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그림을 바라보다, 현재 런던 화이트채플 갤러리에서 열리고 있는 메리 하일만의 회고전은 편안하고 장난기 넘치며 깊이가 있다. 하일만의 작품은 단순히 공간을 차지하는 것이 아니라 그 공간에 생명을 불어넣는다. 갤러리를 집처럼 바꾸어 놓는다. 추상적인 기하학적 회화; 밤길의 파도와 선을 묘사한 인물화; 벽을 가득 채운 도자기 구슬들; 아무렇게나 놓인 파스텔색 해변 의자들. 전시회에 들어서는 순간 이야기가 펼쳐지고 있음을 알게 된다. 마치 미술 전시회에 들어온 것이 아니라, 믿음직한 친구의 거대한 나무집에 기어 들어가 그녀의 기억과 꿈을 탐험하도록 초대받은 듯한 느낌이다.

메리 하일만 작품 속 서사와 상상력

하일만의 작품은 대화에 관한 것이다. 작품들 사이에서, 하일만과 그녀의 과거와 미래 사이에서, 그리고 그 모든 것과 전시 공간에 들어오는 모든 관람객 사이에서 아이디어가 교환된다. 그림을 바라보다는 하일만의 50년에 걸친 경력을 아우른다. 캘리포니아에서 태어나고 자란 그녀는 1967년 버클리에서 석사 학위를 받았다. 1968년 뉴욕으로 이주해 동료 예술가들에게 환영받았으며, 리처드 세라 등 전설적인 인물들과 맥스 캔자스 시티라는 전설적인 술집에서 어울렸다. 여성 조각가에 대한 편견 때문에 하일만은 그림을 그리기 시작했다. 그녀는 이렇게 회상한다. “나는 유화 기법을 따로 배우지 않았다; 그저 하면서 익혔다.”

메리 하일만 - 차이나타운, 1976년, 캔버스에 유화

메리 하일만 - JJ, 1986년, 캔버스에 아크릴과 수채화

메리 하일만, 2016년 화이트채플 전시, 전시 전경

더욱 서사적인 분위기

이 사려 깊은 전시는 하일만이 예술가로서 겪은 전 과정을 다룬다. 미니멀리즘과 요제프 알버스의 색채 연구를 참조한 추상적이고 후기 화가적 작품인 코로나 보레알리스(1970)와 차이나타운(1976)으로 시작한다. 이후 하일만이 화가로서 자신감을 얻으면서 작품은 점점 더 서사적인 분위기를 띠게 된다. 제목은 더욱 개인적이 되고, 추상 이미지 사이에 구상적 요소가 나타나기 시작한다. 이 변화는 고스트 체어(1989)에 절절히 담겨 있다. 멀리서 보면 이 평화로운 흰색 캔버스는 빨강과 노랑의 큰 블록이 피에트 몬드리안의 기하학적 격자를 펑크 록 스타일로 재해석한 듯 보인다. 그러나 가까이서 보면 거의 투명한 흰 의자가 생생한 빨강과 노랑 사각형 사이에 미묘하게 나타나는데, 이는 에이즈로 세상을 떠난 하일만의 친구들에게 바치는 헌사이다.

메리 하일만 - 프란츠 웨스트, 1995년, 캔버스에 유화

메리 하일만 - 파랑과 흰색 사각형, 1997년, 캔버스에 유화

메리 하일만 - 생명선, 1990-94년, 캔버스에 유화

광기와 수학 사이

하일만의 진솔함과 폭넓은 표현력은 결국 그녀가 원하는 어떤 작품이든 자유롭게 만들고 전시할 수 있는 인정을 받게 했다. 그녀는 조각가로서의 배경으로 돌아가 피아노(1983) 같은 도자기 작품을 만들고, 생명선(1990-94)처럼 형태가 얽힌 캔버스를 제작했으며, 캘리포니아 특유의 꿈같은 해변 의자들을 만들어 관람객들이 휴식하며 다른 작품들을 음미할 수 있는 미적 대상이자 쉼터로서 기능하게 했다. 지금까지의 하일만 작품을 한자리에서 경험하는 것은 믿음직한 친구가 조각조각 들려주는 서사시를 듣는 것과 같으며, 순서가 뒤섞여 있지만 묘하게도 완벽한 의미를 이룬다.

하일만은 2013년 하이퍼앨러직과의 인터뷰에서 이 느낌을 이렇게 표현했다. “…숫자가 없는 수학이나 상징 논리와 같다. 광기는 누군가가 세상을 바라보고 그것을 분해했다가 다시 조립하는 것일 수 있다, 말로 소통하지 않고도… 하지만 당신 같은 사람이 와서 대화를 나누면 나는 의미를 찾아낸다.”

메리 하일만: 그림을 바라보다는 2016년 8월 21일까지 런던 화이트채플 갤러리에서 열리고 있다.

대표 이미지: 메리 하일만 - 레니의 파도의 오른쪽 기하학, 2011년, 나무 판넬에 유화

모든 사진 제공: IdeelArt