피에로 만조니가 아크롬으로 추상 미술을 만들었을 때

2019년 2월 14일, 하우저 & 워스 로스앤젤레스에서 피에로 만조니의 “아크롬”에 초점을 맞춘 전시가 열립니다. 피에로 만조니: 그의 시대의 재료들이라는 제목으로, 밀라노에 있는 피에로 만조니 재단의 디렉터 로살리아 파스콸리노 디 마리네오가 기획한 이번 전시는 미국 관객들에게 전설적인 개념미술 작품을 직접 마주할 수 있는 드문 기회를 제공합니다. 1957년에 시작된 아크롬은 이른바 “이탈리아 경제 기적”이라 불리는 시기에 이탈리아 전위예술을 활기차게 만든 중요한 작품군입니다. 이 시기는 제2차 세계대전 이후 재건의 시기로, 이탈리아인의 일상과 생활 수준이 그 어느 때보다 빠르고 극적으로 변화한 때였습니다. 수백만 명의 경제 이주민이 시골에서 도시로 몰려들면서 건축, 교통 흐름, 식습관, 그리고 물론 예술과 문화에 돌이킬 수 없는 변화를 가져왔습니다. 1933년생인 만조니는 이 시기 한가운데서 예술가로서 자신의 길을 찾았습니다. 그의 산산조각난 세계는 트라우마, 불확실성, 그리고 핵전쟁에 대한 끊임없는 두려움으로 점철되어 있었습니다. 1956년에 열린 그의 첫 전시는 일상 사물을 그림자처럼 표현한 음산한 형상화 작품들로, 불타는 듯한 방사능 빛을 배경으로 했습니다. 그러나 1957년, 밀라노에서 이브 클라인의 푸른 단색화 전시가 열리면서 그의 작업 방식은 완전히 바뀌었습니다. 만조니는 이 전시를 일종의 전투 선언으로 받아들였습니다. 그는 그림 이미지 탐색을 포기하고, 대신 진정한 예술, 즉 자연의 독창성과 영원성을 구현하는 예술을 찾는 데 전념했습니다. 그의 아크롬은 완전히 독창적인 무언가를 향한 첫걸음이었으며, 만조니가 만든 다른 모든 작품군의 발전으로 이어졌고, 20세기 가장 영향력 있는 예술가 중 한 명이 되는 길을 열었습니다.

무색의 표면

만조니는 1959년에야 비로소 “수페르피치 아크롬(Superfici Acrome)”, 즉 무색의 표면이라는 이름을 붙이기 전까지 2년 동안 단색의 흰색 작품들—오늘날 우리가 “아크롬” 시리즈라 부르는—을 만들고 전시해왔습니다. 이 이름에는 아이러니가 있습니다. 과학자들은 색이 없음을 흰색이 아니라 검은색으로 간주하는데, 색은 빛이 있어야 인지되며 검은색은 모든 빛을 흡수하기 때문입니다. 만조니가 만든 초기 무색의 표면들은 단순히 캔버스 천에 흰색 젯소를 칠한 것이었습니다. 젯소는 보통 화가들이 그림을 그리기 전에 표면을 준비하기 위해 사용하는 분필 같은 흰색 안료입니다. 만조니는 캔버스에 젯소를 칠하고 그것을 완성된 작품이라 부름으로써, 단일 색조로 회화를 축소했지만 여전히 단순화의 여지를 남긴 이브 클라인을 능가했습니다.

피에로 만조니 - 아크롬, 1961년. 합성 섬유. 42 x 33 cm / 16 1/2 x 13 인치. 헤르닝 현대미술관(HEART). 사진: 쇠렌 크로그. © 피에로 만조니 재단, 밀라노

그러나 색조를 완전히 없앤 후에도 만조니는 젯소를 표면에 바른 자신의 손길이 작품에 여전히 남아 있음을 발견했습니다. 그는 재현 불가능하고 진정으로 독창적인 무언가를 갈망했으며, 이는 자신을 작품에서 배제하고 자연이 자신의 간섭 없이 자유롭게 표현되도록 해야 한다는 뜻이었습니다. 다음 아크롬 작품들에서는 액체 형태의 카올린, 즉 흰색 점토 같은 물질을 생캔버스 위에 부어 매체의 무게가 표면을 자유롭게 조작하도록 했습니다. 시간이 지나면서 매체는 강바닥이나 바람에 쓸린 사막의 능선처럼 표면을 접히고 뒤틀리게 만들었습니다. 그러나 이러한 개입조차 만조니에게는 지나친 것이었습니다. 자신의 존재 흔적을 완전히 숨긴 아크롬을 찾기 위해 그는 빵 덩어리에 카올린을 덮고, 폴리스티렌 시트에 인광 페인트를 칠하며, 흰색 캔버스 조각들을 격자 모양으로 꿰맸습니다. 가장 성공적인 시도는 아마도 이미 흰색인 재료들, 예를 들어 면, 유리섬유, 토끼털을 사용한 아크롬이었을 것입니다. 그는 단순히 구성을 조직하고 재료가 스스로 말하게 했습니다.

피에로 만조니 - 아크롬, 1961년. 정사각형 면 패딩과 코발트 염화물. 56.2 x 47.2 cm / 22 1/8 x 18 5/8 인치. 헤르닝 현대미술관(HEART). 사진: 쇠렌 크로그. © 피에로 만조니 재단, 밀라노

진정으로 참된 것

만조니가 “수페르피치 아크롬”으로 이루고자 했던 것은 진정으로 참된 것, 즉 동어 반복의 예술적 표현이었습니다—누구의 반응과 상관없이 그 내재된 진실을 영원히 중복하여 표현하는, 너무나 독창적인 무언가. 중력과 시간의 흐름이 바로 그런 동어 반복적 현상입니다. 그것은 부인할 수 없고 진실하며 완전히 독특합니다. 어떤 예술가들은 동어 반복적 예술 창작을 헛되고 불가능한 목표로 여깁니다. 인간의 생각이 물리적 세계에 나타나는 순간 그것이 인공적임을 드러내 자연과 진실의 대변자가 아니라 패러디가 된다고 믿습니다. 그러나 만조니는 그렇게 냉소적이지 않았습니다. 그는 모방 불가능한 예술 작품을 창조할 수 있다고 믿었으며, 아크롬 외에도 여러 작품군에서 이 목표를 이루기 위해 노력했습니다.

피에로 만조니 - 아크롬, 약 1960년. 면 솜. 31 x 25 cm / 12 1/4 x 9 7/8 인치. 피에로 만조니 재단, 밀라노 및 하우저 & 워스 제공. 사진: 제네비브 핸슨. © 피에로 만조니 재단, 밀라노

“Fiato d'Artista”(예술가의 숨결)라는 시리즈에서 그는 구매자가 불 수도 있고 예술가가 불 수도 있는 풍선을 판매했으며, 후자의 경우 가격이 더 높았습니다. 각 풍선 안에 갇힌 숨결은 재현 불가능했고, 풍선의 정확한 크기와 모양도 독특했습니다. 무엇보다 이 작품들은 시간이 지나면서 자연스러운 자기 파괴 과정을 통해 소중한 내용을 서서히 방출하며 사라졌습니다. “예술을 삼키는 대중에 의한 예술 소비”라는 또 다른 시리즈에서는 만조니가 자신의 지문을 달걀에 찍어 관객들과 함께 소비하도록 초대했습니다. “살아있는 조각”에서는 인간을 동원해 그들의 몸에 서명을 했습니다. 그리고 가장 악명 높은 시리즈인 “Merda d’Artista”(예술가의 똥)에서는 자신의 배설물을 건조하고 포장해 당시 금 시세에 맞춰 판매했습니다. 그러나 만조니가 모방 불가능성 목표에 가장 근접했던 작품은 아마도 덴마크 들판에 세운 거꾸로 된 받침대인 “Socle du Monde”(세상의 받침대)일 것입니다. 이 작품은 세상 전체를 예술 작품으로 제시함으로써, 예술가가 자연의 최종 권위를 받아들일 때만이 진정한 진실을 표현할 수 있음을 암시합니다.

피에로 만조니: 그의 시대의 재료들 전시는 2019년 2월 14일부터 4월 7일까지 하우저 & 워스 로스앤젤레스에서 열립니다.

대표 이미지: 피에로 만조니 - 아크롬, 1961년. 짚, 반사 분말과 카올린, 불에 탄 나무 받침대. 68.3 x 45.8 x 44.5 cm / 26 7/8 x 18 x 17 1/2 인치. 헤르닝 현대미술관(HEART). 사진: 쇠렌 크로그. © 피에로 만조니 재단, 밀라노
필립 Barcio