장 르 모알의 예술을 살펴보다

장 르 모알은 1930년대 후반 파리에서 화가로 성장했으며, 그 시기는 유럽이 문화적으로 절정에 이르렀다가 혼란에 빠져들던 시기였습니다. 그의 전 생애는 이 이중성의 메아리를 표현했습니다. 그의 예술은 구조에 대한 증언이자 무질서에 대한 수용이기도 합니다. 초기 작품들조차 르 모알을 뛰어난 색채가이자 숙련된 제도사로 정의했습니다. 그러나 초기 작품들은 생생하고 활기찼지만, 독창성은 다소 부족했습니다. 그는 루브르 박물관에서 현대 거장들의 작품을 모방하며 아이디어를 얻었고, 미성숙한 스타일은 기본적으로 야수파의 색채, 입체파의 구조, 초현실주의의 주제를 혼합한 것이었습니다. 그러나 르 모알은 열정적이고 용감했으며 언젠가 자신만의 독특한 목소리를 발견할 것이라 다짐했습니다. 그는 그 목소리가 현대주의와 추상주의의 길을 통해 올 것이라 믿었습니다. 새로움과 실험에 대한 그의 열정은 그를 프랑스 전위 예술가들과 함께하게 했고, 그 시기에 나치가 유럽을 점령하며 ‘퇴폐 예술’이라 비난하던 때였습니다. 르 모알은 이 검열에 맞서 싸운 많은 프랑스 예술가 중 한 명이었습니다. 나치 점령기 동안 그는 ‘5월 살롱’(Salon de Mai)이라는 단체의 창립 멤버가 되기도 했습니다. 르 모알 외에도 이 영향력 있는 단체에는 미술 평론가 가스통 디엘, 앙리-조르주 아담, 로베르 쿠튀리에, 자크 데스피에르, 프란시스 그뤼베르, 알프레드 마네시에, 귀스타브 싱기에 등이 포함되어 있었습니다. 5월 살롱은 한 카페에서 결성되었고, 그 카페 자리에서 이들은 수년간 점령자들에게 직접 도전하는 일련의 전시회를 조직했습니다. 5월 살롱은 어두운 시기에 빛의 등대가 되었고, 전쟁 이후에도 프랑스 예술이 지속되도록 도왔습니다. 르 모알과 동료들이 예술에 대한 믿음을 종교 수준으로 끌어올렸다고 말하는 것은 과할지 모르지만, 전쟁이 끝난 후 르 모알은 예술이 뚜렷한 영적 영역에 존재한다는 생각에 매우 헌신하게 되었습니다. 초월적인 시각적 목소리를 만들기 위해 그는 완전히 추상에 몰두했고, 마침내 색채와 빛의 신비로운 힘을 전달하는 데 성공했습니다.

건축적 영향

르 모알은 1909년 오통 드 페르슈에서 태어났습니다. 그의 아버지는 토목 기사였으며, 젊은 시절 르 모알이 공학과 건축 분야를 공부하도록 격려했습니다. 르 모알은 학교에서 조각가를 공부하며 저부조를 전문으로 했습니다. 17세에 그는 리옹의 미술학교에 건축학도로 입학했습니다. 그가 처음으로 캔버스에 그림을 그린 것은 그로부터 2년 후였습니다. 초기 작품들은 자연에서 영감을 받은 구상화였습니다. 1930년대 중반, 르 모알이 초현실주의와 입체파 같은 현대주의 양식을 탐구하기 시작했을 때도 그의 그림에는 건축적 영향이 드러났습니다. “앉아 있는 인물”(1936)과 “플로라”(1938) 같은 작품들은 구조와 전통적 계산적 조화에 대한 강한 매력을 보여줍니다. 공간을 다루는 그의 이해는 1939년 뉴욕 국제 박람회 프랑스관 천장에 프레스코화를 그리도록 선정되는 등 그의 초기 돌파구 중 하나가 되었습니다.

장 르 모알 - Barques 1947년. 캔버스에 유화. 81 x 117 cm. 개인 소장, 스위스. © 모든 권리 보유 / ADAGP, 파리, 2018.

1940년대에 이르러 르 모알은 구상에서 벗어날 용기를 얻었지만, 여전히 선형 구조에 집착했습니다. 초기 추상 작품에서는 색채와 선의 요소를 분리하여 피에트 몬드리안과 테오 반 두스부르크 같은 예술가들의 작품과 유사한 모습을 보였습니다. 1950년대에 이르러서야 르 모알은 완전히 구조에서 벗어나 보다 서정적인 양식을 받아들이며 자신만의 방법을 찾았습니다. “봄”(1957)과 “플로라”(1960) 같은 작품들은 타시즘의 훌륭한 예이며, 르 모알이 영적 영역에서 진전을 이루고 있음을 암시합니다. 그는 이 그림들을 그리면서 사물을 가두려는 필요에서 벗어났다고 말했습니다. 아이러니하게도 1956년, 이 획기적인 작품들을 그리던 시기에 그는 교회용 스테인드글라스 제작이라는 새로운 경력을 시작하며 다시 건축에 대한 관심으로 돌아갔습니다.

장 르 모알 - Paysage, la ferme, 1943년. 캔버스에 유화. 24 x 35 cm. 캉페르 미술관 소장. © ADAGP 파리 2018

기도로서의 예술

르 모알에게 스테인드글라스 창문과 스테인드글라스처럼 보이는 그림 중 어느 것이 먼저였는지는 알기 어렵습니다. 어쨌든 그의 스테인드글라스 그림들은 공간에 떠 있는 부서진 형태 사이로 빛나는 색채의 광선 효과를 구현합니다. 그의 스테인드글라스 그림 중 가장 상징적인 예 중 하나는 “Les Arbes”(1954)입니다. 이 제목은 ‘나무들’을 뜻하며, 실제로 이 그림은 잎을 잃은 나무 가지의 모습을 암시합니다. 선들 사이 공간을 채우는 찬란하고 다채로운 빛은 생기 넘치고 빛나는 주황색과 노란색 형태의 바다를 만듭니다. 아그네스 마틴처럼 르 모알도 삼이라는 숫자에 내재된 신성함을 보았고, “Les Arbes” 같은 그림에서 선과 색으로 그것을 포착하려 했습니다.

장 르 모알 - L'Ocean, 1958-1959년. 캔버스에 유화. 1.62 x 1.14 m. 캉페르 미술관 국립현대미술관 소장. © ADAGP 파리 2018

그러나 마틴과 달리, 르 모알은 자신의 신앙을 숨기지 않았습니다. 그는 기독교인이었으며, 그의 스테인드글라스 창문들은 기독교 교회에 설치되었습니다. 그는 또한 이 작품들이 종교인뿐 아니라 기도하지 않는 이들에게도 침묵과 평화를 찾을 수 있는 공간을 제공하기를 바랐습니다. 스테인드글라스 창문 작업이 르 모알에게 미친 영향은 대단했습니다. 창틀은 설치된 교회의 건축에 맞게 매우 구조적이지만, 그 안의 구성은 서정적이고 제스처적이며 매우 추상적입니다. 동시에 “여름 빛”(1984-1986) 같은 작품들은 1970~80년대에 그의 성숙한 양식이 얼마나 느슨하고 추상적으로 변했는지를 보여줍니다. 그의 그림들은 나선형의 환각적인 색채가 서로 흐르고 섞이며 환상적이고 초월적인 장을 이루어 타이다이 셔츠를 연상시킵니다. 생애 말기에 르 모알은 구조와 자유 사이의 미묘한 균형을 완벽하게 동시에 표현하고, 빛의 덧없는 건축을 포착하는 예술가로서 완성에 이르렀습니다.

대표 이미지: 장 르 모알 - 물고기, 1952년. 석판화. 구성: 11 3/4 x 19 11/16인치 (29.9 x 50cm); 용지: 14 15/16 x 22 7/16인치 (38 x 57cm). 길드 드 라 그라브르. 래리 올드리치 기금. 모마 소장.
모든 이미지는 설명용으로만 사용됨
작성자 Phillip Barcio