Abstractie is in het Fysieke - Jules Olitski

De carrière van de Oekraïens-Amerikaanse kunstenaar Jules Olitski (1922 – 2007) herinnert ons eraan dat kunst geen vaste menselijke bezigheid is, die door elke beoefenaar op dezelfde manier moet worden gedaan, zoals bijvoorbeeld het vliegen met een passagiersvliegtuig. Kunstenaars zijn - of zouden volledig vrij moeten zijn - om het veld zo vaak als ze willen opnieuw uit te vinden. Olitski werd slechts door één factor geleid: zijn intuïtie. Hij had een visie van een afbeelding, of een sensatie die hij wilde vastleggen, of een materiële aanwezigheid die hij wilde manifesteren, en ging aan de slag om het te laten gebeuren. Of zijn visie paste bij trends of smaken deed er niet toe. De meeste mensen noemen zijn werk abstract, maar hij zelf maakte die onderscheid niet, misschien omdat zijn specifieke visie voor een schilderij, voor hem, een soort onderwerp op zich was. Als iemand droomt van het schilderen van een spuit kleur die in de lucht hangt, en vervolgens een schilderij maakt dat die droom realiseert, dan is dat schilderij precies wat het beschrijft: een schilderij van een spuit kleur die in de lucht hangt. Hoe concreet kan het zijn? Over het onderwerp advies aan andere kunstenaars zei Olitski ooit: "Verwacht niets. Doe je werk. Vier!" Hij heeft misschien soortgelijk advies aan zijn kijkers gegeven: "Verwacht niets. Kijk naar het werk. Vier!" Toch is kunstwaardering een aparte vreugde van kunstkritiek. Critici, historici en kunsthandelaren hebben al lang moeite om precies te weten waar ze Olitski moeten plaatsen binnen het lineaire sprookje dat kunstgeschiedenis heet, misschien omdat Olitski nooit de moeite nam om zichzelf af te vragen waar hij paste. Hij wisselde zo vaak van stijl, medium en methode dat hij niet alleen moeilijk te historiciseren is, maar ook moeilijk te vercommercialiseren, aangezien zoveel verzamelaars in staat willen zijn om over de kunstenaars die ze verzamelen te praten in termen van een handige afkorting: "Dit is de raster schilder. Dit is de dame die de spinnen deed. Dit is de man die de dozen deed. Etc." Dat kun je niet doen met Olitski. Hij deed te veel dingen om voor slechts één bekend te zijn. We zitten daarom vast met slechts één optie - de beste optie: "Verwacht niets. Kijk naar de schilderijen. Vier."

Schilderen op de Rand

Geboren in Snovsk, het huidige Oekraïne, emigreerde Olitski op éénjarige leeftijd met zijn moeder naar de Verenigde Staten, nadat zijn vader was vermoord door de lokale Sovjet-commissaris. Ze vestigden zich in Brooklyn, New York, en tegen de tijd dat hij naar de middelbare school ging, toonde Olitski een geavanceerde aanleg voor kunst. Hij won een prijs om kunst te studeren in Manhattan en verdiende uiteindelijk een beurs om het Pratt Institute te bezoeken. Na zijn oproep voor de Tweede Wereldoorlog gebruikte Olitski zijn G.I. Bill-privileges om zijn kunstopleiding in Parijs voort te zetten. Daar bestudeerde hij de modernistische meesters van dichtbij en werd geconfronteerd met zijn eigen demonen. Het meest opmerkelijke was dat hij zich realiseerde dat hij werd gecontroleerd door zijn eigen opleiding. Een oefening waarbij hij zichzelf blinddoekte tijdens het schilderen illustreert zijn verlangen om de manipulatie van zijn eigen ideeën te overwinnen. Diezelfde toewijding aan creatieve vrijheid leidde hem de rest van zijn leven.

Jules Olitski - Met Liefde en Veronachtzaming: Rapture Blessing, 2002. Acryl op doek. 60 x 84 in. (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Zijn eerste schildertentoonstellingen, in de jaren vijftig, werden gedomineerd door sombere, donkere, impasto abstracties, zoals "In Memory of Slain Demikovski" (1958), een werk genoemd naar zijn vader. Tegen 1960 had Olitski echter een totaal andere benadering aangenomen, waarbij hij nieuwe soorten acrylverf gebruikte om platte, levendig gekleurde composities te creëren waarin biomorfe, amoebe-achtige vormen schijnbaar in picturale petrischaaltjes tot leven komen. Vijf jaar later veranderde hij opnieuw van richting, dit keer met een industriële spuitpistool in een poging zijn droom te verwezenlijken om "een spuit kleur te schilderen die hangt als een wolk, maar zijn vorm niet verliest." Zijn spuitpistool schilderijen bezitten inderdaad veel van dezelfde etherische eigenschappen als gasachtige wolken in een verre nevel, verlicht door de explosies van sterexplosies. Dit werk zette Olitski echt aan het denken over wat hij de "rand" van een afbeelding noemde. "Een schilderij wordt van binnen naar buiten gemaakt," zei hij. De buitenrand van het werk, volgens zijn begrip, was echter niet de rand van het doek, maar de rand van kleur. Olitski besefte dat kleur zich buiten de grenzen van de verf uitstrekt, gedragen door licht en mentale waarneming in de liminale ruimte tussen het oppervlak van het schilderij en onze ogen.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Oranje), 1970. Zeefdruk. 35 x 26 in. (werk); 36 x 27 in. (ingelijst). © Jules Olitski

Structuur en stroming

Rond het midden van de jaren zeventig veranderde Olitski opnieuw van methode, waarbij hij zijn eerdere, gedempte, impasto-techniek mengde met het gebruik van een spuitpistool, en schilderijen creëerde zoals “Secret Fire – 2” (1977), die een duidelijke materiële aanwezigheid uitstralen, ondanks het etherische kleurenpalet. Hij bleef deze mengeling van methoden ontwikkelen en creëerde in de jaren tachtig een reeks gedurfde, metalen abstracties, zoals “Eternity Domain” (1989), en een reeks vreselijk oermachtige werken in de jaren negentig, zoals “Upon a Sea” (1996). Hoewel visueel divers, delen deze werken allemaal een vergelijkbaar leidend principe, dat Olitski als volgt samenvatte: “Ik beschouw schilderkunst als bezeten door een structuur, maar een structuur geboren uit de stroom van kleurgevoel.” De schilderijen die Olitski in de laatste jaren van zijn leven creëerde, zoals “With Love and Disregard: Rapture” (2002), drukken dit leidend principe op dramatische wijze uit. De structuur van hun materiële aanwezigheid is zo onverzettelijk als een steen, maar hun lichtheid van zijn claimt onmiskenbaar zijn chromatische geboorterecht in de “stroom van kleurgevoel.”

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna op doek. 88 x 71 1/2 in (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Naast zijn levenslange abstracte schilderkunst praktijk, tekende Olitski voortdurend figuratieve portretten en landschappen. Hij had ook een productieve sculptuurcarrière, die, net als zijn schildercarrière, niet werd beperkt door iets anders dan zijn eigen verbeelding. Als kind kreeg Olitski de bijnaam Prins Patutsky van zijn stiefvader. Die naam komt keer op keer terug in zijn werk: “Patutsky in het Paradijs” (1966); “Patutsky Passie” (1963); “Prins Patutsky Bevel” (1966). Het is precies deze toewijding aan kinderlijke onschuld die ik zie doordringen in alles wat Olitski als kunstenaar heeft bereikt. De kunstgeschiedenis verleent normaal gesproken alleen legendestatus aan kunstenaars die radicaal zijn in het begin van hun carrière, gevolgd door “volwassenheid” en vervolgens herhaling. Olitski paste niet in dat karakterportret. Zo experimenteel en vrij als hij kon, deed hij gewoon zijn werk, zonder verwachtingen, en vierde dat. Dat maakt hem voor mij een legende.

Uitgelichte afbeelding: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna op canvas. 79 x 109 in (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio