Belangrijke Figuren van de Patroon- en Decoratiebeweging
De Pattern and Decoration-beweging neemt een speciale plaats in de hedendaagse kunstgeschiedenis in. Ontstaan uit de Feministische Kunstbeweging van de jaren '60, verklaarde Pattern and Decoration zichzelf als een soort "derde methode" tussen figuratie en abstractie. De leiders van de beweging erkenden dat de instinctieve neiging om decoratieve kunst te maken een essentieel aspect is van elke menselijke cultuur sinds het begin van de beschaving. Toch realiseerden ze zich ook dat de patriarchale westerse beschaving om de een of andere reden, ergens onderweg, de houding had aangenomen dat decoratieve kunsten ondergeschikt zouden moeten zijn aan andere zogenaamde Schone Kunsten. De oprichters van de Pattern and Decoration-beweging verwierpen die veronderstelling flat-out en verklaarden hun formalistische benadering van decoratief werk als even relevant, betekenisvol en historisch belangrijk als elke andere esthetische positie. De overkoepelende filosofie van de Pattern and Decoration-beweging werd in 1978 uiteengezet door twee van de oprichters van de beweging—Valerie Jaudon en Joyce Kozloff—in hun wonderbaarlijk bombastische manifest, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. De openingsparagraaf stelt: "Als feministen en kunstenaars die het decoratieve in onze eigen schilderijen verkennen, waren we nieuwsgierig naar het pejoratieve gebruik van het woord 'decoratief' in de hedendaagse kunstwereld. Bij het herlezen van de basis teksten van de Moderne Kunst realiseerden we ons dat de vooroordelen tegen het decoratieve een lange geschiedenis hebben en gebaseerd zijn op hiërarchieën: schone kunst boven decoratieve kunst, westerse kunst boven niet-westerse kunst, mannenkunst boven vrouwenkunst. Door ons te concentreren op deze hiërarchieën ontdekten we een verontrustend geloofssysteem gebaseerd op de morele superioriteit van de kunst van de westerse beschaving." De leiders van de beweging stelden zich dus ten doel om die verouderde en nutteloze hiërarchieën naar de ashoop van de geschiedenis te verwijzen. De erfenis van hun werk is er een van viscerale schoonheid en intellectuele verwondering. Pas nu, in feite, zijn het publiek en de kunstwereld echt de kracht van deze vitale beweging aan het absorberen, en de rol die het vandaag de dag blijft spelen in het maken van het hedendaagse kunstveld eerlijker, openhartiger en completer.
Vijf Leiders van de Beweging
Al in 1960 verliet Miriam Schapiro de dominante esthetische trends van die tijd ten gunste van het ontdekken van een uniek persoonlijke visuele stem, die grotendeels gebaseerd was op haar identiteit als vrouw. Haar eerste proto-feministische werken waren haar “Shrines,” die fungeerden als een soort geheiligde brug tussen vrouwelijkheid, spiritualiteit en de compartmentaliseerde modernistische taal van het raster. Ze ging verder met het creëren van verschillende andere kenmerkend feministische werkseries, waaronder haar monumentale “Fans,” en een serie van hard-edged, geometrische abstracte werken die gedurfde, lumineuze beelden van archetypische vrouwelijke symboliek presenteren. In 1973 nam Schapiro deel aan “Womanhouse,” een van de belangrijkste feministische kunstwerken aller tijden. Ze bedacht later ook de term “Femmage” voor haar kenmerkende methode van het combineren van technieken uit de Schone Kunsten zoals collage en assemblage met ambachtelijke technieken zoals naaien.
Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Acryl, textiel, papier op canvas. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Erfenis van Miriam Schapiro / Bildrecht Wenen, 2019.
Joyce Kozloff had haar epifanie over de historische vermindering van decoratieve kunsten na een verblijf in Mexico en vervolgens bezoeken aan Marokko en Turkije in de vroege jaren 1970. Geïnspireerd door hoe de oude esthetische tradities in deze plaatsen nog steeds levend en bloeiend waren in het dagelijks leven, vervolgde ze haar eigen ideeën over dit onderwerp op verschillende fronten. Ze begon met het maken van grootschalige schilderijen en multimedia-installaties die methoden en materialen gebruikten die traditioneel aan decoratieve ambachten waren toegewezen; ze voegde zich bij de Heresies Collective, die deelnam aan feministische sociale acties en het tijdschrift HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics publiceerde; en ze schreef mee aan het eerder genoemde Manifest van Patroon en Decoratie. In de decennia sinds de oprichting van de beweging is Kozloff actiever geworden op het gebied van openbare kunst en heeft ze een onderscheidende esthetische stem ontwikkeld die is gebaseerd op het idee van in kaart brengen, zowel in een cartografische als in een culturele zin.
Joyce Kozloff - Als ik een botanicus was Mediterraan. 3 panelen van een 9-panelen stuk. Acryl, archief digitale inkjetprint en collage op canvas. 54" x 360". © Joyce Kozloff
Naast het co-schrijven van het Manifest van Patroon en Decoratie, heeft Valerie Jaudon zich gevestigd als een van de meest zelfverzekerde esthetische stemmen van de beweging. Haar kenmerkende stijl mengt kalligrafische markeringen met patronen en ontwerpen die evocatief zijn voor decoratieve stijlen uit het Midden-Oosten. Naast haar schilderijen en werken op papier heeft Jaudon meer dan een dozijn grootschalige openbare projecten uitgevoerd, van ingelegde vloeren tot muurschilderingen op plafonds en enorme installaties in openbare parken. Het grootste van deze projecten is de monumentale “Filippine Garden (2004), een cementpad op het terrein van het Federale Gerechtsgebouw in St. Louis, Missouri. De compositie is typisch voor haar oeuvre in de manier waarop het tegelijkertijd vertrouwd en exotisch lijkt; de oorsprong is prachtig onduidelijk, het mengt zich naadloos in de natuurlijke en architectonische omgeving.
Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Olieverf op doek. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.
Al zo vroeg als in de late jaren 1960 begon Susan Michod een esthetische positie te ontwikkelen die zich tussen modernistische abstractie en de esthetische tendensen van verschillende oude inheemse tradities bevond. Haar werk balanceert tussen deze twee samenwerkende perspectieven, en roept zowel de hypnotiserende verwondering van Op Art als de sombere geometrische patronen op die eigen zijn aan de kunstvormen van het precolumbiaanse Midden-Amerika. Naast haar bijdragen aan de Pattern and Decoration Movement als kunstenaar, was Michod medeoprichter van de Artemisia Gallery in Chicago, een invloedrijke tentoonstellingsruimte voor vrouwelijke kunstenaars, waar zulke luminaries als Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff en Nancy Spero, onder vele anderen, hun vroege werk toonden.
Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Acryl op papier. 40 x 30 in. © Susan Michod
Samen met Miriam Schapiro hielp Robert Kushner bij het organiseren van enkele van de vroegste Pattern and Decoration-tentoonstellingen. Kushner kwam vanuit de wereld van de reclame-illustratie in de kunstwereld, die hij in 1961 verliet na het zien van een tentoonstelling van het werk van Franz Kline. Het duurde echter enkele jaren voordat hij het vertrouwen kreeg om zijn eigen unieke stem te ontwikkelen. Na te hebben geëxperimenteerd met een scala aan stijlen, van Abstract Expressionisme tot Minimalisme en Color Field Painting, verliet hij uiteindelijk de heersende trends om in 1972 een persoonlijke stilistische sprongetje te maken, waarbij hij gestencilde "vormen" op zijn doeken aanbracht in een "all-over" patroon. Gedurende de jaren '70 evolueerden deze gestencilde schilderijen met patronen naar meer bloemmotieven, waarbij een middenweg werd omarmd tussen formele vieringen van decoratie en figuratieve representaties van symmetrische tuinen.
Robert Kushner - Roze Bladeren, 1979. Acryl, verschillende textielen. 205 x 330,5 cm. Met dank aan Ludwig Museum – Museum voor Hedendaagse Kunst, Boedapest, Schenkung Peter en Irene Ludwig / schenking van Peter en Irene Ludwig. Foto: Ludwig Museum – Museum voor Hedendaagse Kunst, Boedapest. © Robert Kushner
Uitgelichte afbeelding: Susan Michod - Untitled, 1977. Aquarel op papier. 30 in. x 22,5 in. (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery in Long Island City, NY. © Susan Michod
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio
