Waarom Jackie Winsor Eccentriek Abstract is

Het werk van Jackie Winsor biedt een perfect wonderlijk tegenwicht voor academische theorieën over hedendaagse abstractie. Het debat dat de meeste huidige gesprekken over abstracte kunst aandrijft, draait onvermijdelijk om het verschil tussen pure abstractie—kunst die helemaal geen relatie heeft met de zogenaamde echte wereld—en abstractie die is afgeleid van, of geabstraheerd van, iets figuratiefs. Al meer dan vijf decennia maakt Winsor werken die, in theorie, aan beide zijden van dit debat zouden kunnen passen. Bijvoorbeeld, de vreemde aanwezigheid van “Chunk Piece” (1970), een opgerolde hennepboomstam, zou kunnen worden beschouwd als iets dat is geabstraheerd van de echte wereld, ondanks het feit dat er niets precies zoals het in de werkelijkheid bestaat. Ondertussen zou “Pink and Blue Piece” (1985), een gemirroorde kubus, pure formalistische abstractie kunnen worden genoemd, aangezien het slechts een eenvoudige, geometrische vorm is die in de ruimte rust. Toch kunnen beide werken ook op talloze andere manieren worden beschreven. De zogenaamd formalistische kubus zou figuratief kunnen zijn, aangezien het lijkt op talrijke andere objecten in de echte wereld; en de zogenaamd geabstraheerde boomstam is misschien helemaal niet abstract—het kan een concreet, zelfreferentieel object zijn dat bestaat zonder andere reden dan om zijn eigen kwaliteiten uit te drukken. Zo eccentric en individualistisch zijn de sculpturen die Winsor maakt dat ze het abstractiedebat volledig ontrafelen. Ze bestaan buiten het gesprek, waardoor het irrelevant wordt. Toch zijn ze zo overtuigend op een viscerale manier—zo subliem verklarend voor iets essentieels, maar voorbij onze intellect—dat ik niet kan helpen maar denk dat ze essentieel zijn voor ons begrip van abstractie. Net als twee andere visionairs van haar generatie—Richard Serra en Eva Hesse—vertegenwoordigt Winsor de belofte dat abstracte kunst tegelijkertijd onvoorstelbaar esoterisch en onmiskenbaar menselijk kan zijn.

Hardnekkig bestaan

In 1979, op 37-jarige leeftijd, kreeg Winsor een solo-expositie in het Museum of Modern Art in New York. De tentoonstelling omvatte 24 werken. In het catalogusessay voor de tentoonstelling werd Winsor beschreven als “een van de meest bekwame jongere beeldhouwers van vandaag.” Het essay biedt echter niet veel duidelijkheid over wat precies de curatoren deed denken dat het werk van Winsor zo belangrijk was. Zonder enige hyperbool wijst het simpelweg op het werk “de objectiviteit ervan of, zoals Ellen Johnson, citerend Rilke, het noemt, zijn ‘hardnekkige bestaan.’” De stukken in de MoMA-tentoonstelling deelden een universele kwaliteit die het beste kan worden omschreven als communicatief van nauwgezette, uitgerekte inspanning: ze waren bewijs van werk. “Bound Square” (1972) ziet eruit als een eenvoudige houten lijst, maar de mijlen touw die om de hoeken is gewikkeld, verbergt het feit dat Winsor talloze uren heeft gezeten om het stuk methodisch in elkaar te binden. “Four Corners” (1972) is een eenvoudige schikking van vier ronde vormen op de vloer, maar hoeveel uren zijn er besteed aan het rollen van de ballen in vorm? Evenzo suggereren de ontelbare spijkers die in de houten bovenkant van “Nail Piece” (1970) zijn gedreven een manische kwaliteit, terwijl het zelfreferentieel getitelde “30 to 1 Bound Trees” (1971-72) lijkt te onderzoeken wat de waarde is van al het menselijke werk in relatie tot de natuur.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Hout en touw. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191,8 x 193 x 36,8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., ter ere van James Thrall Soby en Grace M. Mayer Fund ter ere van Alfred H. Barr, Jr. MoMA Collectie. © 2019 Jackie Winsor

De eerste reactie die men kan hebben bij het tegenkomen van sculpturen zoals “Bound Square,” “Four Corners,” “Nail Piece” en “30 to 1 Bound Trees” is om de abstracte eenvoud van de vormen te bewonderen. Misschien voelt men vervolgens een viscerale aantrekkingskracht tot de rauwe fysikaliteit van de materialen—het hout, het hennep en het metaal. Maar het is in het proces van het eindelijk voorstellen van de inspanning die in de creatie van de sculpturen is gestoken dat onze menselijke verbinding met die vormen en die materialen zijn hoogtepunt bereikt. Het is dan dat we ons realiseren dat de eenvoudige geometrische vormen niet alleen zijn gekozen om hun formele abstracte kwaliteiten, maar omdat ze het meest geschikt zijn voor repetitief, eentonig werk. Het voorstellen van het gevoel van het hout en hennep en hamer en spijkers in onze handen, uur na uur, verbindt de sculpturen met onze vlees- en bloedmenselijkheid. De stukken bestaan inderdaad koppig, ondanks ons vermogen om ze te beschrijven, te valideren of betekenis aan ze toe te kennen; ze bezetten ook koppig intellectueel terrein, en vieren met hun bestaan de inherent mooie maar verwarrende aard van alle inspanning.

Jackie Winsor - Verbrande Stuk, 1977-78. Cement, verbrand hout en draadgaas. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Gift van Agnes Gund. MoMA Collectie. © 2019 Jackie Winsor

Het einde van etiketten

Een van de meer dubieuze labels die vaak aan Winsor zijn toegewezen, is "Process Art", wat een manier is om esthetische fenomenen te beschrijven waarvoor het eindobject niet belangrijk is - het is het proces van creatie dat het meest telt. Wat mensen, zonder twijfel, verwart over Winsor, is dat het proces zo duidelijk van vitaal belang is voor haar creaties. Inderdaad, niets wat ze maakt, zou tot stand kunnen komen zonder dat ze vaak volledig nieuwe processen uitvindt, die nieuwe methoden en technieken incorporeren die misschien alleen specifiek zijn voor de creatie van één bepaalde sculptuur. Hoe belangrijk haar processen ook zijn, het eindobject blijft van vitaal belang. Ja, het is het resultaat van het proces, en de validatie van het proces, maar het is ook de raison d'être van het proces. Zonder de visie die Winsor had voor een object, hardnekkig bestaand in de echte ruimte en tijd, zou het proces geen reden hebben om te bestaan.

Jackie Winsor - Gelamineerd multiplex, 1973. Multiplex. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Gift van de Gilman Foundation ter nagedachtenis aan J. Frederic Byers III. MoMA Collectie. © 2019 Jackie Winsor

Een ander label dat vaak aan Winsor wordt toegekend, is Post-Minimalisme. Dit label heeft ook weinig invloed op haar werk. Post-Minimalistische kunst gebruikt Minimalisme als een startpunt, of een referentiepunt, maar omarmt niet al zijn conceptuele overtuigingen. Winsor staat apart van deze verwarrende beschrijving en alle andere halfslachtige labels. Net als Marcel Duchamp is zij een eenvrouws kunstbeweging. Ze brengt sculpturen tot leven die vol vertrouwen spreken over wat het betekent om een aanwezigheid te hebben; om textuur te bevatten; om ruimte in te nemen; om het resultaat van arbeid te zijn. Ze maakt kunst die verklaart dat het net zoveel recht heeft om hier te zijn als elke steen of boom of wezen. Haar sculpturen hoeven niet gevalideerd te worden door theorie, of academisch uitgelegd, om hun agency te claimen. Ze bevrijden ons van de noodzaak om te categoriseren, of zelfs te begrijpen. Alles wat we hoeven te doen om haar werk te waarderen, is het simpelweg waarderen voor wat het onmiskenbaar is: concreet; abstract; esoterisch; eccentric; en menselijk.

Uitgelichte afbeelding: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Hennep. 36 x 38 in. (91,4 x 96,5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio