 타피에스가 없었다면 20세기 미술은 전 세계적으로 상당히 달랐을 것이라고 말해도 과언이 아닙니다. 그의 나라 역사에서 중요한 시기에, 타피에스는 안락한 부르주아의 운명을 버리고 불확실한 예술가의 삶을 개척하는 데 헌신했습니다. 그는 1948년부터 1956년까지 활동한 매우 영향력 있는 아방가르드 예술 집단인 도 알 셋(Dau al Set)의 여섯 창립자 중 한 명이었습니다. 1952년에 그룹을 떠난 후, 타피에스는 초현실주의와 다다이즘의 가장 급진적인 요소들과 형식적 추상의 기본, 그리고 비정형주의의 세계적 신조류를 연결하는 시각 언어를 창조했습니다. 신비주의와 형이상학의 뿌리에서 그는 자연 재료에 대한 감상과 지구 및 그 요소들과의 연결을 바탕으로 한 보편적 미학 철학을 형성했습니다. 그의 작품은 일상에서 발견한 재료들로 이루어지고 구성되며 이를 찬미하는 ‘물질 회화(Matter Paintings)’로 절정에 달했습니다. 많은 에세이와 강연을 남긴 그는 결국 자신의 작품만큼이나 예술에 대한 철학적 관점으로도 알려지게 되었습니다. 그는 예술과 삶에 대한 근본적인 관점을 “완벽함은 단지 고귀한 생각에서 오는 것이 아니라, 땅과의 관계와 함께 가야 한다”라고 요약했습니다.
일곱 번째 면
1939년 스페인 내전이 끝나자, 나라는 파시스트 국민주의 정권의 손에 확고히 넘어갔습니다. 프란시스코 프랑코 장군이 이끄는 이 정권은 스페인 문화의 모든 요소가 정부의 정치 권력을 확산하고 유지하는 데 쓰여야 한다고 주장했습니다. 그 외에도 프랑코는 모든 예술이 파시스트 사실주의 양식으로 이루어져야 한다고 강요했으며, 카탈루냐어 사용을 금지했습니다. 이는 파블로 피카소, 조안 미로, 살바도르 달리 같은 스페인 아방가르드 거장들을 우상시하며 자란 젊은 예술가 세대에게 큰 고통이었습니다. 젊은 예술가들 사이에 현대 스페인 문화가 운명 지어졌다는 두려움이 빠르게 퍼졌지만, 적어도 여섯 명의 문화 혁명가들은 다른 계획을 가지고 있었습니다. 카탈루냐 시인 조안 브로사(Joan Brossa)는 타피에스, 조안 폰츠(Joan Ponç), 모데스트 쿠이샤르트(Modest Cuixart), 철학자 아르나우 푸익(Arnau Puig), 그리고 독립 출판인 조안-조셉 타라츠(Joan-Josep Tharrats)와 함께 1948년에 국민주의 의제를 전복시키려는 그룹을 조직했습니다. 그들은 새로운 반파시스트 아방가르드 문화를 위한 씨앗을 심고자 했습니다. 그들의 영웅인 초현실주의자들과 다다이스트들에게 경의를 표하며, 그들은 여섯 면 주사위에 존재하지 않는 일곱 번째 면을 뜻하는 ‘도 알 셋(Dau al Set)’이라는 이름을 붙였습니다.
안토니 타피에스 - 의자(Chaises), 1981년. 카보런덤. 구성: 36 1/4 x 54 3/4인치 (92 x 139 cm); 종이 크기: 36 5/8 x 54 3/4인치 (93 x 139 cm). 출판사: 갤러리 르롱, 파리. 인쇄: 조안 바르바라, 바르셀로나. 30판. 모마 소장. © 2019 아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리.
