피에르 파올로 칼졸라리와 발생하는 (추상) 예술

피에르 파올로 칼졸라리가 40년 만에 처음으로 나폴리에 돌아와 Museo d'Arte Contemporanea Donnaregina(일명 Museo MADRE)에서 그의 전 경력을 아우르는 대규모 전시를 선보입니다. '나비로서의 회화(Painting as a Butterfly)'라는 제목으로 아킬레 보니토 올리바와 안드레아 빌리아니가 기획한 이번 전시에는 1960년대부터 현재까지의 70여 점의 작품이 전시됩니다. 1943년 이탈리아 볼로냐에서 태어난 칼졸라리는 아르테 포베라 운동의 가장 중요한 현존 작가 중 한 명으로 평가받고 있습니다. 그러나 그의 예술적 성과는 그 명칭이 내포하는 한계를 훨씬 뛰어넘습니다. 사실 그는 다소 독특한 미학적 자유인입니다. 그 사실을 입증하는 초기 경력의 증거는 1969년 베른에서 처음 개최되었고 2013년 베니스 비엔날레의 일환으로 폰다치오네 프라다가 재연한 '태도가 형태가 될 때(When Attitudes Become Form)' 전시에 칼졸라리가 포함되었을 때부터입니다. 칼졸라리 외에도 이 전시에는 에바 헤세와 요제프 보이스 같은 정의하기 어려운 거장들이 포함되어 있었습니다. 제목이 암시하듯, 이 전시는 단순히 아르테 포베라의 시적 물질적 관심사를 탐구하려는 시도가 아니라, 이 개념미술가들이 그들의 작업을 통해 오늘날에도 여전히 긴급한 실존적 문제에 직면하기 시작한 순간을 나타냅니다. 즉, 의미와 이성이 그들의 예술 창작에 사용된 재료와 과정처럼 유동적이고 덧없다는 개념입니다. '나비로서의 회화'는 칼졸라리를 다시 만나 그의 새로운 실험과 최근 몇 년간 불러낸 고대의 수수께끼를 살펴보고, 그의 작품을 통해 다시 한 번 우리 자신과 연결하려는 기회입니다.

이상한 관계

'나비로서의 회화'는 박물관의 여러 층 여러 전시실에 걸쳐 펼쳐지지만, 방과 작품 사이에 많은 빈 공간이 있음에도 불구하고 꽉 찬 전시라는 이상한 느낌을 줍니다. 그러나 이것은 나쁜 점이 아닙니다. 공간을 차지하는 것은 바로 그림과 물체들의 개성입니다. 예를 들어, 맞춤형 방 벽에 걸린 아홉 개의 채색된 판넬 설치작품 “Senza titolo”(2014-15)를 보십시오. 판넬들은 벽에서 곡선 형태로 돌출되어 있으며, 일곱 개는 빨간색, 하나는 노란색, 하나는 흰색입니다. 각각은 선과 형태가 폭발하는 우주를 이루는 구성의 일부를 담고 있습니다. 이 작품은 매혹적이면서도 불편한 느낌을 줍니다. 전시 방식이 너무 독특해 내용으로서 부각되지만, 동시에 판넬의 물질적 존재감도 주목을 끕니다. 판넬 위의 채색된 구성은 매우 아름답습니다. 이 요소들과 관람객 사이의 관계는 긴장감이 있어, 작품이 너무 작은 우리에 갇힌 야생 동물처럼 보이게 만듭니다.

피에르 파올로 칼졸라리 - 모노크로모 블루, 1979. 개인 소장. 사진 © 미켈레 알베르토 세레니

마찬가지로, 거대한 방의 거대한 벽에 걸린 “모노크로모 블루”(1979)는 너무 높이 걸려 있어 목을 젖혀야만 작품을 볼 수 있습니다. 편안하게 작품을 감상하는 유일한 방법은 멀리서 보는 것으로, 독립된 예술작품이라기보다 건축의 관계적 미적 요소로서 감상하는 것입니다. 전시 전반에 걸쳐 작품들은 서로와 자신과 끊임없이 공간을 두고 경쟁합니다. 그러나 항상 그런 것은 아닙니다. 때때로 한 점의 그림이 부드러운 스포트라이트 아래 홀로 걸려 있어, 마치 오아시스처럼 대면하지 않고 그림을 바라볼 기회를 제공합니다. 이것이 바로 칼졸라리가 매우 뛰어난 점입니다. 그는 중세기 개념미술과 현대 관계미술 사이의 다리 역할을 하며, 어떻게든 해프닝의 당황스럽고 대립적인 정신을 차분하고 명상적인 기획 전시의 몸체에 도입한 예술가입니다.

피에르 파올로 칼졸라리 - Senza titolo (자리 비우기), 1972. 개인 소장. 사진 © 미켈레 알베르토 세레니

순간의 신화

'나비로서의 회화'는 칼졸라리가 창조한 복잡한 작품 세계의 모든 측면과 교감하지만, 전시에서 가장 예지적인 작품들은 그의 다매체, 즉 기획자가 말하는 “다중 재료” 작품들입니다. 이들 중 다수는 벽에 걸린 그림 앞 바닥에 모터나 펌프가 놓인 조각적 장면을 특징으로 합니다. 이러한 기묘한 조합을 바라보면 무언가가 일어났거나, 일어나고 있거나, 곧 일어날 것 같은 감각 사이에 갇힌 듯한 느낌을 받기 쉽습니다. 어떤 행동이 일어났거나 시작되었다는 사실은 부인할 수 없지만, 왜 그런지는 거의 상상할 수 없습니다. 작품의 동적인 특성은 어떤 의미나 목적, 즉 왜라는 질문을 암시합니다. 그러나 그것은 또한 작품의 유머일 수도 있습니다. 관람객의 눈과 마음이 단순히 미적 현상을 있는 그대로 경험하지 못하게 하는 추가적인 추상층입니다.

피에르 파올로 칼졸라리 - 라 그란데 퀴진, 1985. 리스본 개인 소장. 사진 © 미켈레 알베르토 세레니

이 “다중 재료” 현상들은 혼란스러운 시각에서 우리에게 증인이 되어 달라고 요청합니다. 우리는 독립된 예술작품을 보고 있는 걸까요? 아니면 어떤 사건의 잔재나 앞으로 일어날 무언가의 전조를 보고 있는 걸까요? 우리는 이 “무엇이든”의 발현에 이르게 한 기계적 과정도, 그것의 기획에 영향을 준 개념적 방황도 보지 못했으며, 만약 그런 사건이 일어난다 해도 그것을 볼 만큼 오래 머무르지 못할 것이라는 느낌에 약간 속은 듯한 기분이 듭니다. 증거와 기대 사이에 갇혀 우리는 눈과 마음을 물질적 쾌락에 집중합니다. 의미는 사라지고, 우리는 무의미함을 받아들이거나 작가의 의도와는 거의 상관없는 우리 자신의 목적에 따라 의미를 만들어 냅니다. 칼졸라리는 우리를 순간처럼 느껴지는 어떤 것에 능숙하게 몰아넣지만, 순간이 정말 존재하는지 의문을 품게 만듭니다. 피에르 파올로 칼졸라리: 나비로서의 회화는 2019년 9월 30일까지 이탈리아 나폴리의 Museo MADRE에서 전시됩니다.

대표 이미지: 피에르 파올로 칼졸라리 - Senza titolo, 2014-2015. 리스본 개인 소장. 사진 © 미켈레 알베르토 세레니
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
글쓴이 Phillip Barcio