알렉산더 칼더 그림에 대해 우리가 알아야 할 것
알렉산더 칼더는 미술에서 모빌을 도입한 인물로 가장 널리 알려져 있습니다. 그의 기발하고 움직이는 조각품들은 아주 약한 바람에도 흔들리며 무수히 많은 새로운 형태로 변모합니다. 알렉산더 칼더의 수백 점의 그림과 수천 점의 판화에 대해서는 덜 알려져 있지만, 이 작품들 또한 전 세계 주요 미술관에서 당당히 존중받고 있습니다. 칼더는 자신을 화가로 크게 여기지 않았습니다. 그는 2차원 작업을 색채, 공간, 구도에 관한 아이디어를 탐구하는 수단으로 삼았습니다. 그럼에도 불구하고, 비록 주된 관심사는 아니었지만, 그의 회화 작품들은 움직임과 그가 우주의 체계라 부른 것 안에서 사물들 간의 관계에 관한 그의 생각을 훌륭하게 조직하고 맥락화합니다.
초기 알렉산더 칼더의 그림들
알렉산더 칼더는 예술가 집안에서 태어났습니다. 그의 아버지는 조각가였으며, 칼더가 처음 만든 작품들은 아버지가 관리하던 지하 작업실에서 만들어졌습니다. 물건을 만드는 일을 직업으로 삼을 것이라 믿고 칼더는 학교에서 기계공학을 공부했습니다. 그러나 1924년 태평양 북서부에서 엔지니어로 일하던 중, 눈 덮인 세 산봉우리를 보고 그것을 그리고 싶은 충동을 느꼈습니다. 그는 집에 물감을 보내달라고 편지를 썼고, 어머니가 물감을 보내주었습니다. 다음 해에는 뉴욕에서 미술 학생 연맹에서 그림 수업을 듣게 되었습니다.
알렉산더 칼더 - 날아다니는 그네, 1925년. 캔버스에 유화. © 알렉산더 칼더
수업에서 칼더는 사실적인 주제를 그리는 법을 배웠으며, 그는 이에 타고난 재능이 있었습니다. 그는 곧 신문 삽화가로 일하게 되었습니다. 그러나 그 일의 매력은 그를 계속 붙잡아 두기에는 부족했고, 1926년 그는 파리로 떠났습니다. 그곳에서 그는 당시 전위 예술가들과 교류를 맺었습니다. 1930년, 화가 피에트 몬드리안의 작업실을 방문했을 때, 칼더는 추상미술을 발견했다고 말했습니다. “그가 벽에 붙여 놓은 몇몇 색 사각형에 특히 감명을 받았다,”고 칼더는 설명했습니다. “집에 돌아가 추상적으로 그려 보았다.”
몬드리안 작업실 방문 후 1930년에 칼더가 그린 제목 없는 추상화. © 알렉산더 칼더
공간 속의 관계
칼더는 자신의 그림이 원하는 효과인 움직임을 제대로 표현하지 못한다는 것을 곧 깨달았습니다. 그래서 그는 다시 대부분의 시간을 3차원 공간에서 작업하는 데 보냈습니다. 그럼에도 불구하고 그는 여기저기서 계속 그림을 그리며, 항상 움직이는 듯한 구도를 만들고자 했습니다. 그는 우주 전체에서 영감을 얻었으며, 특히 공간 속에서 몸체들이 서로와 주변 환경과 맺는 관계에 주목했습니다. 그는 주로 검정, 흰색, 빨강만을 사용했으며, 가능하다면 빨강만 쓰고 싶다고 말했습니다. “보조 색과 중간 색조는 명확함과 뚜렷함을 혼란스럽게 하고 흐리게 할 뿐이다,”라고 했습니다.
몬드리안 작업실 방문 후 1930년에 칼더가 그린 제목 없는 추상화. © 알렉산더 칼더
그가 추상화에서 주로 의지한 형태는 원, 구, 원반이었으며, 그는 이것들이 “단순한 형태 이상의 의미를 지닌다”고 말했습니다. 그러나 그는 삼각형, 모루, 부메랑을 닮은 독특한 형태의 언어도 만들어 냈습니다. 그는 이 형태들을 구라고 불렀는데, “다른 모양의 구”라고 했습니다. 그는 이들을 둥글게 만들고, 마치 변화하는 중인 듯한 역동성을 부여하려 했습니다. 그가 사용을 주저한 유일한 형태는 직사각형이었는데, “나는 직사각형을 사용하지 않는다—그것들은 멈춘다. 때때로 사용하기도 하지만, 움직임을 막거나 막히게 하고 싶을 때뿐이다”라고 했습니다.
알렉산더 칼더 - 제목 없음, 1942년. 종이에 구아슈와 잉크. © 알렉산더 칼더 (왼쪽) / 알렉산더 칼더 - 페티시, 1944년. 캔버스에 유화. © 알렉산더 칼더 (오른쪽)
추상된 현실
대부분 사람들은 그의 그림을 추상화로 여기지만, 칼더는 자신을 사실주의 화가로 생각했습니다. 그는 “만약 어떤 것을 상상하고, 공간 속에 떠올릴 수 있다면—그것을 만들 수 있고, 즉시 당신은 사실주의자다”라고 말했습니다. 그럼에도 불구하고 그는 자신의 작품이 어떤 추상적인 메시지를 전달하고 있음을 알고 있었습니다. 그는 2차원 공간이 자신의 생각을 표현하는 데 한계가 있음을 인지했지만, 관람자가 각자 의미를 찾도록 영감을 받는 한 만족할 수 있다고 느꼈습니다. 그는 “다른 이들이 내가 생각하는 바를 이해하는 것은 중요하지 않다, 적어도 그들이 자신만의 다른 무언가를 가지고 있는 한”이라고 했습니다.
알렉산더 칼더 - 공정한 형태, 1946년. 캔버스에 유화. © 알렉산더 칼더
칼더는 자신의 작품 속 형태와 구도에 대한 이해에 대해 평생 유연성을 유지했습니다. 이 유연성은 10년 간격으로 만든 두 비슷한 그림을 나란히 놓았을 때 잘 드러나는데, 제목이 그의 작품에 대한 태도의 변화를 보여줍니다. 1946년에 그린 첫 번째 작품은 공정한 형태라는 제목이고, 1956년에 그린 두 번째 작품은 거의 같은 형태 언어를 사용했지만 이번에는 공정함이 사라지고 대신 산토스라는 제목이 붙었는데, 이는 스페인어로 성인들을 뜻합니다.
알렉산더 칼더 - 산토스, 1956년. 합판에 유화. © 알렉산더 칼더
대표 이미지: 알렉산더 칼더 - 우주 터널 (부분), 1932년. 종이에 수채화와 잉크. © 알렉산더 칼더
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio
