알마 토마스가 자신을 확립하기 위해 많은 전쟁을 어떻게 싸웠는가

1972년, 80세의 나이에 알마 토마스는 휘트니 미국 미술관에서 첫 아프리카계 미국인 여성 단독 회고전을 여는 영예를 안았습니다. 그녀의 다채롭고 추상적인 작품은 당시 동시대 작가들이 하던 것과는 전혀 달랐으며, 대중에게는 신선한 충격으로 다가왔습니다. 《더 뉴요커》의 유명 미술 평론가 해럴드 로젠버그는 전시회 리뷰에서 토마스가 70년대에 기쁨을 가져다주었다고 썼습니다. 놀랍게도 토마스는 그 전시회에 작품이 소개될 때까지 전업 작가로 활동한 지 겨우 12년이었고, 그녀의 대표적인 추상화 스타일로 그림을 그린 지는 8년에 불과했습니다. 그녀는 이 놀랍고도 예상치 못한 위치에 오르기까지 많은 싸움을 벌였습니다. 인종 분리와 교육에서의 성차별이라는 사회정치적 싸움, 2차원과 3차원 미술, 구상과 추상 사이의 미학적 싸움, 교사로서 그리고 지역 사회의 적극적인 일원으로서 젊은 세대를 교육하고 이끄는 싸움, 그리고 무엇보다도 35년간 워싱턴 DC의 공립학교인 쇼 주니어 하이스쿨에서 가르친 후 은퇴할 때까지 자신의 노화하는 몸과 싸우는 싸움이었습니다. 아이러니하게도 바로 그 마지막 싸움, 즉 노화하는 몸과의 싸움이 토마스로 하여금 성숙한 미적 목소리를 발견하게 했습니다. 수십 년간 가르치면서 건축, 조각, 구상화에 손을 대었지만, 은퇴 후 추상화를 탐구하기 시작했으나 추상 기법에 편안함을 느끼기까지 어려움을 겪었습니다. 1964년, 심한 관절염을 앓은 후 그녀는 새로운 기법을 개발하기로 결심했습니다. 2층 벽돌 타운홈의 창가에 앉아 나무를 바라보며 본능적으로 본 것을 다채로운 색채의 점으로 변형시켜, 지금은 만개한 천재 알마 토마스의 스타일로 즉시 알아볼 수 있는 작품을 만들어냈습니다.

사랑을 위한 싸움

알마 토마스가 1891년 조지아주 콜럼버스, 동부 앨라배마 경계에서 태어났을 때, 그곳은 분리된 미국 남부의 중심지였습니다. 어린 시절 내내 그녀는 두 가지 현실 사이에서 갈등을 겪었습니다. 집에서는 부모님이 고전 문학을 읽고, 언어를 공부하며, 예술에 대한 지식을 추구하도록 키웠습니다. 반면, 공공장소에서는 지배적인 인종차별적인 백인 문화가 그녀를 존재할 수 있게 허락한 것은 오직 그들의 은혜 덕분이라는 태도로 대했습니다. 이 혼란스러운 이중성 속에서 토마스는 평화와 조화의 순간을 위해 싸웠습니다. 그녀는 주로 자연 속에서 그런 순간들을 찾았습니다. 그녀의 할아버지는 백인 이복형제와 함께 앨라배마에 거대한 농장을 공동 소유하고 있었습니다. 그곳을 방문할 때마다 토마스는 땅의 아름다움과 모든 배경의 사람들이 함께 일할 때 존재할 수 있는 사랑에 대해 강력한 교훈을 흡수했습니다.

알마 토마스 - 대기 효과 II, 1971년. 종이에 수채화. 22 1/8 x 30 1/4 인치 (56.2 x 76.8 cm). 스미스소니언 미국 미술관. 빈센트 멜작 기증, 1976.140.4

결국 그녀의 부모는 토마스와 형제자매들을 워싱턴 DC로 이주시켰고, 토마스는 역사적으로 흑인 대학인 하워드 대학교에 입학할 수 있었습니다. 인종 때문에 더 이상 제약을 받지 않았지만, 그녀는 또 다른 싸움, 즉 성차별과 맞서야 했습니다. 토마스는 건축을 공부하고 싶었으나 여성이라는 이유로 낙담했습니다. 가정학 수업에 등록했으나 곧 새로 생긴 미술과의 창립자인 제임스 헤링의 권유로 그의 수업에 등록했습니다. 토마스는 전공을 미술로 바꾸었고, 1924년 하워드 미술과에서 첫 졸업생이 되었습니다. 비록 처음에는 예술가나 교사의 삶을 추구하고 싶지 않았을지라도, 그녀는 그 직업에서 진정한 소명을 발견했습니다. 토마스가 세상을 떠나기 몇 달 전 워싱턴 포스트와의 인터뷰에서 엘리너 먼로에게 말했듯이, “1960년 은퇴한 후에도 저는 근처에 사는 아이들에게 시간을 바쳤습니다. 제 동네 주변은 세상의 빈민가였습니다. 일요일이면 그 아이들이 골목을 뛰어다녔습니다. 그래서 저는 그들에게 청소를 시키고 집으로 데려와 꼭두각시 인형을 만들고 연극을 했습니다.”

알마 토마스 - 노랑과 파랑, 1959년. 캔버스에 유화. 28" x 40". 마이클 로젠펠드 갤러리.

스타일을 위한 싸움

많은 여성 예술가들과 많은 색채 예술가들처럼, 토마스는 종종 예술가가 아니라 여성 예술가, 혹은 흑인 예술가로 묘사되었습니다. 그녀는 이 구분을 경멸했는데, 그것이 자신을 폄하한다고 느꼈기 때문입니다. 그녀는 분리를 벗어났고, 자신의 성취가 백인 남성 동료들과 별도로 평가되어야 한다는 어떤 암시도 거부했습니다. 토마스는 또한 자신의 개인적 정체성에 국한된 주제를 그려야 한다는 생각도 거부했습니다. 그녀는 자신의 시각에서 보편적인 것이 무엇인지 이해하고자 했습니다. 그녀는 어린 시절 할아버지가 소유한 앨라배마 농장 강가에서 다채로운 점토 샘플을 파냈던 기억을 떠올렸습니다. 타운홈 창밖의 나무를 볼 때도 그 색들이 다시 나타났고, 텔레비전에서 우주비행사들이 하늘로 여행하는 모습을 볼 때도 로켓 아래 연료 폭발 속에서 그 색들을 다시 보았습니다.

알마 토마스 - 봄의 도래를 비추는 호수, 1973년. 캔버스에 아크릴. 45 x 45 인치 (114.3 x 114.3 cm). 조셉 H. 허시혼 유산, 뉴욕과 워싱턴 D.C. 허시혼 미술관 및 조각 정원, 위에서 기증. 현재 소유자가 1996년 위에서 인수.

그녀는 어디에서나 색과 빛을 보았고, 그 어디에나 있는 아름다움에서 모든 인간에게 의미가 되는 근원을 인식했습니다. “색을 통해,” 그녀는 말했습니다, “저는 아름다움과 행복에 집중하려 했습니다.” 이 이상적인 선택은 논란이 없지 않았으며 지금도 그렇습니다. 그러나 토마스는 추상 미술의 보편적인 측면에서 인간 조건의 가장 깊은 진실이 드러날 수 있다고 굳게 믿었습니다. 그녀의 그림들이 남긴 지속적인 유산은 토마스가 옳았음을 충분히 증명합니다. 그녀가 세상을 떠난 지 40년이 넘은 지금도, 그녀의 다채로운 캔버스들은 신중하고 사려 깊으며 경험 많은 선견지명을 가진 이가 창조했음을 선언합니다. 그것들은 빛나며, 토마스가 평생 싸워온 무지에 맞서는 영원한 빛을 제공합니다. 그것들은 아름답고, 그 아름다움 속에서 추상을 부정하는 이들에 대한 투쟁의 외침을 담고 있습니다. 무엇보다도 그것들은 뛰어난 솜씨를 보여주며, 그 솜씨 속에서 그녀 존재의 지혜와 승리에 대한 부인할 수 없는 찬사를 나타냅니다.

대표 이미지: 알마 토마스 - 제목 없음, 1968년. 아크릴과 압력 감응 테이프를 사용한 자르고 스테이플한 종이. 19 1/8 x 51 1/2 인치 (48.6 x 130.8 cm). 도널드 B. 매런 기증. 모마 소장.
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작성자 Phillip Barcio