장 르 모알의 예술을 살펴보다

장 르 모알은 1930년대 후반 파리에서 화가로서 성년이 되었으며, 유럽이 문화적 정점에 도달하면서도 혼란 속으로 빠져들고 있던 시기였습니다. 그의 경력 전체는 이러한 이분법의 메아리를 표현했습니다. 그의 예술은 구조에 대한 증거이자 무질서에 대한 수용입니다. 그의 초기 작품조차도 르 모알을 뛰어난 색채가이자 전문가적인 드로잉가로 정의했습니다. 그러나 그의 초기 작업은 생동감 있고 에너지가 넘쳤지만, 그리 독창적이지는 않았습니다. 그는 루브르에서 현대 거장들을 모방함으로써 대부분의 아이디어를 얻었고, 그래서 그의 미성숙한 스타일은 기본적으로 야수파 색채, 입체파 구조, 초현실주의 주제를 혼합한 것이었습니다. 그러나 르 모알은 열정적이고 용감했으며, 언젠가는 자신의 독특한 목소리를 발견하겠다고 결심했습니다. 그는 그 목소리가 현대주의와 추상주의의 경로를 통해 자신에게 올 것이라고 믿었습니다. 새로운 것과 실험에 대한 그의 열정은 그를 프랑스 아방가르드와 함께하게 했고, 그때 나치가 유럽을 점령하며 그들이 "퇴폐 미술"이라고 부르는 것을 비난하고 있었습니다. 르 모알은 이러한 검열에 맞서 싸운 많은 프랑스 예술가 중 한 명이었습니다. 나치 점령 기간 동안 그는 '살롱 드 메이'(Salon de Mai)의 창립 멤버가 되었습니다. 르 모알 외에도 이 영향력 있는 집단에는 미술 비평가 가스통 디엘과 앙리-조르주 아담, 로베르 쿠투리, 자크 데스피에르, 프란시스 그루버, 알프레드 마네시에르, 귀스타브 생지에르와 같은 예술가들이 포함되었습니다. 살롱 드 메이는 카페에서 결성되었고, 카페의 좌석에서 이 그룹은 몇 년에 걸쳐 점령자들에게 직접 도전하는 일련의 전시회를 조직했습니다. 살롱 드 메이는 어두운 시기에 빛의 등대가 되었고, 프랑스 예술이 전쟁을 넘어 지속될 수 있도록 도왔습니다. 르 모알과 그의 동료들이 예술에 대한 믿음을 종교의 수준으로 끌어올렸다고 말하는 것은 지나치게 과장일 수 있습니다. 그러나 전쟁이 끝난 후, 르 모알은 실제로 예술이 뚜렷한 영적 영역에 존재한다는 생각에 매우 헌신하게 되었습니다. 초월적인 시각적 목소리를 창조하려는 시도로 그는 추상에 완전히 헌신하였고, 마침내 색채와 빛의 신비로운 힘을 전달하는 데 성공했습니다.

건축적 영향

르 모알은 1909년 오톤 드 페르슈에서 태어났습니다. 그의 아버지는 토목 엔지니어로, 젊은 시절 르 모알이 공학과 건축 분야에 종사하도록 격려했습니다. 르 모알은 학교에서 조각가로 공부하며 저부조를 전문으로 했습니다. 17세에 그는 리옹의 미술학교에 건축학 학생으로 등록했습니다. 그가 처음으로 캔버스를 그리기까지는 또 두 해가 더 걸렸습니다. 그 첫 번째 그림들은 자연에서 영감을 받은 인물 작품이었습니다. 그리고 1930년대 중반, 르 모알이 초현실주의와 입체파와 같은 모더니즘 스타일을 탐구하기 시작했을 때, 그의 그림들은 건축적 영향을 보여주었습니다. "앉아 있는 인물"(1936)과 "플로라"(1938)와 같은 작품들은 구조와 전통적인 계산적 조화에 대한 강한 매력을 드러냅니다. 그의 예술에서 공간을 다루는 능력은 그가 1939년 뉴욕 국제 전시회에서 프랑스관 천장에 프레스코화를 그리도록 선택되었을 때 예술가로서의 첫 번째 돌파구 중 하나로 이어졌습니다.

장 르 모알 - 바르크 1947. 캔버스에 유화. 81 x 117 cm. 개인 소장, 스위스. © 모든 권리 보유 / ADAGP, 파리, 2018.

1940년대에 Le Moal은 구상에서 벗어날 용기를 찾았지만, 여전히 선 구조에 집착하고 있었습니다. 그의 초기 추상 작품에서는 색상과 선의 요소를 분리하여 Piet Mondrian과 Theo van Doesburg와 같은 예술가들의 작품을 닮은 방식으로 작업했습니다. 1950년대에 이르러서야 Le Moal은 구조에서 완전히 벗어나 보다 서정적인 스타일을 수용함으로써 자신만의 방법을 찾았습니다. "Spring"(1957)과 "Flora"(1960)와 같은 그림은 Tachisme의 훌륭한 예시이며, Le Moal이 영적 영역에서 이루고 있던 발전을 암시하기도 합니다. 그는 이러한 그림을 만들기 위해 사물을 가두어야 한다는 필요에서 벗어났다고 말했습니다. 아이러니하게도, 1956년, 이러한 획기적인 작품을 그리는 동시에 그는 교회를 위한 스테인드 글라스 창문을 만드는 새로운 경력을 시작하며 건축에 대한 관심으로 다시 돌아가고 있었습니다.

장 르 모알 - 풍경, 농장, 1943. 유화. 24 x 35 cm. 퀴퍼 미술관. © ADAGP 파리 2018

기도로서의 예술

르 모안에게 어떤 것이 먼저였는지 말하기는 어렵다—스테인드 글라스 창문인지, 스테인드 글라스처럼 보이는 그림인지. 어쨌든 그의 스테인드 글라스 그림은 공간에 떠 있는 조각난 형태를 통해 빛나는 색의 광선이 비치는 효과를 구현하고 있다. 그의 스테인드 글라스 그림 중 가장 상징적인 예 중 하나는 “레 자르브” (1954)이다. 이 번역은 나무를 의미하며, 실제로 이 그림은 잎을 잃은 나무의 가지를 바라보는 듯한 느낌을 준다. 찬란하고 다채로운 빛이 선 사이의 공간을 채우며, 생동감 넘치는 빛나는 오렌지와 노란 형태의 바다를 만들어낸다. 아그네스 마틴처럼, 르 모알은 나무에 내재된 신성함을 보았을 것이며, 그는 “레 자르브”와 같은 그림에서 선과 색으로 그것을 포착하려고 시도했다.

장 르 모알 - 바다, 1958-1959. 유화. 1.62 x 1.14 m. 킴페르 미술관의 국립 현대 미술관 소장. © ADAGP 파리 2018

그러나 마틴과는 달리, 마틴은 노골적으로 종교적이지 않았지만, 르 모알은 자신의 신념에 대해 꽤 개방적이었다. 그는 기독교인이었고, 그의 스테인드글라스 창문은 기독교 교회에 설치되었다. 그는 또한 이 창문들이 종교인들뿐만 아니라 다른 사람들에게도 매력적일 것이라고 희망했다. 그는 사람들이 기도할 수 있는 공간을 만들고 싶어했지만, 기도하지 않는 사람들도 여전히 침묵과 평화를 찾을 수 있는 공간을 원했다. 그의 스테인드글라스 창문 작업이 르 모알에게 예술가로서 미친 영향은 특별했다. 그의 창문의 프레임은 설치된 교회의 건축에 따라 매우 구조화되어 있다. 그러나 구조물 내의 구성은 서정적이고 제스처적이며, 매우 추상적이다. 동시에 "여름의 빛"(1984-1986)과 같은 그림은 그의 성숙한 스타일이 1970년대와 80년대에 걸쳐 얼마나 느슨하고 추상적으로 변했는지를 보여준다. 그의 그림은 소용돌이치는 환각적인 색의 영역이 서로 흐르고 섞이는 타이 다이 셔츠를 닮게 되었다. 그의 생애 말기에 르 모알은 구조와 자유 사이에 존재하는 미묘한 균형을 완벽하게 동시에 표현할 수 있는 예술가로서 완전한 원을 그렸다. 그리고 빛의 미묘한 건축을 포착했다.

특집 이미지: 장 르 모알- 물고기, 1952. 리토그래프. 구성: 11 3/4 x 19 11/16" (29.9 x 50cm); 시트: 14 15/16 x 22 7/16" (38 x 57cm). 그빌드 드 라 그라뷔르. 래리 올드리치 기금. MoMA 컬렉션.
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필립 Barcio에 의해