Alberto Burri en de Transformatie van Materialen

Als we zeggen dat een kunstwerk betekenis heeft, impliceert dat dat we geloven dat betekenis bestaat. Maar als betekenis bestaat, zou het leven zelf dan niet het meest betekenisvolle zijn? Immers, het is alleen omdat we leven dat we kunnen genieten van het nadenken over de betekenis van andere dingen. Alberto Burri werd kunstenaar in een tijd van paradoxen rond betekenis. Hij begon te schilderen als krijgsgevangene tijdens de Tweede Wereldoorlog. Voor de oorlog was hij arts geweest en diende hij aan het front in de Italiaanse infanterie, en had daardoor uit de eerste hand gezien tot welke conclusie de beschaving blijkbaar was gekomen over de schijnbare zinloosheid van het menselijk leven. Tegelijkertijd wierpen kunstenaars in Europa en Amerika zich echter vol overgave op uitingsvormen die volledig draaiden om persoonlijke betekenis: onbewuste betekenis, psychologische betekenis, verborgen betekenis en universele betekenis. Op de een of andere manier hield de samenleving twee tegengestelde gedachten vast: dat een levend wezen zo weinig betekenis kan hebben dat het in oorlog kan worden verspild, en dat een levenloos voorwerp zo veel betekenis kan bezitten dat het onschatbaar wordt. Burri’s werk behandelt, althans deels, zijn gevoelens over wat betekenis zou moeten hebben en wat dat ook daadwerkelijk heeft. Door het nauwkeurig te bekijken kunnen we misschien iets ontdekken van wat deze unieke kunstenaar heeft blootgelegd; waarheden die ons begrip van abstracte kunst en onszelf kunnen vergroten.

De Wortels van Alberto Burri

In zekere zin zou Alberto Burri zonder oorlog misschien geen kunstenaar zijn geworden. Hij zou dan een dorpsarts zijn geworden. Burri werd geboren in een klein stadje in Umbrië, Italië, in 1915, als zoon van een wijnhandelaar en een moeder die school gaf. Het platteland van zijn geboorteplaats is idyllisch. Het landschap zou uiteindelijk het onderwerp vormen van veel van Burri’s eerste schilderijen, die hij zichzelf leerde maken als Amerikaanse krijgsgevangene in Texas. In 1940 behaalde Burri zijn universitaire graad in de geneeskunde. Hij was net begonnen als arts toen Italië datzelfde jaar de Tweede Wereldoorlog inging. Burri werd opgeroepen voor de infanterie. Bijna drie jaar vocht hij als soldaat aan het front in Noord-Afrika, waar hij ook als veldarts diende.

Toen Burri’s eenheid werd gevangengenomen, werd hij naar een krijgsgevangenenkamp in Hereford, Texas, gestuurd. Daar mocht Burri geen geneeskunde uitoefenen. Net als veel andere krijgsgevangenen begon hij daarom te schilderen om de tijd te doden. Omdat hij geen geschikte doeken had, schilderde hij op jute zakken. Hij schilderde idyllische landschappen van wat hij in Texas zag en van wat hij eerder in zijn leven had gezien, in Umbrië. Na de oorlog, toen hij naar Italië werd teruggestuurd, liet Burri de geneeskunde voorgoed achter zich en stortte zich volledig op zijn kunst. Maar hij koos een heel andere richting voor zijn esthetiek. Hij beperkte zijn beeldtaal en maakte beelden die volledig abstract waren. Hij bleef jute gebruiken, dat in het naoorlogse Italië in overvloed aanwezig was, en verwerkte ook andere materialen, middelen en gereedschappen die goedkoop en gemakkelijk verkrijgbaar waren. Zijn palet en zijn beelden leken op het verscheurde landschap van zijn vaderland en de textuur en het uiterlijk van zoveel verspild materiaal.

Alberto Burri - Bianco, olie, stoffen collage, zand, lijm en jute op doek, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

De Drang naar Betekenis

Het feit dat Burri’s nieuw abstracte stijl kleuren, structuren, materialen en vormen bevat die doen denken aan vernietiging en bloedvergieten, lijkt een uitnodiging aan kijkers om aan te nemen dat hij werk maakte over zijn ervaringen als arts en soldaat. Maar Burri stelde gedurende zijn carrière dat er geen betekenis te vinden was in zijn keuzes, en dat er helemaal geen betekenis in zijn beelden zat. In 1994 zei hij over zijn gehele oeuvre: “Vorm en ruimte! Het einde. Er is niets anders.”

Misschien ligt in die uitspraak de diepere waarheid die Burri ontdekte over betekenis en bestaan. De enige universaliteit die alle dingen delen, inclusief mensen, schilderijen, dieren en bommen, is dat alles slechts materie is die verschillende vormen aanneemt in de ruimte. In de filosofie geeft Materieel Realisme prioriteit aan de tastbare wereld boven de bewuste wereld. Soms gebruiken atheïsten de term om hun ontkenning van een geestelijke wereld aan te duiden. Soms gebruiken wetenschappers het om objectieve waarnemingen te scheiden van hun persoonlijke reacties daarop. Als we geloven wat Alberto Burri zelf zegt over zijn werk (en waarom zouden we dat niet doen?), dan belichaamt zijn kunstwerk Materieel Realisme. Het onderzoekt de werkelijkheid van de formele, tastbare eigenschappen van zijn materialen, en niets meer.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, acrylverf en jute zak op doek, 1954 (links) / Sacco 5 P, stof op doek, jute en handmatig genaaid, 1953 (rechts). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Burri’s Materiële Werkelijkheid

Wat betreft de formele kwaliteiten van zijn oeuvre was Burri een buitengewoon creatieve vernieuwer. Hij was een pionier in een reeks technieken om zijn werk te maken, en verwerkte een even gevarieerde reeks materialen om het effect van die technieken te benadrukken. Geïnspireerd door het concept van collage kregen zijn beelden een gelaagde uitstraling die de grens tussen schilderij, reliëf en beeldhouwwerk vervaagde. Zijn vroegste werken waren mengsels van verf en gelaagde stof, die hij aan elkaar naaide. Later voegde hij dimensie toe door zijn oppervlakken te snijden, te scheuren en gaten erin te prikken. Hij gebruikte vuur om houten elementen van zijn werk te verbranden, waarbij hij het verkoolingsproces gebruikte om zijn vormen te creëren. Hij gebruikte hitte om plastic te smelten, waardoor hij een vreemd organische dimensie en structuur aan zijn composities toevoegde.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Om de formalistische aard van zijn kunstwerk te benadrukken, gaf hij zijn werken geen poëtische namen, maar noemde hij ze simpelweg naar hun fysieke aard, met de Italiaanse woorden voor hun kleur, materiaal of de techniek die hij gebruikte. Zijn werken gemaakt met teer noemde hij Catrami, zijn gesmolten plastic werken waren Plastichi, zijn werken in hout noemde hij Legni. Zijn jute werken noemde hij Sacchi, het Italiaanse woord voor zakken. De werken die hij met vuur maakte noemde hij Cumbustiono, en zijn iconische bolle werken, die hij maakte door vreemde uitsteeksels achter de oppervlakken te plaatsen, noemde hij Gobbi, het Italiaanse woord voor bulten.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

De Grote Scheur

Een van de meest iconische prestaties in Burri’s carrière kwam in de vorm van een esthetiek die hij ontwikkelde en die hij Cretto noemde, een Toscaanse volksuitdrukking voor scheur. Om Cretto te bereiken, overdrijft hij de processen die leiden tot het natuurlijke ontstaan van fijne, haarlijnscheurtjes in verschillende schildermaterialen naarmate ze ouder worden, een effect dat craquelure wordt genoemd. Dit effect wordt normaal gesproken als schadelijk voor een schilderij beschouwd. Bijvoorbeeld, Kazimir Malevich’s baanbrekende schilderij Zwart Vierkant, dat ooit een egaal zwart vlak was, is nu zo slecht verouderd dat het lijkt op een van Burri’s Cretto-schilderijen.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl op cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Door het toe-eigenen van een proces dat normaal gesproken aan verval wordt toegeschreven en het in plaats daarvan tot een scheppingsproces te maken, drukt Burri opnieuw een fundamentele tweedeling uit over de betekenis van dingen. Hij schept door het handelen van vernietiging. Hij vindt schoonheid in verval. De ultieme uiting van deze uitdrukking kwam in 1985 toen Burri het gebruikte om zijn meest monumentale werk te maken, Il Grande Cretto. Een van de grootste bekende werken van landkunst, Il Grande Cretto werd gebouwd op de voormalige plek van een verwoeste stad, de stad Gibellina op Sicilië, die in 1968 werd verwoest door een aardbeving. Il Grande Cretto ligt bovenop de ruïnes, een enorme verzameling stenen vormen en spleten van ongeveer 120.000 vierkante meter.

Kazimir Malevich - Zwart Vierkant, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moskou

Een Erfenis van Vernieuwing

Burri was niet de enige kunstenaar die na de Tweede Wereldoorlog werd geïnspireerd om zich tot dit soort esthetiek te wenden. Tegen de jaren zestig gebruikten zoveel kunstenaars weggegooide, schijnbaar waardeloze materialen in hun werk dat de term Arte Povera, of arme kunst, werd bedacht om hun stijl aan te duiden. En de term Art Informel werd bedacht om de wilde, expressieve doeken te benoemen die schilders maakten door intuïtie en emotionele handeling. Hoewel Burri’s esthetiek hem in verband bracht met zowel Arte Povera als Art Informel, had hij een heel andere reden om deze esthetiek te omarmen dan de anderen die na hem kwamen.

Arte Povera was een reactie op iets anders dat in de kunst gebeurde; het was een terugkeer naar een proletarische esthetiek. Art Informel was een omarming van persoonlijke expressie en de kracht van het maken van werk dat iets dieps en verborgen uitdrukt. Wat Burri deed was geen reactie tegen iets anders. En er was geen betekenis verborgen in zijn werk. Hij zei: “De woorden betekenen niets voor mij; ze praten om het schilderij heen. Wat ik moet uitdrukken verschijnt in het schilderij.” Deze unieke, zelfverzekerde benadering van een volledig formeel onderzoek van materialen, vorm en ruimte liet een voorbeeld achter dat iets hoopvols zei: Schilderijen zijn gewoon schilderijen. Het is de kunstenaar die hun betekenis bepaalt, en daarom is het de kunstenaar – het levende, ademende, scheppende individu – die gewaardeerd moet worden.

Afbeelding in de spotlight: Alberto Burri - Ferro, 1954, fotocredits Guggenheim Museum
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie gebruikt
Door Phillip Barcio