올여름에 볼 수 있는 자연에서 영감을 받은 6개의 조각상

올여름 런던에서 열리는 다가오는 전시회는 관람객들에게 현대 조각에서 형상과 추상의 교차점을 자연에서 영감을 받은 조각품들을 통해 독특하게 살펴볼 기회를 약속합니다. '자연의 재자연화(Renaturing Nature)'라는 제목으로 하이그넬 갤러리에서 주최하는 이 전시는 두 개의 뚜렷이 다른 공간에서 펼쳐집니다—메이페어의 셰퍼드 스트리트에 위치한 하이그넬 갤러리 내부와 1.5킬로미터 떨어진 세인트 제임스 광장 정원의 푸른 환경입니다. 여섯 점의 조각품은 각각 실내 또는 야외 공간을 활용하는 능력에 따라 엄선되었으며, 일부는 어느 환경에 놓여도 전혀 다른 반응을 불러일으킬 수 있습니다. 예를 들어, 독일계 캐나다 작가 바네사 파스차카니스의 거대한 두 마리의 긴다리파리는 갤러리 내부에 자리 잡아 관람객들이 야생에 있어야 할 무언가와 함께 공포스럽게 실내에 갇힌 듯한 느낌을 받게 합니다. 그러나 이 긴다리파리가 야외에 있다면 우리는 전혀 다르게 반응할 것입니다. 실내에 있을 때 그 존재는 대상화되어 그들의 부자연스러운 면모를 더욱 부각시킵니다. 야외에서는 그것들이 자연의 결정체, 자연에 대한 기념비가 될 것입니다. 실내에서는 그것들이 추상화되어 자연에 대한 집착의 기념비가 됩니다. 사실 이 전시에 전시되는 다른 작품들도 모두 같은 개념적 이분법으로 작동합니다. 각각은 내러티브 이미지나 내용을 사용하여 우리가 단순히 인식할 수 있는 어떤 구체적이고 명확한 표현, 즉 이러저러한 것에 대한 일종의 기념비를 보고 있다고 즉각적으로 반응하게 만듭니다. 그러나 이 작품들을 더 깊이 생각하고 자세히 들여다볼수록, 우리 눈앞에 숨겨진 정보와 보이지 않는 의미의 세계가 점점 더 드러납니다.

광장에서 전시 중

세인트 제임스 광장에서 전시되는 작품 중 가장 기만적으로 형상적인 작품은 포르투갈 작가 조아나 바스콘셀로스의 “테 단잔테”(2018)일 것입니다. 대형 단조 철제 조각품은 단순히 찻주전자 모양의 장식품 복제품처럼 보입니다. 그러나 작품을 덮고 있는 것은 녹차에 향을 더하기 위해 자주 사용되는 쟈스민 식물입니다. 그 세부와 제목 안에는 비밀이 숨어 있습니다. 제목의 스페인어 번역은 '춤추는 차'이고, 포르투갈어 번역은 '당신이 춤추는'에 가깝습니다. 이 작품은 포르투갈과 유럽의 식민지 역사와 얽힌 차 무역의 역사를 참조합니다. 이 금속 우리 안에는 자연이 갇혀 있는 것이 아니라 자연을 조작하고 장식하며, 동의 여부와 상관없이 이익을 취하는 것입니다.

Joana Vasconcelos - 테 단잔테, 2018. 사진 © Unidade Infinita Projectos

근처에는 영국 작가 소피 라이더의 또 다른 기만적인 내러티브 조각품 “오지 얼” (1996)이 숨어 있습니다. 얼핏 보면 이 작품은 토끼를 기리는 기념비처럼 보입니다. 우스꽝스럽게 튼튼한 뒷다리 위에 서서, 이 짐승은 작고 반짝이는 눈과 작은 머리로 앞을 멍하니 응시하며 풀밭을 바라봅니다. 그러나 자세히 살펴보면, 토끼의 살 자체가 기계 부품, 장난감, 그리고 현대 문화를 반영하는 수많은 기념품 조각들의 콜라주로 이루어져 있음을 알 수 있습니다. 이 물체의 진정한 본질이 드러나면서 우리는 동물, 자연, 그리고 현대 세계 사이의 관계를 훨씬 더 어둡고 추상적인 방식으로 숙고하지 않을 수 없습니다. 토끼의 습성에 익숙한 이들에게는 또 다른 해석이 나타나는데, 그것은 욕망과 번식에 관한 것으로, 이러한 감정들이 인간과 그들이 만든 세계의 확산과 연결되어 있음을 상징적으로 암시합니다.