이 이름은 카탈루냐어였기에 자동으로 논란이 되었고, 그 준신비적 의미는 엘리트주의 논리가 세계를 전쟁으로 이끌었음을 받아들이는 태도를 나타냈습니다. 도 알 셋은 타라츠의 개인 인쇄소에서 발행된 동명의 잡지를 통해 그들의 사상과 독특한 시각 언어를 퍼뜨렸습니다. 그 잡지의 글은 금지된 카탈루냐어로 쓰였으며, 이미지들은 신비주의, 환상, 순수 추상의 혼합을 보여주어 프랑코의 파시스트 통치에 정면으로 반대했습니다. 그룹 내 세 명의 예술가 중 타피에스는 가장 추상적이었습니다. 그는 독학으로 철학에서 영감을 받은 이미지를 창조했고, 매체와 재료의 순수한 즐거움에 기반한 방법을 사용했습니다. 그는 유화에 특이한 첨가물을 섞어 실험했고, 곧 발견한 재료와 물건들을 그림에 첨가하기 시작했습니다. 1952년까지 그는 자신의 예술적 길을 찾는 데 몰두하여 도 알 셋을 떠났습니다. 그 이후로 타피에스는 비정형 추상과 혼합 매체를 독립적인 미학적 입장으로 탐구하는 데 전념했습니다.
안토니 타피에스 - 페트리피카다 페트리피칸테(Petrificada Petrificante), 1978년. 카보런덤, 콜라그래프, 아쿠아틴트를 포함한 7개의 아쿠아틴트(포장지 포함), 1개의 에칭과 카보런덤; 보조 세트 포함. 불규칙한 크기 20 1/2 x 16 1/8인치 (52 x 41 cm). 판화: 다양한 크기. 출판사: 메그 에디터, 파리. 인쇄소: 아틀리에 모르상, 파리. 195판 이상. 길버트 W. 채프먼 부인 기금 및 갤러리 메그 기증. 모마 소장. © 2019 아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리.
회화의 물질성
타피에스는 독학 예술가일 뿐만 아니라 독학 예술 이론가이기도 했습니다. 사실 그의 글에서 우리는 그의 예술 본질에 대한 많은 통찰을 발견할 수 있습니다. 그의 가장 드러나는 두 인용문은 “내가 세상을 바꿀 수 없다면, 적어도 사람들이 세상을 바라보는 방식을 바꾸고 싶다”와 “깊이는 먼 곳에 있지 않다. 그것은 일상생활에 뿌리를 두고 있다”입니다. 우리는 이 두 말씀이 “위대한 회화(Great Painting)”(1958) 같은 작품에서 드러나는 것을 볼 수 있습니다. 이 작품은 흙빛 골판지 콜라주입니다. 작품 표면은 그을리고 멍들고 얼룩진 듯 보입니다. 가장 단순한 재료와 가장 원초적인 기법으로, 정식 미학 교육을 받지 않은 예술가의 손에서 만들어졌습니다. 그럼에도 불구하고 구성 안에는 완벽한 균형, 색채 조화, 그리고 수많은 질감과 색조가 존재합니다. 우리는 거리에서 이 재료들을 그냥 지나칠 수 있지만, 여기서는 우리의 눈이 끝없는 깊이와 신비로운 낙서가 가득한 이국적인 보물지도에 빠질 수 있습니다.
안토니 타피에스 - 생 갈(Saint Gall), 1962년. 석판화. 폴 F. 월터 기증. 모마 소장. © 2019 아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리.
타피에스는 조각 영역으로도 그의 사유를 확장했습니다. 그의 가장 유명한 작품 중 하나인 “짚이 깔린 책상(Desk with Straw)”(1970)은 제목 그대로 실제 나무 책상 위에 짚을 덮은 조립 작품입니다. 처음에는 재료의 조합이 터무니없어 보이지만, 그들의 완벽한 대비가 작품에 불가피한 아름다움을 부여하여 가구가 아닌 예술로서 완전히 합리적임을 느끼게 합니다. 반면 “열린 침대(Open Bed)”(1986)은 정반대의 접근을 취합니다. 에나멜 페인트로 색칠한 전통 점토 침대인데, 형태의 의미가 재료와 정면으로 대립합니다. 그러나 관람자는 점토 위에서 자는 터무니없음이 지구를 우리의 침대로 생각하면 사라진다는 것을 곧 깨닫게 됩니다. 타피에스가 만든 모든 작품과 마찬가지로, 깊이는 일상의 평범함 속에 있으며, 그것은 어떻게 바라보느냐에 달려 있습니다.
대표 이미지: 안토니 타피에스 - 위대한 회화(Great Painting), 1958년. 캔버스에 모래를 섞은 유화. 78 1/2 x 103인치 (199.3 x 261.6 cm). 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 뉴욕. © 2018 안토니 타피에스 재단/아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕/VEGAP, 마드리드.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
작성자 Phillip Barcio
