빅토르 바자렐리의 형태의 조형전, 퐁피두 센터, 파리

50년 이상 만에 프랑스 박물관에서 주요 빅토르 바자렐리 회고전이 열리고 있습니다. 센터 포음피두는 지난 2월 바자렐리: 형태의 공유 전시를 열어 300점 이상의 작품과 에페메라를 포함한 물품을 모아 20세기 모더니즘의 거장 중 한 명의 완전한 미적 진화를 기록하고 있습니다. 이 전시는 바자렐리를 위대한 예술가이자 위대한 이상주의자로 확고히 자리매김하며, 예술과 일상 생활 사이에 경계가 없다고 믿었던 사람으로서의 그의 입장을 보여줍니다. 1907년 오스트리아-헝가리의 펙스에서 태어난 바자렐리는 1918년 부다페스트의 바우하우스 지역 학교인 Műhely(작업실) 학교에 등록했습니다. 이 학교는 예술가이자 그래픽 디자이너인 샨도르 보르트니크가 운영했습니다. 보르트니크와 2년 동안 공부한 후 바자렐리는 파리로 이주하여 그래픽 디자이너로서의 경력을 시작했습니다. 그의 야망은 모더니즘의 시각적 교훈을 대중 커뮤니케이션의 세계에 적용하는 것이었습니다. 그의 가장 유명한 초기 작품 중 하나인 “제브라”(1937)는 예술과 디자인이라는 겉보기에는 분리된 두 분야가 하나로 합쳐지는 경계 공간을 구현합니다. 흑백의 선형 구성은 두 마리의 얼룩말이 얽혀 있는 모습을 보여주며, 이는 전투 중일 수도 있고 사랑 중일 수도 있습니다. 이 이미지는 바자렐리가 평면을 운동적이고 3차원적인 공간으로 변형하는 능력을 보여줌으로써 그를 원근법의 대가로 선언합니다. 그러나 오늘날까지도 비평가들은 그의 이 초기 작품과 다른 작품들이 예술로 분류되어야 하는지 디자인으로 분류되어야 하는지에 대한 질문에 어려움을 겪고 있습니다. 사실, 그의 작품에 대한 주요 전시가 프랑스에서 열린 것은 1963년이 마지막이었으며, 그 당시 바자렐리는 겨우 57세였습니다. 그 전시는 Musée des Arts Décoratifs에서 열렸으며, 이는 미술관이 아닌 장식 예술 및 디자인 박물관이었습니다. 그러나 불과 2년 후, 바자렐리는 오프 아트 운동의 주요 예술가들을 확립한 현대 미술관의 기념비적인 전시인 The Responsive Eye에 포함되었습니다. 바자렐리: 형태의 공유 전시는 그의 작업의 모든 측면을 보편적인 방식으로 모읍니다. 이 전시는 정의를 강요하기보다는 그의 비전의 복잡성과 뉘앙스를 존중하며, 바자렐리 이야기를 확장하는 데 필요한 많은 것을 제공합니다.

영원한 개혁자

바사렐리가 그래픽 디자이너로서 경력을 시작했을 때, 그는 광고가 가장 보편적인 시각 문화의 형태라고 생각했기 때문에, 이를 입체파, 데 스틸, 수프레마티즘 및 기타 초기 모더니즘 입장에 맞게 변형하기로 결심했습니다. 그러나 제2차 세계 대전 이후, 그는 초점을 바꾸고 디자인을 개혁하기 위해 예술을 사용하는 대신, 예술을 변형하는 방법에 대한 단서를 찾기 위해 실제 세계를 바라보기로 결정했습니다. 그는 건축 구조에서부터 자연 형태에 떨어지는 그림자와 빛의 패턴, 결정의 표면에 이르기까지 자신의 시각적 풍경에서 모든 것을 주목했습니다. 그는 기하학적 추상의 원칙이 자연 세계와 인공 세계의 원칙과 공존하는 미적 공간이 존재한다는 것을 깨달았습니다. "키루나"(1952)와 같은 작품은 그가 시각 세계를 원과 사각형과 같은 가장 기본적인 구성 요소와 가능한 가장 단순한 색상 팔레트로 분해하는 방법을 보여줍니다.

빅토르 바사렐리 - Re.Na II A, 1968. 2019년 파리 퐁피두 센터에서의 설치 전시 모습. 사진 제공 IdeelArt.

그가 자신의 진정으로 독특한 시각 언어를 개발하기 시작했을 때에도, 바사렐리는 항상 개혁가로 남아 있었다. 그는 자신의 기하학적 구성물이 아직 완전하지 않다는 것을 인식했다. 그들은 하나의 추가적인 측면, 즉 움직임의 외관이 필요했다. 그러나 알렉산더 칼더의 모빌과 같은 실제 운동 예술을 창조하기보다는, 바사렐리는 뇌가 움직임을 어떻게 인식하는지에 관심이 있었다. 그는 물의 표면이나 태양의 열에서 파동이 공간이 왜곡되고 고체 물체가 유동적으로 보이게 하는 환상을 만들어내는 방식을 관찰했다. 그는 이러한 사고를 자신의 구성에 적용하여 기하학적 구성에 파동 패턴을 도입하고, 작품의 표면을 일그러지게 보이게 했다. "Re.Na II A"(1968)와 같은 그림에서는 표면이 바깥쪽으로 부풀어 오르는 것처럼 보인다. 다른 그림에서는 표면이 무너지는 것처럼 보인다. 가장 놀라운 것은, 눈이 이러한 파동 패턴에서 보고 있는 것에 주목하자마자, 이미지가 이동하는 것처럼 보이며, 삼차원 공간의 환상과 움직임의 인상을 동시에 준다는 것이다.

빅토르 바자렐리 - 잔테, 1949. 2019년 파리 퐁피두 센터에서의 설치 전시 모습. 사진 제공 IdeelArt.

보편적인 시각 언어

바사렐리 유산의 가장 이상적인 측면 중 하나는 "플라스틱 유닛"의 창조였다: 무한한 시각적 구성을 만들기 위해 조정할 수 있는 기본적인 시각적 도구. 바사렐리의 플라스틱 유닛은 하나의 색상으로 된 하나의 기하학적 형태가 그 안에 다른 색상의 두 번째, 다른 기하학적 형태를 포함하는 것으로 구성된다. 예를 들어, 파란색 정사각형이 빨간색 원을 둘러싸고 있거나 그 반대의 경우이다. 현대적인 용어로, 플라스틱 유닛은 픽셀과 같다. 바사렐리는 다양한 기하학적 조합으로 플라스틱 유닛을 결합한 다음 선과 색상을 사용하여 구성에 파동을 도입했다. 이 간단한 시각적 언어는 누구나 쉽게 복사할 수 있었기 때문에 진정으로 민주적이었다. 이 스타일의 보편성은 바사렐리에게 그가 창조한 것을 사용하여 시민들의 일상 생활에 긍정적인 영향을 미칠 수 있는 방법에 대해 다시 한 번 고민하게 만들었다.

빅토르 바사렐리 - 형태 1009 장식 5110, 약 1973년. 에디션 23/50. 형태 1008 장식 5105, 약 1973년. 에디션 75. 형태 1008 장식 5104, 약 1973년. 에디션 17/75. 형태 1009 장식 5108, 약 1973년. 에디션 22/50. 형태 1007 장식 5101, 약 1973년. 에디션 27/100. 형태 1008 장식 5106, 약 1973년. 에디션 61/75. 형태 1010 장식 5112, 약 1973년. 에디션 31/100. 형태 1007 장식 5100, 약 1973년. 에디션 6/100. 설치 전경, 퐁피두 센터, 파리, 2019. 사진 제공 IdeelArt.

바사렐리: 형태의 공유가 아름답게 보여주듯, 바사렐리는 그의 예술을 공공 공간으로 가져오기 위한 수많은 전략을 구상했습니다. 그는 벽화, 포스터, 그리고 로젠탈을 위해 디자인한 21피스 커피 및 디저트 세트와 같은 산업 디자인을 포함하여 수많은 작품을 만들었습니다. 그는 르노와 영화 박물관 등 여러 기업을 위한 로고도 제작했습니다. 그리고 그는 공공 공간에서 모든 종류의 예술을 창조하는 데 헌신했습니다. 그는 그의 생동감 넘치고 다채로운 기하학적 공공 작품들이 "우울하고 회색의 교외"에 생명을 불어넣는 "행복의 다채로운 도시"를 구상했습니다. 이 전시를 통해 우리는 플라스틱성이 모든 시각 문화의 공통점임을 알 수 있습니다. 바사렐리는 이것이 물론 미술의 필수적인 부분임을 보여주었습니다. 그러나 그는 또한 플라스틱성을 도시를 건설하는 데 사용되는 돌의 본질적인 부분이자 자연에 떨어지는 색과 빛의 음영에서도 필수적이라고 보았습니다. 예술, 디자인, 패션, 영화, 건축, 심지어 광고의 분야 간의 인위적인 경계는 우리가 시각 문화를 이렇게 볼 때 사라집니다. 이것이 바사렐리가 가르친 교훈입니다: 예술은 어디에나 존재한다는 것입니다. 바사렐리: 형태의 공유는 2019년 5월 6일까지 퐁피두 센터에서 전시됩니다.

특집 이미지: 빅토르 바자렐리 - 알롬, 1968. 2019년 파리 퐁피두 센터 전시 모습. 사진 제공 IdeelArt.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해