저명한 폴란드 예술가 보이치에흐 판고르의 색채 분야 및 옵 아트 재조명
Wojciech Fangor는 그의 예술에서 단순함과 깊이를 표현하는 재능이 있었습니다. 1930년대 그의 고향인 폴란드에서 사실주의 화가로 훈련을 받은 그는 경력 초기 몇 년 동안 숙련된 인물 화가, 그래픽 디자이너, 건축가로 발전했습니다. 제2차 세계 대전 이후, 많은 폴란드 동시대 작가들처럼 그는 사회주의 사실주의를 홍보하는 이미지를 만드는 데 노력을 기울였습니다. 그러나 시간이 지나면서 그는 인물화 이상의 관심을 확장하였고, 궁극적으로 그의 추상 작품이 20세기 가장 영향력 있는 폴란드 예술가 중 한 명으로서의 명성을 확보하게 되었습니다. 그의 추상으로의 여정은 1950년대에 시작되었으며, 그때 그는 그려진 구성물이 관객이 물리적 공간을 인식하는 방식에 어떤 영향을 미칠 수 있는지를 탐구하기 시작했습니다. 이 탐구에서 나온 추상 작품들은 그의 가장 상징적인 업적입니다. 그 중 여러 작품이 1965년 MoMA 전시회 The Responsive Eye에 포함되어, 공공의 상상 속에 옵 아트를 소개했습니다. (Fangor는 그 전시회에 포함된 유일한 폴란드 태생 화가였습니다.) 원, 대각선, 파형에 초점을 맞춘 이 그림들은 눈을 움직임을 인식하도록 유도합니다. 형태가 녹아드는 가장자리에서 뉘앙스가 나타납니다. 부드러운 색상 관계의 미묘함은 주변의 공허함에 대한 사색을 자극합니다. 이러한 작품들로 Fangor는 일반적으로 옵 아트와 관련된 시각적 속임수와 색면화와 관련된 내성적인 정신 공간을 연결했습니다. Fangor가 The Responsive Eye에서 전시한 작품 중 일부는 2018년 4월 19일부터 Heather James Fine Art New York의 개관 전시회에서 다시 전시될 예정입니다. Wojciech Fangor: The Early 1960s는 반세기 이상 전에 Fangor가 시작한 색상, 형태 및 회화적 공간의 추상적 신비에 대한 대화로 현대 관객들을 다시 참여시킬 것을 약속합니다.
공간의 배열
팡고르는 추상에 대한 그의 감사를 매우 실용적인 경로를 통해 얻었다. 기차역이 그에게 길을 보여주었다. 그는 중앙 바르샤바 철도 시스템의 지하 공간을 재설계하기 위해 두 명의 건축가와 협력하고 있었다. 그들의 목표는 공간을 더 인간적이고 덜 폐쇄적으로 만드는 것이었다. 팡고르는 여행자들이 역을 통과할 때 색상 스킴이 점진적으로 발전하는 추상 모자이크 작품을 돌벽에 배치하는 아이디어를 생각해냈다. 지나가는 사람들의 운동은 벽에 있는 이미지를 활성화시켜 사람들로 하여금 주변과 더 연결된 느낌을 주는 역동적인 미적 경험을 창출했다. 지하철역 디자인 작업은 팡고르에게 사람들이 미술 전시회를 방문할 때의 경험을 재구상하도록 영감을 주었다. 그는 전시회를 사람들이 단일 예술 작품 앞에서 가만히 서 있는 기회로 생각하기보다는, 지하철역을 활성화한 것처럼 전시 공간을 어떻게 활성화할 수 있을지를 고민했다.
보이치에흐 판고르 - #6, 1963, 61 1/4 x 51 1/4 인치, 유화, © 보이치에흐 판고르, 헤더 제임스 파인 아트 뉴욕 제공
그가 제시한 해결책은 1958년 전시회 Spatial Study에서 공개되었으며, 이 전시회는 바르샤바의 “Nowa Kultura” 살롱에서 처음으로 선보였습니다. 이 전시회는 환경 설치의 초기 사례 중 하나로 여겨집니다. 이 작품을 만들기 위해 Fangor는 지하철 프로젝트의 건축가 중 한 명인 StanisÅ‚aw Zamecznik과 협력했습니다. 그들은 관람객이 공간을 자유롭게 이동하며 그 과정에서 미적 요소를 경험할 수 있는 시나리오를 구상했습니다. 그들의 움직임은 예술만큼이나 그들의 경험에 중요했습니다. Fangor는 설치를 위해 20개의 추상화를 제작했습니다. 그는 네 개의 그림을 벽에 걸고, 나머지 16개는 방의 이젤에 배치했습니다. 이 이미지들은 관람객의 시각에 따라 서로에게 시각적 속임수를 주었습니다. 설치에 들어온 모든 관람객은 자신만의 경로를 선택했습니다. 그들이 공간을 탐색하면서 시각적 속임수는 진화했습니다. 그들의 경험은 그들의 움직임에 따라 달라졌습니다.
보이치에흐 판고르 - 검정과 분홍, 1960, 38 x 31 인치, 유화, © 보이치에흐 판고르, 헤더 제임스 파인 아트 뉴욕 제공
표면의 제거
팡고르는 공간 연구 설치를 위한 추상 작품을 만드는 동안 여러 가지 깨달음을 얻었습니다. 한 가지 주요 발견은 그가 시각적으로 추상적인 구성을 만들었을 때, 이미지가 표면에서 떨어져 나와 공간으로 투사되는 것처럼 보인다는 것이었습니다. 그는 이 현상을 "긍정적 환상 공간"이라고 불렀습니다. 그는 긍정적 환상 공간을 만드는 과정을 표면의 점진적인 제거로 간주하게 되었습니다. 다시 말해, 이미지로 생성할 수 있는 환상 공간이 많을수록, 관객은 이미지가 지탱하는 표면이 전혀 존재하지 않는다고 인식하게 됩니다. 형태는 캔버스와 관객의 눈 사이의 공허 속에 떠 있는 것처럼 보입니다. 이 아이디어는 팡고르가 반응하는 눈에서 보여준 대부분의 이미지와 헤더 제임스 파인 아트 뉴욕에서 전시될 이미지의 핵심입니다.
보이치에흐 판고르 - 핑크와 블랙 스핀들, 1960, 39 x 29 1/2 인치, 유화, © 보이치에흐 판고르, 헤더 제임스 파인 아트 뉴욕 제공
이 작품에서 공간의 환상은 팡고르가 형태의 가장자리를 흐리게 처리한 방식에 의해 강화된다. 스펙트럼 색상은 형태가 배경에서 분리되는 것처럼 보일 때 사라진다. 동심원 링은 맥동하는 것처럼 보이며, 색상의 물결이 캔버스를 가로질러 퍼져 나가며, 눈앞에서 변동하는 것처럼 보인다; 수직 기둥의 초승달이 하늘에서 느리게 떨어지는 것처럼 보인다. 이 그림들은 미묘한 운동 감각을 지니고 있다. 형태를 더 가까이 들여다보고 오래 바라볼수록, 그것들은 실제로 공간에서 떠 있는 것처럼 보인다. 형태가 더 입체적으로 변할수록 색상은 더 덧없어지고, 표면은 멀리 사라진다. 브리짓 라일리와 빅토르 바자렐리와 같은 다른 옵 아트 선구자들의 작품과 비교할 때, 팡고르가 만든 그림들은 미묘하다. 그러나 그의 나머지 작품의 광대한 범위를 살펴보면, 그것들이 그의 발전과 그의 세대가 형태와 공간의 신비에 대해 발견한 것들에서 중요한 역할을 했다는 것이 분명하다. 보이치에흐 팡고르: 1960년대 초는 2018년 4월 19일부터 6월 30일까지 헤더 제임스 파인 아트 뉴욕에서 전시된다.
특집 이미지: Wojciech Fangor - Square 21, 1962, 35 1/2 x 35 1/2 인치, 유화, © Wojciech Fangor, 제공: Heather James Fine Art New York
필립 Barcio
