빅토르 바자렐리의 형태의 조형전, 퐁피두 센터, 파리

50년 만에 처음으로, 프랑스의 한 박물관에서 빅터 바사렐리의 대규모 회고전이 열리고 있습니다. 퐁피두 센터는 지난 2월 바사렐리: 형태의 공유 전시를 개막하며, 20세기 모더니즘 거장 중 한 명의 완전한 미적 진화를 기록하는 300점 이상의 작품과 자료를 한자리에 모았습니다. 이 전시는 바사렐리를 위대한 예술가일 뿐만 아니라 예술과 일상 사이에 경계가 없다고 믿었던 위대한 이상주의자로 확고히 자리매김합니다. 1907년 오스트리아-헝가리 페치에서 태어난 바사렐리는 1918년 부다페스트의 바우하우스 버전인 뮤헬리(작업장) 학교에 입학했습니다. 이 학교는 예술가이자 그래픽 디자이너인 산도르 보르트니크가 운영했습니다. 보르트니크와 2년간 공부한 후, 바사렐리는 파리로 이주해 그래픽 디자이너로서 경력을 시작했습니다. 그의 야망은 모더니즘의 시각적 교훈을 대중 매체 세계에 적용하는 것이었습니다. 그의 초기 대표작 중 하나인 “제브라”(1937)는 예술과 디자인이라는 겉으로는 분리된 분야가 하나로 융합되는 경계 공간을 구현합니다. 흑백의 선형 구도는 두 마리 얼룩말이 얽혀 있는 모습을 보여주는데, 싸움일 수도, 사랑일 수도 있습니다. 이 이미지는 평면을 역동적이고 입체적인 공간으로 변형하는 그의 원근법 장인임을 능숙하게 드러냅니다. 그러나 오늘날까지도 비평가들은 이 작품과 그의 초기 작품들이 예술인지 디자인인지 분류하는 데 어려움을 겪고 있습니다. 사실, 프랑스에서 그의 작품을 대규모로 조명한 마지막 전시는 1963년, 그가 겨우 57세였을 때 장식미술박물관에서 열렸는데, 이곳은 순수미술관이 아니라 장식미술과 디자인 박물관이었습니다. 그러나 불과 2년 후, 바사렐리는 오프 아트 운동의 주요 작가들을 확립한 모마의 기념비적 전시 반응하는 눈에 포함되었습니다. 바사렐리: 형태의 공유 전시는 그의 모든 작업 양상을 보편적인 방식으로 아우릅니다. 정의를 강요하기보다는 그의 비전의 복잡성과 미묘함을 존중하며, 바사렐리 이야기를 크게 확장하는 전시입니다.

영원한 개혁자

바사렐리가 그래픽 디자이너로 경력을 시작했을 때, 그는 광고를 가장 널리 퍼진 시각 문화 형태로 여겨, 이를 입체파, 데 스틸, 절대주의 등 초기 모더니즘 시각 언어에 맞게 변형하려 했습니다. 그러나 제2차 세계대전 이후, 그는 초점을 바꾸어 예술을 통해 디자인을 개혁하기보다는 현실 세계에서 예술을 변형할 단서를 찾기로 했습니다. 그는 건축 구조물부터 자연 형태에 드리운 빛과 그림자의 무늬, 결정체 표면까지 시각적 풍경의 모든 것을 주목했습니다. 그는 기하학적 추상의 원리가 자연과 인공 세계의 원리와 공존하는 미적 공간이 있음을 깨달았습니다. “키루나”(1952) 같은 작품은 그가 시각 세계를 원과 사각형 같은 가장 기본적인 구성 요소와 가장 단순한 색상 팔레트로 분해했음을 보여줍니다.

빅터 바사렐리 - Re.Na II A, 1968. 2019년 파리 퐁피두 센터 설치 전경. 사진 제공 IdeelArt.

자신만의 독특한 시각 언어를 발전시키기 시작했음에도 바사렐리는 늘 개혁자였습니다. 그는 자신의 기하학적 구성이 아직 완성되지 않았다고 느꼈습니다. 그것들은 한 가지 요소, 즉 움직임의 표현이 더 필요했습니다. 그러나 알렉산더 칼더의 모빌 같은 실제 움직이는 예술을 만드는 대신, 바사렐리는 뇌가 움직임을 어떻게 인식하는지에 관심을 가졌습니다. 그는 물 표면의 파도나 태양열 속에서 공간이 왜곡되고 고체가 유동적으로 보이는 착시를 관찰했습니다. 그는 이 생각을 자신의 구성에 적용해 기하학적 구성에 파도 무늬를 도입하고 작품 표면을 왜곡하는 듯한 효과를 냈습니다. “Re.Na II A”(1968) 같은 그림에서는 표면이 밖으로 부풀어 오른 것처럼 보입니다. 다른 그림에서는 표면이 무너지는 듯합니다. 가장 놀라운 점은 눈이 이 파도 무늬를 인식하는 순간 이미지가 변하는 듯해 입체 공간의 착시와 움직임의 인상을 동시에 준다는 것입니다.

빅터 바사렐리 - Zante, 1949. 2019년 파리 퐁피두 센터 설치 전경. 사진 제공 IdeelArt.

보편적인 시각 언어

바사렐리 유산의 가장 이상주의적인 측면 중 하나는 “플라스틱 단위”의 창조였습니다. 이는 무한한 시각 구성을 만들 수 있는 기본 시각 도구입니다. 바사렐리 플라스틱 단위는 한 가지 색의 기하학적 형태 안에 다른 색의 또 다른 기하학적 형태가 포함된 것으로, 예를 들어 파란색 사각형 안에 빨간색 원이 있거나 그 반대입니다. 현대적 관점에서 플라스틱 단위는 픽셀과 같습니다. 바사렐리는 플라스틱 단위를 다양한 기하학적 조합으로 결합하고 선과 색을 사용해 구성에 파동을 도입했습니다. 이 단순한 시각 언어는 누구나 쉽게 복제할 수 있어 진정으로 민주적이었습니다. 이 스타일의 보편성은 바사렐리로 하여금 자신이 만든 것을 어떻게 일상 시민의 삶에 긍정적으로 활용할지 다시금 고민하게 했습니다.

빅터 바사렐리 - Forme 1009 décor 5110, 약 1973년. 23/50 판본. Forme 1008 décor 5105, 약 1973년. 75판본. Forme 1008 décor 5104, 약 1973년. 17/75 판본. Forme 1009 décor 5108, 약 1973년. 22/50 판본. Forme 1007 décor 5101, 약 1973년. 27/100 판본. Forme 1008 décor 5106, 약 1973년. 61/75 판본. Forme 1010 décor 5112, 약 1973년. 31/100 판본. Forme 1007 décor 5100, 약 1973년. 6/100 판본. 2019년 파리 퐁피두 센터 설치 전경. 사진 제공 IdeelArt.

바사렐리: 형태의 공유 전시는 바사렐리가 자신의 예술을 공공 공간에 도입하기 위해 고안한 다양한 전략을 아름답게 보여줍니다. 그는 수많은 벽화, 포스터, 그리고 로젠탈을 위해 디자인한 21피스 커피 및 디저트 세트 같은 산업 디자인도 제작했습니다. 르노와 영화 박물관 등 여러 기업의 로고도 만들었습니다. 그리고 공공 공간에서 모든 종류의 예술을 창조하는 데 헌신했습니다. 그는 자신이 ‘행복의 다색 도시’라고 부른 곳을 상상했는데, 그곳에서 그의 생기 넘치고 다채로운 기하학적 공공 작품들이 ‘우울하고 회색빛 교외’를 활기차게 만들 것이라 믿었습니다. 이 전시를 통해 우리는 모든 시각 문화 형태에 공통된 가소성(유연성)을 봅니다. 바사렐리는 이것이 물론 순수미술의 필수 요소임을 보여주었지만, 도시를 이루는 돌과 자연에 드리운 빛과 색조에도 필수적임을 깨달았습니다. 예술, 디자인, 패션, 영화, 건축, 심지어 광고 분야 간의 인위적 구분은 시각 문화를 이렇게 볼 때 사라집니다. 이것이 바사렐리가 가르친 교훈입니다: 예술은 어디에나 있다는 것. 바사렐리: 형태의 공유 전시는 2019년 5월 6일까지 퐁피두 센터에서 열립니다.

대표 이미지: 빅터 바사렐리 - Alom, 1968. 2019년 파리 퐁피두 센터 설치 전경. 사진 제공 IdeelArt.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다.
글쓴이 Phillip Barcio