캔버스 자르기 - 루치오 폰타나의 이야기

추상 미술은 질문을 만들어내고, 답변을 제공하지 않는다. 따라서 공격을 초대한다. 모든 사람이 질문을 좋아하는 것은 아니다. 사람들은 종종 미술에서 오직 편안함과 아름다움만을 원한다. 그러나 많은 추상 예술가들은 장식가-위로자가 아니라 철학자-과학자들이다: 우주를 경험하고 해석하려는 사람들, 단순히 그것을 꾸미려는 것이 아니다. 루치오 폰타나는 그런 예술가 중 한 명이었다. 스파지알리즘 또는 공간주의라는 혁신적인 기법의 창시자인 폰타나는 공간의 신비로운 특성에 맞서는 예술을 만드는 실용적인 방법에 깊은 관심을 가졌다. 그는 형태가 공간을 어떻게 차지하는지, 어떻게 공간을 포함할 수 있는지, 그리고 질량을 제거함으로써 어떻게 공간이 창조될 수 있는지에 대해 호기심을 가졌다. 그는 특히 형태의 구멍이 어떻게 공간의 경험을 확장할 수 있는 공허를 만들어낼 수 있는지에 매료되었다. 그러나 스파지알리즘은 이러한 학문적 질문에만 국한되지 않았다. 폰타나는 1967년에 인간이 로켓을 타고 우주로 여행하는 것이 일상이 된 사실을 언급하며 이렇게 말했다. “이제 우주에는 더 이상 어떤 측정도 없다. 이제 무한을 본다…여기 공허가 있다, 인간은 아무것도 아닌 존재로 축소된다…그리고 나의 예술도 이 순수함, 이 아무것도 아닌 것의 철학에 기반하고 있다. 그것은 파괴적인 아무것도 아닌 것이 아니라, 창조적인 아무것도 아니다.”

루치오 폰타나와 다학제 예술

루치오 폰타나가 주로 화가로 언급되는 것은 역사적인 오류이다. 그는 조각가로 훈련받았다. 그는 1899년 아르헨티나에서 조각을 하는 아버지에게 태어나 아버지에게 그의 기술의 기초를 처음 배웠다. 아버지와 수십 년 동안 함께 일한 후, 루치오는 1927년 밀라노로 이주하여 브레라 아카데미에서 조각 학생으로 등록했다. 그는 31세에 밀라노 갤러리에서 첫 조각 전시회를 가졌다. 자신을 추상 조각가라고 언급하며, 그는 1935년에 아티스트 협회인 아브스트랙션-크리에이션에 가입했고, 1940년대에는 아르헨티나로 돌아가 조각을 가르치고 3차원 작품을 계속 만들었다.

사실, 폰타나는 1948년까지 거의 전적으로 조각 매체에서 작업했습니다. 그리고 그가 그림을 닮은 물체를 만들기 시작했을 때조차도, 그는 그것이 그림이 아니라 "조각에서의 새로운 것."이라고 주장했습니다. 하지만 그럼에도 불구하고, 우리가 폰타나의 예술가로서의 진정한 의도에 충실하다면 그를 조각가라고 부르지 않을 것입니다. 우리는 그를 단순히 예술가라고 부를 것이며, 어쩌면 공간의 탐험가라고 부를 것입니다.

루치오 폰타나 - 거울에 비친 형상. 세라믹. 24.5 x 15 x 13 cm. © 루치오 폰타나

화이트 선언문

1946년, 폰타나는 조각과 회화의 정의가 더 이상 그의 작업의 이론적 성격을 수용하기에 충분하지 않다는 결정을 내렸다. 그는 자신이 백서라고 부르는 문서의 작성에 참여한 예술가와 학생들로 구성된 그룹을 이끌었다. 이는 폰타나가 예술에 대한 새로운 접근의 필요성을 다루기를 희망하며 작성한 여러 문서 중 첫 번째였다. 백서는 예술이 당대의 다른 지적 추구와 일치해야 할 필요성에 주목했다. 그것은 최근의 과학적 및 철학적 발전이 합성의 아이디어에 초점을 맞추고 있으며, 서로 다른 아이디어가 결합되어 통합된 관점을 형성해야 한다고 지적했다.

폰타나는 예술 창작에 대한 유사한 "합성적" 접근 방식을 주장했으며, 이는 그가 "전통적인 '정적' 예술 형식"이라고 부른 것들을 종합하여 "시간과 공간을 통한 동적 원리의 움직임을 포함하는" 완전한 미적 표현 방법을 창조하는 것이었다. 화이트 매니페스토에서 표현된 아이디어와 함께, 폰타나는 본질적으로 다학제 예술을 발명했다: 예술가는 특정 아이디어에 가장 적합한 방법을 사용하여 모든 매체에서 작업할 수 있어야 한다는 관점.

루치오 폰타나 - 공간 환경, 조명. © 루치오 폰타나

우주에서의 모험

그의 경력 초기에, 폰타나는 그의 추상 조형 형태를 시끄럽고 무작위로 보이는 색상으로 칠한 것에 대해 비판을 받았다. 그는 색상을 사용하여 작품과 주변 환경을 연결하고, 객체와 관객 사이의 공간을 연결하려고 했다고 응답했다. 그는 경력 내내 이 문제를 계속 다루었다. 그는 공간 자체가 형태로 나타나고 그의 예술의 주제가 되기를 원했다. 그러나 그는 그것이 어떻게 이루어질 수 있을지 확신할 수 없었다. 그가 한 번 그의 일기에 쓴 것처럼, “어떤 형태도 공간적이지 않다.”

루치오 폰타나 - 공간 개념, 1949. © 루치오 폰타나

하지만 1949년, 폰타나는 그의 목표에 더 가까워지게 하는 돌파구를 경험했다. 첫 번째는 공간 환경이라는 작품으로 나타났다. 이 혁신적인 노력에서 폰타나는 방을 어둡게 하고, 천장에서 네온 색으로 칠해진 추상적인 종이 마셰 형태를 걸어두었으며, 이 형태는 자외선 빛을 받을 때 빛났다. 그는 전시 공간을 예술 작품의 일부로 변형시켜, 설치 미술과 빛과 공간 운동보다 10년 이상 앞선 작품을 창조했지만, 그들의 많은 개념을 구현했다. 그러나 작품의 주제는 여전히 공간이 아니었고, 관람자의 경험에 대한 초점은 빛나는 조각 형태에 있었다.

루치오 폰타나 - 공간 개념, 1950. 아크릴화. 69.5 x 99.5 cm. © 루치오 폰타나

공간 개념

폰타나의 다음 돌파구는 그의 작업을 완전히 반대 방향으로 이끌었다. 그는 전체 방을 빈 공간으로 변형한 다음 그 공간에 물체를 채우는 대신, 물체를 하나 가져와 그것을 공간으로 들어가는 입구로 사용하기로 결정했다. 그는 전통적인 그림을 만들기 위해 스트레처 바에 캔버스를 늘어뜨린 다음, 나이프를 사용해 캔버스에 구멍을 뚫고 단색의 페인트 층을 적용했다.

루치오 폰타나 - 콘셉토 스파치알레 (56 P 8), 1956, 유리 구슬과 돌이 추가됨. © 루치오 폰타나

비록 기술적으로는 그림이지만, 구멍들은 캔버스 뒤의 공간에 접근할 수 있는 형태의 공백으로 작용했다. 이 간단한 제스처는 그림을 조각으로 변모시켰다. 그러나 이것 자체로도 혁신적이었고, 다학제 예술에 대한 그의 아이디어를 보여주었지만, 그는 여전히 이것이 공간에서 형태를 창조하지 못한다고 느꼈다. 그래서 폰타나는 일반적인 생각의 다양한 표현을 실험했다. 그는 구멍을 뚫어 원, 삼각형 및 표면에 다른 형태를 만들었다. 그는 또한 일부 캔버스에 돌, 유리 및 크리스탈을 추가하여 표면을 공간으로 확장시키면서 그 너머의 공간을 열었다.

루치오 폰타나 - 공간 개념 – 대기, 1965. © 루치오 폰타나

단일 슬래시

1950년대에 폰타나(Fontana)는 계시를 받았다. 그는 자신의 캔버스를 자르기 시작했으며, 이를 타글리(Tagli) 또는 컷(cuts)이라고 불렀다. 그는 이 아이디어를 점차 발전시켜 1959년에는 표현의 궁극적인 형태라고 여기는 것에 도달했다: 다른 모든 것이 단색(monochromatic)인 캔버스를 가로지르는 단일 슬래시. 그는 이 제스처로 공간에서 형태를 창조하는 목표를 달성했으며, 1968년에 "내 발견은 구멍이고 그게 전부다. 나는 이런 발견을 하고 나서 무덤에 가는 것이 행복하다"라고 말했다.

폰타나(Fontana)는 그의 모든 잘라낸 객체에 같은 이름을 붙였다: Concetto Spaziale, 즉 공간 개념(Space Concept). 그는 긴 긋기(슬래시)의 단순함과 우아함을 발견했을 때, 그 그림에 attesa라는 추가 부제를 붙였다. 이탈리아어로 attesa는 기다림 또는 희망적인 기대를 의미한다. 분명히, 폰타나는 사람들이 공간을 어떻게 인식하고 개념화하는지에만 관심이 있었던 것이 아니다. 그는 사람들이 자신을 어떻게 인식하고 개념화하는지에도 관심이 있었다. 공백을 사용함으로써 그는 단순히 공간에서 형태를 드러낸 것이 아니라, 또한 다른 무언가, 추상적이면서도 구체적인 무언가를 드러냈다: 예술 작품 너머에 있는 희망적인 기대.

특집 이미지: 루치오 폰타나 - 코리다, 1948. 도자기 회화. © 루치오 폰타나
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio