De Meest Invloedrijke Levende Afro-Amerikaanse Abstracte Kunstenaars

Afrikaans-Amerikaanse abstracte kunstenaars - vooral degenen die afstammen van slaven - staan onder voortdurende druk, zowel van binnenuit als van buitenaf, om hun identiteit een centraal onderdeel van hun werk te maken. Deze druk is begrijpelijk gezien de enorme, systematische vooroordelen waarmee Afrikaans-Amerikaanse kunstenaars te maken hebben, maar het betekent ook dat zwarte abstracte kunstenaars die vastbesloten zijn om hun vakgebied vooruit te helpen, niet alleen te maken hebben met dezelfde esthetische, intellectuele en kunsthistorische vragen als elke andere abstracte kunstenaar, maar ook moeten strijden tegen impliciete vooroordelen met betrekking tot inhoud. Terug in 2017, na de opening van Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power in de Tate Modern, merkte een kunstenaar wiens werk in die tentoonstelling was, privé tegen mij op over het schilderij “Trane” (1969) van William T. Williams, dat ook in de show was. "Dat schilderij," zei deze persoon, "heeft niets te maken met zwart zijn." Mijn witte privilege verhinderde me om een oordeel te vellen. Het enige wat ik kon doen was luisteren en vervolgens mijn eigen waarheid uitdrukken, namelijk dat “Trane” een van de meest dynamische en opwindende schilderijen is die ik ooit heb gezien. Het belichaamt een vergelijkbare elektrische, polyrhythmische gevoeligheid als de muziek van John Coltrane, naar wie het is vernoemd. Hoe irrelevant het ook mag zijn, mijn mening is dat, ongeacht wie je bent, de keuze om kunst te maken die niet specifiek politieke zorgen aanpakt, op zichzelf een politieke daad is. Afrikaans-Amerikaanse kunstenaars worden gemarginaliseerd, ongeacht wat voor soort werk ze maken. Extra marginalisatie op zwarte abstracte kunstenaars stapelen voelt als wreedheid bovenop wreedheid. Kunstenaars hebben geen druk nodig over inhoud. Ze hebben aanmoediging nodig om zichzelf eerlijk te uiten. Ik vind het heroïsch voor elke kunstenaar om te blijven streven in het gezicht van willekeurige kritiek. Met dat in gedachten, hoewel er zoveel meer zijn die ook een spotlight verdienen, zijn hier negen levende Afrikaans-Amerikaanse abstracte kunstenaars die het vakgebied zelfverzekerd vooruit helpen, wiens werk invloedrijk voor mij is geweest.

Shinique Smith

Shinique Smith maakt werk dat speels, maar ook angstaanjagend is; lichamelijk, maar ook geestelijk; tijdloos, maar onmiskenbaar hedendaags. Elk van haar composities - of het nu een schilderij, een sculptuur of een installatie is - voelt net zo complex en zelfvoorzienend aan als een wilgenboom of een zwerm bijen. Het werk wordt onmiskenbaar geanimeerd door gebaar en lijn, maar zijn gebaren die verder gaan dan het vlak maken het tot een uitdrukking van iets multidimensionaals en organisch. Voor mij vangt het werk perfect samen wat de natuur en de stad delen.

Shinique Smith - Codex, 2019. © Shinique Smith

Mary Lovelace O’Neal

Eenvoudig gezegd, elke Mary Lovelace O’Neal schilderij dat ik zie verrast me. O’Neal daagt voortdurend uit wat een schilderachtige compositie kan zijn. Gewicht is het woord dat in me opkomt als ik naar haar schilderijen kijk: het gewicht dat ze aan licht kan geven; of het gewicht dat ze in schijnbaar lege ruimte blaast. Van haar minimale, lineaire werken tot haar globulaire, vrij-gebogen explosies van kleur, toont O’Neal keer op keer haar bereidheid om de grenzen van balans en harmonie te testen.

Mary Lovelace O’Neal - Pas op voor Hoofd Stewards die Geschenken van Fruit en Regenbuiten Brengen, 1982. Gemengde techniek op canvas. 81 x 138 inch. © Mary Lovelace O’Neal. Fotografie Kija Lucas, met dank aan de kunstenaar.

Odili Donald Odita

"Gebroken ruimte komt in me op telkens wanneer ik een schilderij zie van Odili Donald Odita. Deze in Nigeria geboren abstracte schilder, die als kind met zijn gezin naar Columbus, Ohio emigreerde, heeft een meesterlijke vaardigheid om kleuren en vormen in conflict met elkaar te positioneren op een afgevlakte vlak. De resulterende relaties openen onrustige visuele werelden van vibratie en beweging. Pulsatie tussen het chaotische en het sublieme, zijn schilderijen breiden de langgezochte erfenis van dynamiek uit die abstracte kunstenaars al sinds de dagen van het Pointillisme bezighoudt."

Odili Donald Odita - Phantom’s Shadow, 2018. Acryl op canvas. 50 x 50 1/5 in (127 x 127,5 cm). Stevenson. © Odili Donald Odita

Sam Gilliam

Sam Gilliam is een iconische figuur in de abstracte kunstscene van Washington D.C. sinds de jaren 60, toen hij zijn kenmerkende methode ontwikkelde om verf rechtstreeks op ongespannen doeken te gieten, deze vervolgens op te binden en ze aan de muur of van het plafond te hangen. Zijn schilderijen belichamen kleur en vorm, en drukken de tijdloze samenwerking uit tussen keuze en toeval. Hemels en ritmisch, hangt hun transcendente karakter tegelijkertijd af van aardse materialisme en vluchtige spiritualiteit.

Sam Gilliam - 27/10/69, 1969. Acryl op canvas, installatieafmetingen variabel, geschatte installatieafmetingen: 140 x 185 x 16 inch, (355,6 x 469,9 x 40,6 cm), Collectie van The Museum of Modern Art, New York, NY, met dank aan David Kordansky Gallery, Los Angeles, fotografie door Fredrik Nilsen Studio.

Jennie C. Jones

Ik heb gehoord dat Jennie C. Jones een Minimalist wordt genoemd, misschien omdat haar visuele taal veel geometrische vormen en effen kleurvlakken gebruikt. Echter, ik beschouw haar werk niet als minimaal. Integendeel: ik beschouw het als gelaagd en veelzijdig. Hoe langer ik naar haar schilderijen kijk, hoe meer ze onthullen. Dit fenomeen kan deels worden toegeschreven aan het feit dat Jones geen enkel deel van haar objecten laat verspillen - van de afgeschuinde of geschilderde randen tot haar zorgvuldige overweging van hoe schaduwen worden geworpen. Ze is een bekwame maker van esthetische relikwieën die werelden van perceptie openen die genuanceerd en diep zijn.

Jennie C. Jones - Constante Structuur bij The Arts Club of Chicago, 19 maart - augustus 2020. Afbeelding: Pierre Le Hors. © Jennie C. Jones

McArthur Binion

De eerste keer dat ik een schilderij van McArthur Binion zag, dacht ik dat ik naar een eenvoudig, modernistisch raster keek. Ik vond het desondanks betoverend, zelfs diepgaand. Toen ik dichterbij kwam, realiseerde ik me dat er in het raster fragmenten waren ingebed die leken op pagina's uit een dagboek. Een ander nabijgelegen raster schilderij was, bij nader inzien, samengesteld uit honderden kleine kopieën van een foto van een gezicht. Het gezicht was dat van de kunstenaar; de pagina's waren uit zijn adressenboek. Op de puurste en meest persoonlijke manier voegt Binion zichzelf toe aan de geschiedenis van de abstracte kunst, en door dit te doen breidt hij de erfenis uit naar een frisse en oprechte ruimte.

McArthur Binion - Hand:Work, 2018. Olie-stift en papier op board. 72 x 48 x 2”. © McArthur Binion

Stanley Whitney

Stanley Whitney herinnert me eraan hoe essentieel de menselijkheid is voor abstracte kunst. Wat het humanisme van het modernisme heeft uitgeroeid uit de abstractie ten dienste van nieuwheid en/of perfectie, brengt Whitney er weer in terug. Zijn imperfecte, schilderachtige rasters omarmen de oozende vertrouwdheid van kleur en de weelderige schoonheid van verf zelf.

Stanley Whitney - Untitled, 2013. © Stanley Whitney. Met dank aan Lisson Gallery.

Frank Bowlen

Frank Bowling creëert schilderijen die een hint geven naar de werelden van betekenis die schuilgaan tussen kleur en textuur. In zijn composities zijn verwijzingen naar kaarten ingebed, vaak met het continent Afrika als middelpunt. De formele, abstracte elementen blijven zich echter op de voorgrond manifesteren - een subtiele uitdrukking, en afwijzing, van het essentiële conflict waarmee elke Afro-Amerikaanse abstracte kunstenaar geconfronteerd wordt.

Frank Bowling - Elder Sun Benjamin, 2018. Acryl en gemengde media op canvas. 119 5/16 x 203 9/16 in (303,1 x 517 cm). San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA). © Artists Rights Society (ARS), New York / DACS, Londen

James Klein

James Little is bedreven in het creëren van schilderijen die het oog dwingen ze niet allemaal in één keer te zien. Hij is een meester in het verslaan van onze drang om te vereenvoudigen. In zijn werken vermenigvuldigen chromatische indrukken zich totdat we gedwongen worden te erkennen dat de eenvoudige vreugde van het toegeven aan sensatie belangrijker en bevredigender is dan we ons meestal toestaan te geloven.

James Little - Exculpatory Evidence, 2019. Olie op linnen. 40 x 51 in (101,6 x 129,5 cm). Louis Stern Fine Arts. © James Little

Uitgelichte afbeelding: Odili Donald Odita - Heat Wave, 2018. Acryl op canvas. 80 3/10 x 103 9/10 in (204 x 264 cm). Stevenson. © Odili Donald Odita
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio