알렉산더 칼더 그림에 대해 우리가 알아야 할 것
알렉산더 칼더는 모빌을 미술에 도입한 것으로 가장 잘 알려져 있습니다. 그의 기발하고 동적인 조각들은 가장 미세한 바람에도 흔들리며, 무수히 많은 새로운 구성으로 변형됩니다. 알렉산더 칼더의 수백 점의 그림과 수천 점의 프린트에 대해서는 덜 알려져 있지만, 이들 또한 전 세계의 중요한 박물관에서 존경받는 공간을 차지하고 있습니다. 칼더는 자신을 그리기보다는 조각가로 여겼습니다. 그는 색상, 공간 및 구성에 대한 아이디어를 탐구하는 방법으로 2차원 작업에 참여했습니다. 그럼에도 불구하고, 비록 그것이 그의 주요 초점은 아니었지만, 그의 회화 작품은 움직임과 그가 우주의 시스템이라고 부른 것 안에서의 객체 간의 관계에 대한 그의 아이디어를 훌륭하게 조직하고 맥락화합니다.
초기 알렉산더 칼더 그림
알렉산더 칼더는 예술가 가정에서 태어났습니다. 그의 아버지는 조각가였고, 칼더가 처음 만든 예술 작품들은 아버지가 운영하던 지하 스튜디오에서 만들어졌습니다. 물건을 만드는 직업으로 이어질 것이라고 믿었던 칼더는 학교에서 기계 공학을 공부했습니다. 그러나 1924년 어느 날, 태평양 북서부에서 엔지니어로 일하던 중, 그는 눈으로 덮인 세 개의 산봉우리를 보고 그것을 그려보고 싶다는 충동을 느꼈습니다. 그는 화가의 재료를 집으로 요청했고, 그의 어머니가 보내주었습니다. 다음 해, 그는 뉴욕에서 아트 스튜던트 리그에서 그림 수업을 듣고 있었습니다.
알렉산더 칼더 - 비행하는 공중 그네, 1925. 캔버스에 유화. © 알렉산더 칼더
수업에서 칼더는 그가 타고난 재능을 가진 사실적인 주제를 그리는 법을 배웠습니다. 그는 빠르게 신문 일러스트레이터 직업을 얻었습니다. 그러나 그 일의 매력은 그를 계속 참여하게 할 만큼 강하지 않았고, 1926년 그는 파리로 떠났습니다. 그곳에서 그는 당시의 아방가르드 예술가들과 인맥을 쌓았습니다. 1930년, 화가 피에트 몬드리안과의 스튜디오 방문 중에 칼더는 추상을 발견했다고 말했습니다. “그가 벽에 붙여 놓은 몇 개의 색깔 직사각형에 특히 감명을 받았습니다,” 칼더는 설명했습니다. “집에 가서 추상적으로 그려보려고 했습니다."
1930년 몬드리안과의 스튜디오 방문 후 칼더가 만든 제목 없는 추상화. . © 알렉산더 칼더
우주에서의 관계
칼더는 자신의 그림이 원하는 효과를 내지 못하고 있다는 것을 빠르게 깨달았다. 그의 원하는 효과는 움직임을 창조하는 것이었다. 그래서 그는 대부분의 시간을 스튜디오에서 3차원 공간에서 작업하는 데 다시 할애했다. 그럼에도 불구하고 그는 여기저기서 계속 그림을 그리며 항상 움직이는 것처럼 보이는 구성을 만들고자 했다. 그는 영감을 얻기 위해 우주 전체를 사용했으며, 특히 공간에서 물체들이 서로 및 그들의 주변과 가지는 관계에 주목했다. 그는 주로 검정, 흰색, 빨간색의 팔레트로 제한했으며, 만약 가능하다면 빨간색만 사용하고 싶다고 언급했다. “보조 색상과 중간 색조는 뚜렷함과 명확함을 혼란스럽고 흐리게 할 뿐이다,”라고 그는 말했다.
1930년 몬드리안과의 스튜디오 방문 후 칼더가 만든 제목 없는 추상화. © 알렉산더 칼더
그가 추상화에서 주로 의존했던 형태는 원, 구, 원반이었으며, 그는 이것들이 "그저 그런 것 이상을 나타낸다"고 말했다. 그러나 그는 삼각형, 모루, 부메랑을 닮은 독특한 형태의 언어도 만들었다. 그는 이러한 형태를 구라고 언급하며, "다른 형태의 구"라고 말했다. 그는 그것들을 둥글게 만들고, 마치 전환 중인 것처럼 역동성을 부여하려고 했다. 그가 사용하기를 주저했던 유일한 형태는 직사각형으로, 그는 "나는 직사각형을 사용하지 않는다––그것들은 멈춘다. 나는 때때로 사용하지만, 오직 막거나, 움직임을 정체시키고 싶을 때만 사용한다"고 말했다.
알렉산더 칼더 - 제목 없음, 1942. 종이에 구아슈와 잉크. © 알렉산더 칼더 (왼쪽) / 알렉산더 칼더 - 페티시, 1944. 캔버스에 유화. © 알렉산더 칼더 (오른쪽)
추상적 현실
대부분의 사람들은 그의 그림을 추상적이라고 생각하지만, 칼더는 자신을 사실주의 화가라고 여겼다. 그는 "무언가를 상상할 수 있다면, 그것을 공간에 불러일으킬 수 있다면––그렇다면 당신은 그것을 만들 수 있고, 즉시 당신은 사실주의자가 된다"고 말했다. 그럼에도 불구하고 그는 자신의 작품이 어떤 추상적인 것을 전달하고 있다는 것을 알고 있었다. 그는 자신의 아이디어를 표현하는 데 있어 2차원 공간의 한계를 인식하고 있었지만, 관객들이 자신의 의미를 찾도록 영감을 받는 한 그는 만족할 수 있다고 느꼈다. 그는 "다른 사람들이 내가 생각하는 것을 이해하는 것은 본질적이지 않은 것 같다, 적어도 그들이 자신의 무언가를 가지고 있는 한은"고 말했다.
알렉산더 칼더 - 공정한 형태, 1946. 캔버스에 유채. © 알렉산더 칼더
그의 경력 전반에 걸쳐, 칼더는 자신의 그림에서 형태와 구성에 대한 이해에 유연성을 유지했다. 그 유연성은 그가 10년 간격으로 만든 두 개의 유사한 그림의 병치에 잘 전달된다. 이 그림들의 제목은 칼더가 자신의 작업에서 가능성에 대해 발전시킨 관계를 드러낸다. 첫 번째 그림은 1946년에 제작되었으며, 제목은 Impartial Forms이다. 두 번째 그림은 1956년에 제작되었으며, 거의 동일한 형태의 언어를 포함하고 있지만, 이번에는 공정성이 사라졌다. 대신 이 그림의 제목은 Santos로, 스페인어로 성인을 의미한다.
알렉산더 칼더 - 산토스, 1956. 합판에 유화. © 알렉산더 칼더
특집 이미지: 알렉산더 칼더 - 우주 터널 (세부), 1932. 수채화와 잉크로 종이에 그린 작품. © 알렉산더 칼더
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필립 Barcio
