Alberto Burri en de Transformatie van Materialen

Als we zeggen dat een kunstwerk betekenis heeft, impliceert dat dat we geloven dat betekenis bestaat. Maar als betekenis bestaat, zou het leven zelf dan niet het meest betekenisvolle ding moeten zijn? Immers, het is alleen omdat we leven dat we kunnen genieten van het overdenken van de betekenis van andere dingen. Alberto Burri werd een kunstenaar in een tijd van paradoxen met betrekking tot betekenis. Hij begon te schilderen als krijgsgevangene tijdens de Tweede Wereldoorlog. Hij was voor de oorlog arts geweest en diende aan het front in de Italiaanse infanterie, en had als zodanig uit de eerste hand getuige geweest van de conclusie waar de beschaving kennelijk was gekomen met betrekking tot de schijnbare betekenisloosheid van het menselijk leven. Toch gooiden kunstenaars in Europa en Amerika zich tegelijkertijd vol overgave in uitdrukkingsvormen die volledig over persoonlijke betekenis gingen: onbewuste betekenis, psychologische betekenis, verborgen betekenis en universele betekenis. Op de een of andere manier hield de samenleving twee tegengestelde gedachten vast: dat een levend wezen zo weinig betekenis kan hebben dat het verspild kan worden in oorlog, en dat een levenloos object zoveel betekenis kan bezitten dat het onschatbaar kan worden. Burri's werk, althans gedeeltelijk, behandelt zijn gevoelens over wat betekenis zou moeten hebben en wat betekenis heeft. Door het van dichtbij te beschouwen, kunnen we misschien enkele van de waarheden ontdekken die deze unieke kunstenaar onthulde; waarheden die onze begrip van abstracte kunst en onszelf kunnen vergroten.

Alberto Burri's Wortels

In zekere zin, zonder oorlog zou Alberto Burri misschien geen kunstenaar zijn geworden. In plaats daarvan zou hij een plattelandsarts zijn geworden. Burri werd in 1915 geboren in een klein stadje in Umbrië, Italië, uit een vader die wijn verkocht en een moeder die lesgaf. Het platteland van zijn thuis is idylisch. Het landschap zou uiteindelijk dienen als onderwerp voor veel van Burri's eerste schilderijen, de schilderijen die hij zichzelf leerde maken als een Amerikaanse krijgsgevangene in Texas. In 1940 studeerde Burri af aan de universiteit met een medische graad. Hij was net begonnen met het uitoefenen van zijn beroep als arts toen Italië later dat jaar de Tweede Wereldoorlog inging. Burri werd opgeroepen voor de infanterie. Bijna drie jaar vocht hij als frontsoldaat in Noord-Afrika, waar hij ook als arts in het veld diende.

Toen Burri's eenheid werd gevangen genomen, werd hij naar een krijgsgevangenenkamp in Hereford, Texas gestuurd. Daar mocht Burri geen geneeskunde beoefenen. Dus, net als veel andere krijgsgevangenen, begon hij te schilderen om de tijd te doden. Gebrek aan geschikte doeken dwong hem om op jute zakken te schilderen. Hij schilderde idyllische landschappen van wat hij in Texas zag, en van wat hij eerder in zijn leven in Umbrië had gezien. Na de oorlog, bij zijn repatriëring naar Italië, verliet Burri de geneeskunde voor altijd en wijdde hij zich volledig aan zijn kunst. Maar hij nam zijn esthetiek in een heel andere richting. Hij reduceerde zijn visuele taal en creëerde beelden die volledig abstract waren. Hij bleef jute gebruiken, dat in overvloed aanwezig was in het naoorlogse Italië, en incorporateerde ook andere materialen, media en gereedschappen die goedkoop en gemakkelijk verkrijgbaar waren. Zijn palet en zijn beelden leken op het verscheurde landschap van zijn thuisland en de textuur en uitstraling van zoveel dat was verspild.

Alberto Burri - Bianco, oil, fabric collage, sand, glue and burlap on canvas, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

De haast naar betekenis

Het feit dat Burri's nieuw abstracte stijl kleuren, texturen, materialen en vormen omvatte die doen denken aan vernietiging en bloedvergieten, lijkt een uitnodiging aan de kijkers om aan te nemen dat hij werk maakte over zijn ervaringen als arts en soldaat. Maar Burri beweerde gedurende zijn carrière dat er geen betekenis te vinden was in zijn keuzes, en dat er helemaal geen betekenis in zijn beelden was. In 1994 zei hij in verwijzing naar zijn gehele oeuvre: “Vorm en Ruimte! Het einde. Er is niets anders.”

Misschien ligt in die uitspraak de diepere waarheid die Burri ontdekte over betekenis en bestaan. De enige universaliteit die door alle dingen wordt gedeeld, inclusief mensen, schilderijen, dieren en bommen, is dat alles gewoon materie is die verschillende vormen in de ruimte aanneemt. In de filosofie geeft het Materialisme de voorkeur aan de fysieke wereld boven de bewuste wereld. Soms gebruiken atheïsten de term in verband met hun ontkenning van een spiritueel rijk. Soms gebruiken wetenschappers het om objectieve waarnemingen te scheiden van hun persoonlijke reacties op diezelfde waarnemingen. Als we moeten geloven wat Alberto Burri zelf zegt over zijn werk (en waarom zouden we dat niet doen?), dan is zijn kunstwerk een voorbeeld van Materialisme. Het verkent de realiteit van de formele, fysieke eigenschappen van zijn materialen, en niets meer.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, acrylic paint and jute sack on canvas, 1954 (Left) / Sacco 5 P, fabric on canvas, burlap and hand stitching, 1953 (Right). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Burri’s Materiële Realiteiten

Wat betreft de formele kwaliteiten van zijn oeuvre was Burri een wild creatieve innovator. Hij pionierde een reeks technieken om zijn werk te creëren en incorporateerde een even diverse reeks materialen om de impact van die technieken te benadrukken. Door het concept van collage te lenen, kregen zijn beelden een gelaagde uitstraling die de grens tussen schilderkunst, reliëf en sculptuur vervaagde. Zijn vroegste werken waren mengsels van verf en gelaagd stof, die hij aan elkaar stikte en naaide. Later voegde hij dimensionaliteit toe door in zijn oppervlakken te snijden, te scheuren en gaten te prikken. Hij gebruikte vuur om houten elementen van zijn werk te verbranden, waarbij hij het verkoolproces gebruikte om zijn vormen te creëren. Hij gebruikte hitte om plastic te smelten, wat een vreemd organische dimensie en textuur aan zijn composities toevoegde.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

In een poging de formalistische aard van zijn kunstwerken te herhalen, gaf hij zijn werk niet poëtische namen, maar noemde hij ze eenvoudig naar hun fysieke aard, met de Italiaanse woorden voor hun kleur, materiaal of de techniek die hij gebruikte om ze te maken. Zijn werken gemaakt met teer noemde hij Catrami, zijn gesmolten plastic werken waren Plastichi, zijn werken in hout werden Legni genoemd. Zijn jute werken noemde hij Sacchi, het Italiaanse woord voor zakken. De werken die hij met vuur maakte, werden Cumbustiono genoemd, en zijn iconische bolle werken, die hij maakte door vreemde uitsteeksels achter de oppervlakken in te voegen; noemde hij Gobbi, het Italiaanse woord voor bulten.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

De Grote Barst

Een van de meest iconische prestaties van Burri's carrière kwam in de vorm van een esthetiek die hij pionierde en die hij Cretto noemde, een Toscaans slangwoord voor scheur. Om Cretto te bereiken, overdrijft hij de processen die leidden tot het natuurlijke uiterlijk van fijne, haarlijnscheuren in verschillende schildermedia naarmate ze in de loop van de tijd verouderen, een effect dat bekend staat als craquelure. Het effect wordt normaal gesproken als nadelig voor een schilderij beschouwd. Bijvoorbeeld, Kazimir Malevich’s baanbrekende schilderij Black Square, dat ooit een solide zwarte vorm was, is nu zo slecht verouderd dat het lijkt op een van Burri’s Cretto schilderijen.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl on cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Door de toe-eigening van een proces dat normaal gesproken wordt toegeschreven aan verval, en het in plaats daarvan om te zetten in een proces van creatie, drukt Burri opnieuw een essentiële dichotomie uit over de betekenis van dingen. Hij creëert door de daad van vernietiging. Hij vindt schoonheid in verval. De ultieme manifestatie van deze expressie kwam in 1985 toen Burri het gebruikte om zijn meest monumentale werk te creëren, Il Grande Cretto. Een van de grootste bekende werken van land art, Il Grande Cretto werd gebouwd boven de voormalige locatie van een vernietigde stad, de stad Gibellina in Sicilië, die in 1968 door een aardbeving werd verwoest. Il Grande Cretto ligt boven zijn ruïnes, een enorme verzameling van stenen vormen en spleten die ongeveer 120.000 vierkante meter meet.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moscow

Een Erfenis van Innovatie

Burri was niet de enige kunstenaar die geïnspireerd raakte om na de Tweede Wereldoorlog deze soort esthetiek te omarmen. Tegen de jaren zestig gebruikten zoveel kunstenaars afgedankte, schijnbaar waardeloze materialen in hun werk dat de term Arte Povera, of arme kunst, werd bedacht om naar hun stijl te verwijzen. En de term Art Informel werd bedacht om te verwijzen naar de wilde, expressieve doeken die schilders maakten door intuïtie en emotionele actie. Hoewel Burri's esthetiek ervoor heeft gezorgd dat hij wordt geassocieerd met zowel Arte Povera als Art Informel, had hij een heel andere reden om deze esthetiek te omarmen dan de anderen die na hem kwamen.

Arte Povera was een reactie op iets anders dat in de kunst gebeurde; het was een terugkeer naar een proletarische esthetiek. Arte Informel was een omarming van persoonlijke expressie en de kracht van het maken van werk dat iets dieps en verborgen binnen het werk uitdrukt. Wat Burri deed was geen reactie tegen iets anders. En er was geen betekenis verborgen in zijn werk. Hij zei: “De woorden betekenen niets voor mij; ze praten om het beeld heen. Wat ik moet uitdrukken verschijnt in het beeld.” Deze unieke, zelfverzekerde benadering van een volledig formele verkenning van materialen, vorm en ruimte liet een voorbeeld achter dat iets hoopvols verklaarde: Schilderijen zijn gewoon schilderijen. Het is de kunstenaar die hun betekenis bepaalt, en daarom is de kunstenaar – het levende, ademende, creatieve individu – dat gewaardeerd moet worden.

Uitgelichte afbeelding: Alberto Burri - Ferro, 1954, foto credits Guggenheim Museum
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio