루치오 폰타나가 아닌 이탈리아 공간주의자를 만나다

다음 달 런던에서는 40개 이상의 작품을 통해 이탈리아 예술가 파올로 스케기 (1940 – 1971)의 전체 경력을 추적하는 전시가 열립니다. 런던의 에스토릭 현대 이탈리아 미술관에서 열리는 "파올로 스케기: 심층" 전시는 영국에서 처음으로 열리는 대규모 스케기 전시입니다. 스케기는 30세의 나이에 세상을 떠날 때까지 짧은 생애 동안 표면 너머에 존재하는 것에 대한 생각에 사로잡혀 있었습니다. 이러한 집착은 물질적이고 비물질적인 방식으로 나타났습니다. 비물질적인 영역에서 스케기는 시와 형이상학적 철학을 탐닉하며 그의 작업실과 때로는 그의 예술을 그가 존경하는 거장들, 예를 들어 T. S. 엘리엇의 시적 감정으로 가득 채웠습니다. 그는 또한 시각 예술의 언어를 면밀히 분석한 잡지 "일 말린테소"(오해)를 창간했습니다. 물리적 영역에서 그는 "우리 존재의 정당화"라고 부르는 것을 찾기 위해 구체적인 형태를 부여하려고 노력한 다차원적인 예술 작품을 창조했습니다. 불가피하게 그의 작품은 서사적 이야기 전개를 피하기 때문에 추상적이라고 불렸습니다. 그러나 이 경우 그 단어는 불완전합니다. 보이지 않거나 비물질적인 것을 표현하려는 시도가 추상적이라는 것은 무엇을 의미할까요? 스케기는 인간 존재의 진실이 표면에서 발견되는 것이 아니라 우리의 경험의 깊이에서 발견된다고 믿었습니다. 그는 회화, 조각, 디자인, 건축, 패션, 연극을 통해 가능한 모든 방법으로 그 깊이를 탐구했습니다. 그의 아이디어는 공간주의의 시각적 전략을 채택하여 우리가 처음에 눈으로 인식하는 것 너머에 숨겨진 다차원적 존재가 있다는 본질적인 진리를 보여주는 그의 부조 작품에서 가장 잘 표현되었습니다. 그의 선배이자 영감의 원천인 루치오 폰타나처럼, 스케기는 우리가 피상적인 것들을 베어내기를 감행해야만 그 아래에 무엇이 있는지를 이해할 수 있다는 것을 알고 있었습니다.

길고 짧은 모습

제목 "파올로 스케기: 심층"에 포함된 여러 재치 있는 말 중 하나는 스케기가 약 12년 동안만 생산적인 예술가였다는 것입니다. 이렇게 짧은 경력에 대한 조사는 얼마나 심층적일 수 있을까요? 그럼에도 불구하고 스케기는 지적으로나 스튜디오에서 놀라울 정도로 생산적이었습니다. 조사는 일종의 시각적 백지 상태로 시작됩니다: 스케기가 십대 시절에 만든 금속 시트로 된 일련의 모노크롬입니다. 모노크롬 팔레트는 스케기가 경력 내내 유지한 것으로, 단일 색상의 순수함이 그의 작업의 공간적 및 차원적 측면에 우리의 초점을 끌도록 합니다. 다음으로, 그의 모노크롬 이후에 우리는 스케기가 "존 리플레세"(Reflected Zones)라고 부른 시리즈의 예를 봅니다. 루치오 폰타나가 만든 찢어진 캔버스를 직접 참조하여, 이 작품들은 세 개의 캔버스를 서로 겹쳐서 늘린 다음 각 캔버스에서 타원형 모양을 잘라내어 캔버스의 빈 구멍이 서로 겹치도록 만들어졌습니다. 관객은 하나의 모노크롬 표면 너머로 다른 표면을, 그리고 또 다른 표면을 바라볼 수 있습니다. 빛과 그림자는 시각적 깊이를 더하고, 실제 깊이는 층 사이의 공간에서 만들어집니다.

파올로 스케기 - 오렌지색 곡면 인터서페이스, 1969. 오렌지 아크릴로 세 겹의 캔버스에 그린 작품. 120 × 120 × 6.5 cm. 프란카와 코시마 스케기 컬렉션, 밀라노.

다음은 "인터서페이스(Intersurfaces)"라는 작업의 예시입니다. 이 작품들은 층이 있는 캔버스로 구성되어 있지만, 표면에서 동일한 형태가 잘려 나가는 대신 서로 다른 형태가 제거됩니다. 그 결과로 예상치 못한 기하학적이고 생물형 패턴이 공백에서 나타나며, 눈에 보이지 않는 구조와 숨겨진 공간에서의 연속성을 암시합니다. "인터서페이스"는 비어 있는 것을 작업의 주제로 삼고, 문자 그대로 관객이 "행간을 읽는" 방식으로 참여하도록 초대하며 시각적 하위 텍스트의 가능성을 제안합니다. 참여는 Scheggi의 전체 경력에서 분명히 핵심적인 요소입니다. 그는 관객이 단순히 수동적으로 바라보는 것이 아니라 예술에 적극적으로 참여해야 한다고 믿었습니다. 이러한 아이디어는 Scheggi를 Arte Programmata와 같은 운동과 연결시킵니다. 이는 새로운 유형의 예술 작품을 창조하는 데 전념하는 이탈리아의 키네틱 아트 운동으로, 이탈리아 철학자 움베르토 에코가 "더 이상 정지해 있는 것이 아니라, 우리가 지켜보는 동안 변해가는 과정에 있는 것"이라고 설명한 바 있습니다.

파올로 스케기 - ‘플라스틱 인터체임버’ 모형, 1966. 곡선으로 구부러진, 펀치로 구멍이 뚫린 나무 시트, 노란색으로 칠해짐. 52.5 × 86 × 66 cm. 프란카와 코시마 스케기 컬렉션, 밀라노.

얼마나 깊은 것이 깊은 것인가?

이 설문조사의 제목에 내재된 또 다른 재치 있는 표현은 "깊이"라는 단어가 암시하는 의미의 양입니다. 깊이가 무엇인가요? 우리는 그것을 어떻게 찾을 수 있을까요? 실용적인 의미에서 우리는 항상 물리적 공간의 깊이에 거주하며, 결코 어떤 것의 표면에만 있는 것은 아닙니다. 그러나 우리는 항상 공간을 들여다보고, 그 깊이로 나아가는 유일한 방법은 움직이는 것이라고 느낍니다. Scheggi는 움직임이 깊이에 핵심이라는 것을 알고 있었고, 관람객이 움직임을 통해 작품에 참여할 의향이 있는 경우 더 많은 보상을 받을 수 있도록 그의 시각적 개념을 계속 다듬었습니다. 그는 격자 형태로 배열된 원형 컷 아웃이 있는 일련의 층으로 이루어진 작품을 만들었습니다. 이러한 작품은 변화하는 조명 조건과 관람객의 움직임을 활용하여 변동하는 정경 안에서 상징적인 기하학적 이미지의 진화하는 네트워크를 생성합니다. 우리는 이러한 깊이로 물리적으로 들어갈 수는 없지만, 그 안을 들여다보고 그들이 암시하는 더 깊은 의미를 상상할 수 있습니다.

파올로 스케기 - 인터-에나-큐브, 1968. 구멍 뚫린 녹색 판지와 아크릴로 만든 모듈. 102 x 102 x 11 cm. 프란카와 코시마 스케기 컬렉션, 밀라노.

이 전시가 분명히 보여주듯이, Scheggi가 더 오래 생존했다면 관객들이 실제로 들어갈 수 있는 작품을 더 많이 만들고 싶어했을 것입니다. 이는 이 전시에서 잘 문서화된 그의 연극적 작품들과 패션 창작물에서 분명히 드러납니다. 그러나 특히 1966년에 Scheggi가 "Plastic Interchamber"라고 부른 것의 모델에서 가장 뚜렷하게 나타납니다. 이는 3년 전 Bridget Riley가 만든 "Continuum"이라는 작품과 유사한 환경 설치물로, 관객들이 작품의 시각적 및 물리적 깊이의 일부가 되기 위해 작품의 간섭 공간 내부로 들어갈 수 있게 합니다. 분명히, 그의 세대의 많은 예술가들처럼 Scheggi는 인간 경험의 표현할 수 없는 깊이를 인식하고 이를 탐구할 수 있는 간단하고 흥미로운 방법을 찾고자 했습니다. 그는 Fontana, Riley 및 그를 영감을 준 다른 예술가들만큼 다작은 아니었지만, 그의 작품은 신선하고 겸손하며 무한히 즐거운 방식으로 우리의 인식의 깊이를 확장합니다. Paolo Scheggi: In Depth는 2019년 7월 3일부터 9월 15일까지 전시됩니다.

특집 이미지: 파올로 스케기 - 곡선 인터서페이스, 1965. 빨간 아크릴로 세 겹의 캔버스에. 100 x 100 x 6 cm. 프란카와 코시마 스케기 컬렉션, 밀라노.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해