Sophie Ryder - 오지 얼, 1996.

광장 야외에 전시되는 또 다른 작품은 바네사 파스차카니스의 “카프리코르노 1 & 2” (2017)입니다. 두 개의 뿔 달린 염소 해골로 구성된 이 작품은 크기와 재료를 통해 인간과 동물 본성 사이의 관계에 대한 우리의 이해를 의문시합니다. 이 짐승, 즉 염소자리를 신비롭고 천체적인 존재로 받아들이는 우리의 태도는 그 죽음의 명백함에 의해 도전받습니다. 이 형상은 실제로 무엇을 기념하는 것일까요? 죽음을 떠올리게 하는가, 아니면 인간의 목적을 위한 자연의 과장인가? 형식적이고 추상적인 관점에서 보면 선, 형태, 색채 면에서 감탄할 만한 점이 많습니다. 그러나 그런 관점으로 생각하는 것이 자연을 더 대상화하는 것은 아닐까요?

Vanessa Paschakarnis - 카프리코르노 1 & 2, 2017. 사진 © James Brittain

갤러리 내 전시

앞서 언급했듯이, 파스차카니스의 거대한 긴다리파리 두 마리가 하이그넬 갤러리 내부에서 전시됩니다. 그 옆에는 두 점의 다른 조각품이 각각 독특한 방식으로 실내 환경의 오싹한 분위기에 기여할 것입니다. 아마도 가장 소름 끼치는 작품은 영국 조각가 케이트 맥그와이어의 “슬릭”(2010)이라는 흐르는 생체 형태의 덩어리일 것입니다. 까치 날개의 무지갯빛 깃털로 만들어진 이 흐르는 형상은 건축물 자체에서 흘러나오는 듯 보입니다. 죽은 생물의 신체 부위들이 모여 살아 있는 듯한 새로운 힘을 형성했으며, 생명과 죽음의 경계 어딘가에 걸쳐 있습니다. 이 작품은 자연 세계를 실내로 들여오지만, 매우 불안한 방식으로 그렇습니다. 미학적으로는 추상적인 경이로움을 선사합니다. 그러나 내용이 드러나면서 불편함의 수준도 변화하며 불안하게 다가옵니다.

Peter Randall-Page RA - 레인 클라우드 스크린 I & II, 2015. 사진 © Aislinn McNamara

갤러리 내부에서 또 볼 수 있는 작품은 자연의 기하학에서 영감을 받은 영국 조각가 Peter Randall-Page RA의 설치작품 “레인 클라우드 스크린 I & II” (2015)입니다. 탈의실 칸막이를 연상시키는 이 작품은 네 개의 연결된 대형 드로잉으로 구성되어 있습니다. 가까이서 보면 각 드로잉은 추상화로, 밝은 배경 위에 어두운 선들이 모여 있습니다. 멀리서 보면 양의 공간과 음의 공간이 협력하여 구름 형태를 형성합니다. 이 효과는 미묘하고 기발하며, 자연 세계와의 상호작용 속에 내재된 추상성과 가장 추상적인 인간 창작물에 대한 우리의 주관적 반응 속에 숨겨진 이야기에 대한 사려 깊은 논평을 제공합니다. '자연의 재자연화' 전시는 2019년 6월 21일부터 7월 21일까지 런던 하이그넬 갤러리와 세인트 제임스 광장 정원에서 열립니다.

대표 이미지: Kate MccGwire - 슬릭, 2010. 사진 © Tessa Angus
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
글쓴이 Phillip Barcio