저명한 폴란드 예술가 보이치에흐 판고르의 색채 분야 및 옵 아트 재조명

보이치에흐 팡고르는 그의 예술에서 단순함과 깊이를 동시에 표현하는 재능을 지녔습니다. 1930년대 고향인 폴란드에서 사실주의 화가로 처음 훈련받은 그는 경력 초기에 숙련된 인물화가, 그래픽 디자이너, 건축가로 성장했습니다. 제2차 세계대전 이후, 많은 폴란드 동시대인들처럼 그는 사회주의 사실주의를 홍보하는 이미지를 만드는 데 힘썼습니다. 그러나 시간이 지나면서 인물화에 대한 관심을 넘어 추상 미술로 확장되었고, 결국 그의 추상 작품이 20세기 가장 영향력 있는 폴란드 예술가 중 한 명으로서의 명성을 확립했습니다. 추상으로 향하는 그의 여정은 1950년대에 시작되었는데, 그는 회화 구성이 관람객이 물리적 공간을 인식하는 방식에 어떤 영향을 미칠 수 있는지 탐구하기 시작했습니다. 이 탐구에서 나온 추상 작품들은 그의 가장 상징적인 성과입니다. 그 중 여러 작품은 1965년 모마(MoMA)에서 열린 기념비적인 전시회 The Responsive Eye에 포함되어 옵아트를 대중의 상상 속에 소개했습니다. (팡고르는 그 전시회에 포함된 유일한 폴란드 출신 화가였습니다.) 원, 대각선, 파동 형태에 집중한 이 그림들은 눈을 움직임을 인지하도록 유도합니다. 형태가 녹아드는 가장자리에서 미묘한 차이가 나타납니다. 은은한 색채 관계의 미묘함은 주변의 공허함을 사색하게 만듭니다. 이 작품들로 팡고르는 일반적으로 옵아트와 연관된 시각적 속임수와 색면화(Color Field Painting)와 관련된 내성적인 정신 공간을 연결했습니다. 팡고르가 The Responsive Eye에서 전시한 작품 중 일부는 2018년 4월 19일부터 뉴욕의 Heather James Fine Art에서 열리는 첫 전시에서 다시 선보일 예정입니다. Wojciech Fangor: The Early 1960s는 반세기 넘게 이어져 온 팡고르의 색채, 형태, 회화 공간의 추상적 신비에 관한 대화를 현대 관람객과 다시 연결할 것입니다.

공간의 배열

팡고르는 매우 실용적인 길을 통해 추상에 대한 이해에 도달했습니다. 기차역이 그 길을 보여주었습니다. 그는 두 명의 건축가와 협력하여 바르샤바 중앙 철도 시스템의 지하 구역을 재설계하는 작업에 참여했습니다. 그들의 목표는 공간을 더 인간적이고 덜 답답하게 만드는 것이었습니다. 팡고르는 여행객들이 역을 서두르며 지나갈 때 점차 변화하는 색채 체계를 사용해 돌벽에 추상 모자이크 작품을 배치하는 아이디어를 냈습니다. 지나가는 사람들의 동적인 움직임이 벽의 이미지를 활성화하여 사람들이 주변 환경과 더 연결되어 있다고 느끼게 하는 역동적인 미적 경험을 만들어냈습니다. 지하철역 디자인 작업은 팡고르가 미술 전시를 관람할 때 관람객이 경험하는 방식을 재구상하도록 영감을 주었습니다. 그는 전시회를 사람들이 한 작품 앞에 가만히 서 있는 기회로 생각하기보다는, 지하철역을 활성화한 것과 비슷하게 전시 공간을 활성화할 방법을 고민했습니다.

보이치에흐 팡고르 - #6, 1963년, 61 1/4 x 51 1/4 인치, 캔버스에 유화, © 보이치에흐 팡고르, Heather James Fine Art New York 제공

그가 고안한 해결책은 1958년 바르샤바의 “Nowa Kultura” 살롱에서 처음 선보인 전시 Spatial Study에서 드러났습니다. 이 전시는 환경 설치의 초기 사례 중 하나로 여겨집니다. 이 작품을 만들기 위해 팡고르는 지하철 프로젝트에 참여한 건축가 스타니스와프 자메츠닉과 협력했습니다. 그들은 관람객이 공간을 자유롭게 이동하며 미적 요소를 경험할 수 있는 시나리오를 구상했습니다. 관람객의 움직임은 예술 작품만큼이나 그들의 경험에 중요했습니다. 팡고르는 설치를 위해 20점의 추상화를 제작했습니다. 네 점은 벽에 걸었고, 나머지 16점은 방 안에 이젤에 올려놓았습니다. 작품들은 관람객의 시점에 따라 서로 시각적 속임수를 주고받았습니다. 전시장에 들어선 각 관람객은 자신만의 경로를 선택했습니다. 그들이 공간을 탐색할수록 시각적 속임수는 변화했고, 그들의 경험도 움직임에 따라 달라졌습니다.

보이치에흐 팡고르 - Black and Pink, 1960년, 38 x 31 인치, 캔버스에 유화, © 보이치에흐 팡고르, Heather James Fine Art New York 제공

표면의 제거

팡고르는 Spatial Study 설치를 위한 추상 작품을 만드는 동안 여러 깨달음을 얻었습니다. 그중 한 가지 중요한 발견은 광학적으로 추상적인 구성을 만들 때 이미지가 표면에서 튀어나와 공간으로 투사되는 것처럼 보인다는 점이었습니다. 그는 이 현상을 “긍정적 환상 공간”이라고 불렀습니다. 그는 긍정적 환상 공간을 만드는 과정을 표면을 점진적으로 제거하는 과정으로 간주하게 되었습니다. 다시 말해, 이미지로 더 많은 환상 공간을 만들수록 관람객은 이미지가 지지되는 표면이 전혀 없다고 인식하게 되며, 형태는 캔버스와 관람객의 눈 사이의 공허 속에 떠 있는 것처럼 보입니다. 이 생각은 팡고르가 The Responsive Eye에서 선보인 대부분의 이미지와 Heather James Fine Art New York에서 전시될 작품들의 핵심입니다.

보이치에흐 팡고르 - Pink and Black Spindle, 1960년, 39 x 29 1/2 인치, 캔버스에 유화, © 보이치에흐 팡고르, Heather James Fine Art New York 제공

이 작품들에서 공간의 환상은 팡고르가 형태의 가장자리를 흐리게 처리한 방식으로 더욱 강화됩니다. 형태가 배경에서 분리되는 듯 색채가 희미해집니다. 동심원은 맥동하는 듯 보이고, 색의 물결이 캔버스를 가로질러 눈앞에서 출렁이는 듯하며, 초승달 모양의 수직 기둥은 하늘에서 천천히 구르는 듯합니다. 이 그림들은 미묘한 동적인 감각을 지니고 있습니다. 형태를 더 자세히 보고 오래 응시할수록 그것들이 실제로 공간에 떠 있는 것처럼 보입니다. 형태가 더 입체적으로 변할수록 색은 더 덧없어지고 표면은 멀어집니다. 브리짓 라일리와 빅터 바사렐리 같은 다른 옵아트 선구자들의 작품과 비교할 때, 팡고르의 그림은 섬세합니다. 그러나 그의 방대한 작품 전체를 살펴보면, 이 작품들이 그의 발전과 그의 세대가 형태와 공간의 신비에 대해 발견한 것들에 중요한 역할을 했음이 분명합니다. Wojciech Fangor: The Early 1960s는 2018년 4월 19일부터 6월 30일까지 Heather James Fine Art New York에서 전시됩니다.

대표 이미지: 보이치에흐 팡고르 - Square 21, 1962년, 35 1/2 x 35 1/2 인치, 캔버스에 유화, © 보이치에흐 팡고르, Heather James Fine Art New York 제공

필립 Barcio 작성