루치오 폰타나가 아닌 이탈리아 공간주의자를 만나다

다음 달 런던에서, 40점이 넘는 작품을 통해 이탈리아 예술가 Paolo Scheggi (1940 – 1971)의 전 생애를 조명하는 전시가 열립니다. 런던의 에스토릭 현대 이탈리아 미술 컬렉션에서 열리는 Paolo Scheggi: In Depth는 영국에서 처음으로 열리는 대규모 Scheggi 전시입니다. 30세의 젊은 나이에 세상을 떠난 Scheggi는 짧은 생애 동안 표면 너머에 존재하는 것에 대한 생각에 사로잡혀 있었습니다. 이러한 집착은 물질적, 비물질적 방식 모두에서 나타났습니다. 비물질적 영역에서는 시와 형이상학적 철학에 몰두하며, 그의 작업실과 때로는 작품에 T. S. 엘리엇과 같은 그가 존경하는 대가들의 시적 감성을 담았습니다. 또한 그는 플라스틱 아트의 시각 언어를 면밀히 분석한 잡지 “Il Malinteso”(오해)를 창간했습니다. 물질적 영역에서는 “우리 존재의 정당화”를 찾기 위한 그의 탐구에 구체적인 형태를 부여하고자 다차원적인 예술 작품을 창조했습니다. 그의 작품들은 이야기 전달을 피하기 때문에 흔히 추상미술로 불리지만, 이 단어만으로는 충분하지 않습니다. 보이지 않거나 비물질적인 것을 표현하려는 시도가 추상이라는 말은 무엇을 의미할까요? Scheggi는 인간 존재의 진실이 표면에 있지 않고 경험의 깊이에 있다고 믿었습니다. 그는 회화, 조각, 디자인, 건축, 의상, 연극 등 모든 방법으로 그 깊이를 탐구했습니다. 그의 아이디어는 공간주의의 시각 전략을 채택한 부조 작품에서 가장 잘 드러나는데, 이는 우리가 처음 눈으로 인지하는 것 너머에 숨겨진 다차원의 존재를 보여줍니다. 그의 선배이자 영감을 준 루치오 폰타나처럼, Scheggi는 피상적인 것을 과감히 벗겨내야만 그 아래에 무엇이 있는지 이해할 수 있다는 것을 알았습니다.

짧지만 깊은 시선

Paolo Scheggi: In Depth라는 제목에 담긴 여러 재치 중 하나는 Scheggi가 약 12년 동안만 활발히 활동한 예술가라는 점입니다. 이렇게 짧은 경력을 얼마나 깊이 있게 살필 수 있을까요? 그러나 Scheggi는 지적이고 작업실에서도 놀라울 정도로 생산적이었습니다. 전시는 시각적으로 백지 상태와 같은, 그가 십대 시절 금속판으로 만든 단색화 시리즈로 시작합니다. 단색 팔레트는 그의 경력 내내 유지되었으며, 단일 색조의 순수함이 작품의 공간적, 차원적 측면에 집중하게 합니다. 다음으로 단색화 이후에는 Scheggi가 “Zone Riflesse”(반사된 영역)라고 부른 시리즈가 소개됩니다. 이는 루치오 폰타나가 만든 캔버스 절단 작품을 직접 참조한 것으로, 세 개의 캔버스를 겹쳐 놓고 각 캔버스에 타원형 구멍을 뚫어 빈 공간이 겹치도록 했습니다. 관람자는 한 단색 표면 너머 다른 표면을, 그리고 또 다른 표면을 볼 수 있습니다. 빛과 그림자가 시각적 깊이를 더하고, 층 사이 공간이 실제 깊이를 만듭니다.

Paolo Scheggi - 주황색 곡면 내부 표면, 1969년. 세 겹으로 겹친 캔버스 위에 주황색 아크릴. 120 × 120 × 6.5 cm. 프랑카와 코시마 Scheggi 소장, 밀라노.

다음은 “Intersurfaces”(내부 표면)라 불리는 작품군의 예입니다. 이 작품들도 겹쳐진 캔버스로 구성되지만, 표면에서 동일한 모양을 잘라내는 대신 서로 다른 모양을 제거했습니다. 그 결과 빈 공간에 예상치 못한 기하학적 및 생물 형태의 무늬가 나타나 눈에 보이지 않는 구조와 눈으로 볼 수 없는 숨겨진 공간의 연속성을 암시합니다. “Intersurfaces”는 공허함을 작품의 주제로 삼으며, 시각적 숨은 뜻을 제안하여 관람자가 “선 사이를 읽는” 참여를 문자 그대로 초대합니다. 참여는 Scheggi 경력 전체에서 중요한 요소로, 그는 관람자가 단순히 수동적으로 보는 대신 적극적으로 예술에 관여해야 한다고 믿었습니다. 이러한 생각은 이탈리아의 운동 예술 운동인 Arte Programmata와 연결되는데, 이 운동은 이탈리아 철학자 움베르토 에코가 “더 이상 고정된 것이 아니라, 우리가 보는 동안 생성되는 것”이라고 묘사한 새로운 유형의 작품을 창조하는 데 헌신했습니다.

Paolo Scheggi - ‘플라스틱 내부실’ 모형, 1966년. 노란색으로 칠한 곡선형 천공 목재 판. 52.5 × 86 × 66 cm. 프랑카와 코시마 Scheggi 소장, 밀라노.

깊다는 것은 얼마나 깊은가?

이 전시 제목에 담긴 또 다른 재치는 ‘깊이’라는 단어가 내포하는 의미의 풍부함입니다. 깊이란 무엇일까요? 우리는 어떻게 깊이를 찾을 수 있을까요? 실질적으로 우리는 항상 물리적 공간의 깊이에 존재하며, 결코 어떤 것의 표면에만 머무르지 않습니다. 그러나 우리는 항상 공간을 바라보고, 그 깊이로 나아가는 유일한 방법은 움직임이라는 느낌을 받습니다. Scheggi는 움직임이 깊이의 핵심임을 알고, 관람자가 움직임을 통해 작품에 참여할 때 더 큰 보상을 받을 수 있도록 시각적 개념을 계속 다듬었습니다. 그는 상단 표면에 원형 구멍이 격자 형태로 배열된 겹쳐진 작품 시리즈를 만들었습니다. 이 작품들은 변화하는 조명 조건과 관람자의 움직임을 활용해 변하는 장면 속에서 상징적인 기하학적 이미지의 진화하는 네트워크를 만들어냅니다. 우리는 물리적으로 이 깊이 속으로 들어갈 수 없지만, 들여다보고 그들이 암시하는 더 깊은 의미를 상상할 수 있습니다.

Paolo Scheggi - 내부-에나-큐브, 1968년. 천공된 녹색 판지와 플렉시글라스 모듈. 102 x 102 x 11 cm. 프랑카와 코시마 Scheggi 소장, 밀라노.

그러나 이 전시가 분명히 보여주듯, Scheggi가 더 오래 살았다면 관람자가 실제로 들어갈 수 있는 작품을 더 많이 만들고 싶었을 것입니다. 이는 이 전시에서 잘 기록된 그의 연극 작품과 의상 창작에서 분명히 드러납니다. 특히 1966년의 “플라스틱 내부실” 모형에서 두드러지는데, 이는 3년 전 브리짓 라일리가 만든 “연속체”와 유사한 환경 설치 작품으로, 관람자가 작품의 공간 내부로 들어가 시각적, 물리적 깊이의 일부가 될 수 있게 합니다. 분명히 그의 세대 예술가들처럼 Scheggi도 인간 경험의 말로 다할 수 없는 깊이를 인식하고, 그것을 탐구할 단순하고 흥미로운 방법을 찾고자 했습니다. 그는 폰타나, 라일리, 그리고 그에게 영감을 준 다른 예술가들만큼 다작하지는 않았지만, 그의 작품은 신선하고 겸손하며 무한히 즐거운 방식으로 우리의 인식의 깊이를 확장합니다. Paolo Scheggi: In Depth 전시는 2019년 7월 3일부터 9월 15일까지 열립니다.

대표 이미지: Paolo Scheggi - 곡면 내부 표면, 1965년. 세 겹으로 겹친 캔버스 위에 빨간색 아크릴. 100 x 100 x 6 cm. 프랑카와 코시마 Scheggi 소장, 밀라노.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다.
글쓴이 Phillip Barcio