올여름에 볼 수 있는 자연에서 영감을 받은 6개의 조각상

이번 여름 런던에서 열릴 예정인 전시는 관람객들에게 현대 조각에서 형상화와 추상화의 교차점을 탐구할 수 있는 독특한 기회를 제공합니다. 자연에서 영감을 받은 조각품들을 통해 이루어지는 이번 전시는 "자연의 재형성(Renaturing Nature)"이라는 제목으로 Hignell Gallery에서 주최하며, 메이페어의 셰퍼드 스트리트에 위치한 Hignell Gallery의 내부와 1.5킬로미터 떨어진 세인트 제임스 스퀘어 정원의 푸르른 환경이라는 두 개의 뚜렷하게 다른 공간에서 펼쳐질 것입니다. 여섯 개의 조각은 각각 내부 또는 외부 환경을 활용할 수 있는 능력으로 정확히 선택되었지만, 일부는 확실히 두 환경 모두에 배치될 수 있었고, 매우 다른 반응을 불러일으킬 수 있었습니다. 예를 들어, 독일계 캐나다 아티스트 바네사 파샤카르니스의 거대한 크레인파리 두 쌍은 갤러리 내부에 자리 잡아 관람객들을 끌어들여 그들이 야생에 속하는 무언가와 함께 끔찍하게 실내에 갇혀 있다는 느낌을 주게 됩니다. 그러나 만약 이 크레인파리가 밖에 있었다면, 우리는 그들에게 훨씬 다르게 반응했을 것입니다. 실내에서의 그들의 존재는 그들을 물체화하고 그들의 존재의 비자연적인 측면을 강조합니다. 밖에서는 그들이 구체물이며, 자연에 대한 기념비가 됩니다. 실내에서는 그들이 추상화되며, 자연의 페티시화에 대한 기념비가 됩니다. 사실, 이번 전시에서 전시될 다른 작품들도 모두 같은 개념적 이분법으로 작동합니다. 그들은 각각 우리가 인식하는 무언가의 간단하고 구체적인 표현을 보고 있다고 느끼게 하는 내러티브 이미지를 배치합니다—이것이나 저것에 대한 기념비 같은 것입니다. 그러나 우리가 이 작품들을 더 깊이 생각하고, 더 가까이 살펴볼수록, 우리는 눈앞에 숨겨진 정보와 보이지 않는 의미의 세계가 도사리고 있다는 것을 더욱 인식하게 됩니다.

광장에서 전시 중

아마도 세인트 제임스 스퀘어에서 전시될 가장 속임수 같은 비유적 작품은 포르투갈 아티스트 조아나 바스콘셀로스의 "테 단잔테"(2018)일 것입니다. 대형의 주조 철 조각은 장식적인 찻주전자 복제품에 불과한 것처럼 보입니다. 그러나 작품을 덮고 있는 것은 자스민 식물로, 이는 종종 녹차에 향기를 더하는 데 사용됩니다. 그 세부 사항 안에는, 그리고 이름 안에도 비밀이 숨어 있습니다. 제목의 스페인어 번역은 '춤추는 차'입니다. 포르투갈어 번역은 '당신이 춤추는 것'에 더 가깝습니다. 이 작품은 차 무역의 역사에 대한 언급으로, 이는 포르투갈과 유럽의 식민지 역사와 얽혀 있습니다. 이 금속 케이지는 자연을 담고 있다기보다는 그것을 조작하고, 장식하며, 동의 여부와 관계없이 그것으로부터 이익을 얻습니다.

조아나 바스콘셀로스 - 테 단잔테, 2018. 사진 © 유니다드 인피니타 프로젝트

근처에는 영국 예술가 소피 라이더(Sophie Ryder)의 또 다른 기만적으로 서사적인 조각 작품 "호주 귀여운 토끼(Aussie Earl)"(1996)가 숨어 있다. 처음 보기에는 이 작품이 토끼를 기리는 기념비처럼 보인다. 거칠고 튼튼한 뒷다리 위에 우스꽝스럽게 서 있는 이 짐승은 작은 머리와 반짝이는 눈으로 앞을 응시하며 풀밭을 멍하니 바라보고 있다. 그러나 자세히 살펴보면, 이 토끼의 살은 기계 부품, 장난감, 그리고 현대 문화를 반영하는 수많은 다른 기념품 조각들로 구성된 콜라주임을 알 수 있다. 이 물체의 진정한 본질이 드러나면서 우리는 동물, 자연, 그리고 현대 세계 간의 관계를 훨씬 어둡고 추상적인 방식으로 깊이 생각하지 않을 수 없다. 토끼의 습관에 익숙한 사람들에게는 또 다른 해석이 제시되는데, 그것은 욕망과 번식에 관한 것으로, 이러한 감정이 인간과 그들이 만들어낸 세계의 확산과 어떤 연결이 있는지를 상징적으로 암시한다.

소피 라이더 - 호주 얼, 1996.

광장 밖에서도 볼 수 있는 작품은 바네사 파샤카르니스의 "카프리코르노 1 & 2"(2017)입니다. 두 개의 분리된 뿔이 있는 염소 두개골로 구성된 이 작품은 인간과 동물 본성 간의 연결에 대한 우리의 이해를 의문시하기 위해 규모와 재료를 사용합니다. 이 짐승, 즉 염소자리(Capricorn)를 신비롭고 천체적인 존재로 받아들이는 우리의 태도는 그 명백한 죽음에 의해 의문을 제기합니다. 이 형태는 실제로 무엇을 기념화하고 있습니까? 죽음을 불러일으키는 것인가, 아니면 인간의 목적을 위한 자연의 확대를 불러일으키는 것인가? 형식적이고 추상적인 의미에서, 선, 형태, 색상 및 형태 측면에서 여기에서 감탄할 것이 많습니다. 그러나 우리가 그런 관점으로 생각함으로써 자연을 더 객체화하고 있는 것일까요?

바네사 파샤카르니스 - 카프리콘 1 & 2, 2017. 사진 © 제임스 브리튼

갤러리에서 전시 중

이미 언급했듯이, Paschakarnis의 두 개의 거대한 크랜플라이가 Hignell Gallery의 벽 안에서 전시될 것입니다. 그들과 함께, 두 개의 다른 조각이 각기 다른 방식으로 내부 환경의 불길한 분위기에 기여할 것입니다. 아마도 가장 오싹한 것은 영국 조각가 Kate MccGwire의 “Slick”(2010)이라는 제목의 흐르는 생체형 질량일 것입니다. 까마귀 날개의 무지개빛 깃털로 만들어진 이 흐르는 형태는 건축물 자체에서 흘러나오는 것처럼 보입니다. 죽은 생물의 신체 부위들이 모여 새로운, 겉보기에는 살아 있는 힘을 형성하였으며, 이는 살아 있는 자들의 땅과 죽은 자들의 땅 사이 어딘가에 갇혀 있습니다. 이 작품은 자연 세계를 실내로 가져오지만, 가장 불안한 방식으로 그렇게 합니다. 미학적으로, 그것은 바라보기에 추상적인 경이로움입니다. 그러나 내용이 드러날 때, 불편함의 수준도 불안정하고 불쾌한 방식으로 드러납니다.

Peter 랜달-페이지 RA - 레인 클라우드 스크린 I & II, 2015. 사진 © 아이슬린 맥나마라

갤러리 내부에서 전시될 또 다른 작품은 영국 조각가 Peter Randall-Page RA의 설치작품 “Rain Cloud Screen I & II” (2015)입니다. 이 작가는 자연의 기하학에서 영감을 받은 작품을 만듭니다. 드레싱룸 스크린을 연상시키는 이 작품은 네 개의 연결된 대형 드로잉으로 구성되어 있습니다. 가까이에서 감상할 때, 각 드로잉은 추상입니다—밝은 배경 위에 어두운 선들이 배열되어 있습니다. 함께 연결되어 멀리서 바라보면, 긍정적이고 부정적인 공간이 구름 형태를 형성하는 데 협력합니다. 그 효과는 미묘하고 기발하여, 자연 세계와의 상호작용 속에 잠재된 본질적인 추상성에 대한 사려 깊은 논평을 제공합니다. 또한, 가장 추상적인 인간 창작물에 대한 우리의 주관적인 반응 속에 숨겨진 본질적인 이야기들을 드러냅니다. Renaturing Nature 전시는 2019년 6월 21일부터 7월 21일까지 런던의 Hignell Gallery와 St James’s Square 정원에서 전시됩니다.

특집 이미지: Kate MccGwire-Slick, 2010. 사진 © Tessa Angus
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해