Abstractie is in het Fysieke - Jules Olitski

De loopbaan van de Oekraïens-Amerikaanse kunstenaar Jules Olitski (1922 – 2007) herinnert ons eraan dat kunst geen vaststaand menselijk streven is, dat door elke beoefenaar op dezelfde manier moet worden gedaan, zoals bijvoorbeeld het besturen van een passagiersvliegtuig. Kunstenaars zijn - of zouden moeten zijn - volledig vrij om het vakgebied zo vaak als ze willen opnieuw uit te vinden. Olitski werd slechts door één factor geleid: zijn intuïtie. Hij kreeg een beeld van een afbeelding, of een gevoel dat hij wilde vastleggen, of een materiële aanwezigheid die hij wilde manifesteren, en ging aan de slag om het te realiseren. Of zijn visie aansloot bij trends of smaken deed er niet toe. De meeste mensen noemen zijn werk abstract, maar hijzelf maakte dat onderscheid niet, misschien omdat zijn bijzondere visie op een schilderij voor hem zijn eigen soort onderwerp was. Als men droomt van het schilderen van een kleurenspray die in de lucht hangt, en vervolgens een schilderij maakt dat die droom waarmaakt, dan is dat schilderij precies wat het beschrijft: een schilderij van een kleurenspray die in de lucht hangt. Hoe concreter kan het zijn? Over het geven van advies aan andere kunstenaars zei Olitski ooit: “Verwacht niets. Doe je werk. Vier het!” Misschien gaf hij soortgelijk advies aan zijn kijkers: “Verwacht niets. Kijk naar het werk. Vier het!” Toch is kunstwaardering een ander genoegen dan kunstkritiek. Critici, historici en kunsthandelaren hebben het lange tijd moeilijk gehad om Olitski precies te plaatsen binnen het lineaire sprookje dat kunstgeschiedenis heet, misschien omdat Olitski nooit de moeite nam zichzelf af te vragen waar hij thuishoorde. Hij wisselde zo vaak van stijl, medium en werkwijze dat hij niet alleen moeilijk te historiseren is, maar ook moeilijk te verhandelen, omdat veel verzamelaars graag over de kunstenaars die ze verzamelen willen spreken in handige korte omschrijvingen: “Dit is de raster-schilder. Dit is de dame die de spinnen maakte. Dit is de man die de dozen maakte. Enzovoort.” Dat kan niet met Olitski. Hij deed te veel dingen om bekend te staan om slechts één ding. We zitten er dus mee opgescheept met maar één optie - de beste optie: “Verwacht niets. Kijk naar de schilderijen. Vier het.”

Schilderen op de rand

Geboren in Snovsk, het huidige Oekraïne, emigreerde Olitski als eenjarige met zijn moeder naar de Verenigde Staten, nadat zijn vader was vermoord door de plaatselijke Sovjet-commissaris. Ze vestigden zich in Brooklyn, New York, en al op de middelbare school toonde Olitski een gevorderde aanleg voor kunst. Hij won een prijs om kunst te studeren in Manhattan en kreeg uiteindelijk een studiebeurs om het Pratt Instituut te bezoeken. Na zijn dienstplicht in de Tweede Wereldoorlog gebruikte Olitski zijn G.I. Bill-voordelen om zijn kunstopleiding voort te zetten in Parijs. Daar bestudeerde hij de modernistische meesters van dichtbij en kreeg hij te maken met zijn eigen demonen. Vooral realiseerde hij zich dat hij werd beheerst door zijn eigen opleiding. Een oefening waarbij hij zichzelf blinddoekte tijdens het schilderen illustreert zijn verlangen om de beheersing van zijn eigen ideeën te overwinnen. Diezelfde toewijding aan creatieve vrijheid leidde hem de rest van zijn leven.

Jules Olitski - Met Liefde en Onverschilligheid: Raptuur Zegen, 2002. Acryl op doek. 60 x 84 inch (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Zijn eerste schilderijententoonstellingen in de jaren 1950 werden gedomineerd door sombere, donkere, impasto-abstracties, zoals “In Memory of Slain Demikovski” (1958), een werk genoemd naar zijn vader. Tegen 1960 nam Olitski echter een geheel andere aanpak aan, waarbij hij nieuwe soorten acrylverf gebruikte om vlakke, levendig gekleurde composities te maken waarin biomorfe, amoebe-achtige vormen schijnbaar in picturale petrischalen tot leven komen. Vijf jaar later veranderde hij opnieuw van richting, ditmaal met een industriële spuitpistool in een poging zijn droom te verwezenlijken van het schilderen van “een kleurenspray die als een wolk hangt, maar zijn vorm niet verliest.” Zijn spuitpistoolschilderijen bezitten inderdaad veel van dezelfde etherische eigenschappen als gasvormige wolken in een verre nevel, verlicht door de uitbarstingen van exploderende sterren. Deze reeks werken zette Olitski echt aan het denken over wat hij de “rand” van een schilderij noemde. “Een schilderij wordt van binnen naar buiten gemaakt,” zei hij. De buitenste rand van het werk was volgens zijn opvatting echter niet de rand van het doek, maar de rand van de kleur. Olitski zag dat kleur zich uitstrekt voorbij de grenzen van de verf, gedragen door licht en mentale waarneming in de schemerzone tussen het oppervlak van het schilderij en onze ogen.

Jules Olitski - Grafische Suite #2 (Oranje), 1970. Zeefdruk. 35 x 26 inch (werk); 36 x 27 inch (ingelijst). © Jules Olitski

Structuur en Stroom

Rond het midden van de jaren 1970 veranderde Olitski opnieuw van werkwijze, waarbij hij zijn eerdere, gedempte impasto-techniek mengde met het gebruik van een spuitpistool, en schilderijen maakte zoals “Secret Fire – 2” (1977), die ondanks hun etherische kleurenpalet een duidelijke materiële aanwezigheid uitstralen. Hij bleef deze mengeling van methoden ontwikkelen en maakte in de jaren 1980 een reeks gedurfde, metalen abstracties, zoals “Eternity Domain” (1989), en in de jaren 1990 een reeks hels oerkrachtige werken, zoals “Upon a Sea” (1996). Hoewel visueel divers, delen deze werken allemaal een vergelijkbaar leidend principe, dat Olitski als volgt samenvatte: “Ik zie schilderen als bezield door een structuur, maar een structuur geboren uit de stroom van kleurgevoel.” De schilderijen die Olitski in de laatste jaren van zijn leven maakte, zoals “Met Liefde en Onverschilligheid: Raptuur” (2002), drukken dit leidende principe op dramatische wijze uit. De structuur van hun materiële aanwezigheid is zo onbuigzaam als steen, maar hun lichtheid van zijn claimt onmiskenbaar hun chromatische geboorterecht in de “stroom van kleurgevoel.”

Jules Olitski - Patutsky Passie, 1963. Magna op doek. 88 x 71 1/2 inch (223,5 x 181,6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Naast zijn levenslange abstracte schilderpraktijk maakte Olitski voortdurend figuratieve portretten en landschappen. Hij had ook een vruchtbare beeldhouwcarrière, die, net als zijn schildercarrière, alleen werd begrensd door zijn eigen verbeelding. Als kind kreeg Olitski van zijn stiefvader de bijnaam Prins Patutsky. Die naam komt steeds weer terug in zijn werk: “Patutsky in Paradijs” (1966); “Patutsky Passie” (1963); “Prins Patutsky Bevel” (1966). Het is precies deze toewijding aan kinderlijke onschuld die ik overal terugzie in alles wat Olitski als kunstenaar bereikte. Kunstgeschiedenis verleent normaal gesproken alleen legendarische status aan kunstenaars die vroeg in hun loopbaan radicaal zijn, gevolgd door “volwassenheid” en daarna herhaling. Olitski paste niet in dat profiel. Zo experimenteel en vrij als hij kon, deed hij gewoon zijn werk, zonder verwachtingen, en vierde het. Dat maakt hem voor mij een legende.

Afbeelding uitgelicht: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna op doek. 79 x 109 inch (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio