와즈워스 아테네움 미술관, 추상 표현주의 조각가 허버트 페르버를 기리다
허버트 퍼버는 수수께끼 같은 인물이었습니다. 그는 20세기 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명이었지만, 오늘날 대부분의 사람들은 그를 들어본 적이 없습니다. 퍼버는 가장 유명한 예술가들—폴록, 크래스너, 드 쿠닝, 마더웰, 로스코—과 교류했습니다. 그는 베티 파슨스 갤러리에서 그들과 함께 전시하기도 했습니다. 사실, 퍼버는 1950년 American Painting Today 전시회에 항의하는 공개 서한을 메트로폴리탄 미술관에 보낸 18명의 “성난 예술가들” 중 한 명이었습니다. 그는 추상 표현주의를 세계에 알린 것으로 알려진 라이프 매거진 기사와 함께 그 악명 높은 그룹의 유명 인사로 포함되어 있습니다. 그러나 이러한 명성에도 불구하고 퍼버는 대중적으로 널리 알려진 이름은 아닙니다. 그 이유 중 하나는 그가 그렇게 원했기 때문일 수 있습니다. 퍼버에 대해 글을 쓰는 것은 매우 어렵습니다. 그는 예술가보다 예술 자체가 훨씬 더 중요해야 한다는 생각에 깊이 몰두했기 때문입니다. 그는 작품 뒤에 담긴 아이디어가 논의되어야 하며, 그 아이디어가 얼마나 잘 구현되었는지가 모든 예술 글쓰기의 초점이 되어야 한다고 믿었습니다. 그럼에도 불구하고, 이러한 다소 실존적인 관점이 타당할지라도, 어느 정도는 예술가에 대해 이야기하는 것이 중요하다고 생각합니다. 예술가와 그들이 하는 일을 하게 만드는 특이성 없이는 감상하거나 글을 쓸 예술 자체가 존재하지 않을 것입니다. 특히 퍼버의 경우, 그의 개인적인 삶의 세부 사항은 그가 발전시킨 아이디어를 이해하는 데 필수적입니다. 그의 아이디어에 익숙하지 않다면, 지금이 바로 그를 알기에 완벽한 시기입니다. 코네티컷주 하트퍼드에 있는 왓스워스 아테늄 미술관에서 열린 회고전 Herbert Ferber: Space in Tension는 그의 전 생애에 걸친 40여 점의 작품을 선보이며 추상 미술 발전에 대한 그의 중요성을 이해하는 기초를 제공합니다.
쌓고, 부수다
1906년 뉴욕시에서 태어난 퍼버는 치과 학교를 거쳐 조각가의 길에 들어섰습니다. 그는 수업에서 해부학적 연구를 해야 했습니다. 그의 한 강사는 그가 신체 부위를 그리는 데 특별한 재능이 있음을 알아차리고, 퍼버에게 치과 외 취미로 예술을 추구할 것을 권했습니다. 퍼버는 곧바로 뉴욕의 보자르 예술 디자인 연구소 야간 수업에 등록했습니다. 그는 치과 학교를 졸업했고, 파트타임으로 치과 의사로 일하기도 했지만, 예술 학교에서 접한 아이디어에 대한 열정이 그의 모든 자유 시간을 삼켜버렸습니다. 그는 처음에는 드로잉과 회화로 시작했지만 곧 조각의 개념적 영역에 더 끌리게 되었습니다.
허버트 퍼버 - Rutgers #6, 1959, © 허버트 퍼버 유산
그의 첫 조각 실험은 석고 층을 쌓아 인체 모형을 만드는 것이었습니다. 퍼버는 조각 형태를 층으로 쌓는 이 과정을 “오랜 전통”이라고 불렀습니다. 그러나 그의 호기심은 다른 방법을 추구하게 했습니다. 그는 로마네스크 건축이 규모와 원근감에 거짓된 인상을 주는 방식에 감명을 받았습니다. 예를 들어 교회 내부의 빈 공간이 물리적 구조만큼이나 중요하게 여겨지는 점이 마음에 들었습니다. 그는 빈 공간과 협력하는 틀이라는 이 아이디어에서 영감을 받았습니다. 조각을 쌓거나 깎는 것만으로는 그와 같은 공간감을 얻을 수 없었기에, 그는 금속 작업을 하기로 결심했습니다. 용접 과정은 그가 “열린 조각”이라 부르는, 견고한 재료와 빈 공간을 모두 포함하는 형태를 만들 수 있게 해주었습니다.
허버트 퍼버 - Apocalyptic Rider II, 1947, © 허버트 퍼버 유산
몸짓의 추상 조각
퍼버가 처음으로 주요 전시를 가진 곳은 베티 파슨스 갤러리였습니다. 그곳에서 그는 자신이 “몸짓” 조각이라 부른 작품들을 선보였는데, 이는 “자연주의적” 형태에 “일종의 몸짓 배열”이 가미된 것이었습니다. 일부 평론가들은 이 작품을 초현실주의로, 다른 이들은 추상으로 평가했습니다. 퍼버는 어느 쪽도 정확하지 않다고 말했습니다. 그는 단순한 아이디어에 접근하는 방법을 실험하고 있었을 뿐입니다. 그는 공간을 관통하는 형태를 만들고 싶어 했습니다. 형태와 공간의 차이가 무엇인지 이해하고자 했습니다. 신체적 몸짓이 어떻게 견고한 물체로 나타날 수 있는지 탐구하고자 했습니다. 그는 재료와 과정이 그들의 진실을 표현하도록 허용하고자 했습니다. 퍼버가 지적했듯, 이러한 문제들은 당시 뉴욕 학교 예술가들이 모두 이야기하던 주제였습니다. 그러나 이러한 문제들은 구매 대중에게는 중요하지 않았고, 퍼버와 그의 동시대 예술가들은 적어도 초기에는 대중의 무관심 속에 있었습니다.
허버트 퍼버 - Homage to Piranesi IV B, 1963-64, © 허버트 퍼버 유산
가난하고 대체로 무시당했음에도 불구하고, 퍼버와 동료들은 철학적이고 이상주의적 태도를 유지했습니다. 그는 다른 예술가들과 한 작품에 대해 끝없이 이야기하며 그 개념적 함의를 깊이 파고들었던 것을 회상합니다. 1968년 스미스소니언 미국 미술 기록 보관소와의 인터뷰에서 그는 “우리는 요즘 듣는 그런 상업적인 이야기를 하지 않았습니다. 어디서 전시하는지, 무엇을 파는지, 어떤 의뢰를 받았는지 같은 이야기 말입니다. 하지만 항상 새로운 형태나 새로운 아이디어로부터 벗어나거나 발전하는 데 관련된 아이디어에 대해 이야기했습니다.”라고 말했습니다. 결국, 그 아이디어들은 20세기 중반 미국 미술에 관한 수많은 박물관 전시와 논문을 정의하는 잘 확립된 논점으로 성숙했습니다. 그러나 퍼버는 그 이상으로 나아갔습니다. 그는 계속해서 진화하며 작업실에서 자신을 밀어붙였습니다. 예술가로서 그가 내린 모든 선택은 아이디어를 실현하기 위한 것이었고, 그것이 그의 마지막 순간까지도 주된 초점이었습니다. 자신을 과장하는 것을 꺼린 그의 태도는 그가 항상 아이디어에 공을 돌렸기 때문에 대중 매체의 주목을 덜 받게 했지만, 동시에 그의 작품에 진정성, 생명력, 힘을 부여했습니다. Herbert Ferber: Space in Tension 전시는 2018년 7월 29일까지 왓스워스 아테늄 미술관에서 열립니다.
대표 이미지: 허버트 퍼버: Space in Tension, 왓스워스 아테늄 미술관 설치 전경, © 왓스워스 아테늄 미술관
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio 지음
